Panel 2

CASYC - Sala 2

Septiembre 6

3 pm - 5 pm

Proyectos y propuestas

Projects & proposals

 

 

Angelica

Harris-Faull

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Bridget

Hillebrand 

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Graciela

Machado 

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Judith

Martínez Estrada

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María Pina Bentivenga 

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Marina

Petit

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Resúmenes / Abstracts

Angelica Harris-Faull

La reproducción del útero o matriz


Hago grabados y me encuentro realizando un doctorado en la universidad de South Australia. El presente estudio expone descripciones de grabados y escritos del siglo diecisiete relacionados al útero visto como matriz, utilizados para mi investigación. Además, para indagar más profundamente con las percepciones contemporáneas de cómo es visto el útero desde una percepción femenina, entrevisto mujeres jóvenes a modo de conversaciones con el fin de captar sus experiencias y entendimiento con respecto al término. 
Estas percepciones, son la base de mis grabados los cuales también buscan explorar el útero-matriz desde un enfoque socio-político. 
El concepto de útero viene de la palabra matriz, derivada del latín, esta es entendida como el origen de un recurso. Dentro del concepto de los grabados, los platos son concebidos como el útero que puede generar otras generaciones de grabado. Mi objetivo es concebir el plato como el útero de nuevas creaciones. 
Históricamente, los avances tecnológicos hechos en grabados se conectan con la proliferación y estandarización del conocimiento en la producción y reproducción de libros y otros materiales. El crecimiento de la impresión en el siglo diecisiete fue el resultado de un incremento en producción, traducciones y distribuciones de textos e imágenes relacionadas a anatomía, formas de reproducción y exposición de los cuerpos. En este contexto, los cuerpos femeninos se grabaron con fines médicos, filosóficos y para explicar la reproducción moralmente. 
Este estudio busca considerar si la reproducción de grabados puede desestabilizar o diversificar el entendimiento histórico sociocultural en relación a los cuerpos femeninos y su función como cuerpo reproductor. Presentando grabados del siglo diecisiete y mi propio Linocut basado en un trabajo de instalación y videos, pienso considerar como la naturaleza de reproducir grabados puede perturbar la percepción del concepto del cuerpo de la mujer.

 

The re-producing womb – matrix


This abstract addresses the Impact Conference points: print as subversion, dissolving time and history structures and different in insights to contemporary art practice. 
I am a printmaker and PhD candidate at the University of South Australia. This paper will present insights from my archival research on seventeenth century print and textual representations of the womb. The archival research will be drawn into conversation with interviews undertaken with young women on their experiences and understandings of their womb. These insights inform my print-based artworks which explore the womb as a site of socio-political contestation. The uterus, or ‘matrix’ from Latin, refers to an original source. Within printmaking terminology the plate is conceived as the matrix, the base from which multiple generations of print can be made. I approach the matrix (womb and plate) as a morphing and creative source. 
Historically technological advances in printmaking are linked to the proliferation and standardisation of knowledge through the production of reproducible books and printed material. The expansion of the printing press in the seventeenth century resulted in an explosion in the production, translation and distribution of texts and images on anatomy, reproduction, and bodily ideals. Women’s bodies in printed material were positioned in accordance with prevailing medical, philosophical and moral ideas on reproduction. 
This paper will consider if the reproductive potential of printmaking can destabilise and diversify historical socio-cultural understandings of women’s reproductive bodies? In presenting prints from the seventeenth century and my own linocut based installation and video works I will consider how the reproducible nature of printmaking can actively subvert perpetuated conceptualisations of women’s bodies. This paper will draw on academic Karen Barad’s suggestion that critical engagements across and through time and locations can open new insights and modes of negotiating contemporary concerns.

 

Bridget Hillebrand 

Signos de desgaste: la impresión táctil


Como artista y escaladora, obtengo mi experiencia y recuerdo de un lugar en concreto a través del contacto directo con la roca. Cuando produzco obras que reflejan el íntimo encuentro sensorial y temporal entre el escalador y la roca, ofrezco nuevas posibilidades de ver y mirar: aquellas donde el observador se convierte en un participante activo en la obra.
Mi técnica de impresión busca el potencial interactivo de las obras táctiles, las cuales nos acercan a entender la conexión fenomenológica entre el espectador y la obra de arte con la que interactúa. A través de la escalada y el proceso háptico mediante el cual los escaladores entienden y derivan su experiencia de un lugar, invito al espectador a tomar contacto real con mis obras impresas. Esta metodología explora el potencial de una nueva narrativa que surge del legado de marcas creado por el contacto repetitivo del espectador.
Este artículo estudia si la sensibilidad táctil puede sustituir o mejorar las imágenes visuales a una distancia óptica, mediante la materialidad, la cercanía y la intimidad. Desafiando las nociones de archivo y conservación y métodos tradicionales de interactuar con las impresiones, animo al espectador a palpar la superficie de los trabajos. ¿Pueden los inevitables procesos de envejecimiento, desgaste y deterioro de las imágenes ser vistos como elementos positivos en el diseño de la obra, en oposición a las implicaciones negativas de los signos de la edad y las señales del uso? Mis métodos de impresión plantean preguntas acerca de la materialidad, la perdurabilidad y la fugacidad de signos de desgaste: la impresión táctil.

 

Traces of wear: the tactile print


As an artist and rock climber my experience and memory of place is formed by my physical engagement with the rock. In developing artworks that reflect a rock climbers intimate temporal and sensory encounter with rock I present new possibilities for seeing and looking: where the viewer becomes an active agent in the work.
My printmaking practice investigates the interactive potential of tactile works which led to an understanding of the phenomenological engagement of the viewer as they observe and engage with an art work. Referencing climbing discourse and the haptic process by which climbers comprehend and experience place, I invite the viewer to physically engage with my printed works. This methodology explores the potential of a new narrative that arrives from the legacy of marks made by repetitive touching from the viewer.
This paper examines whether tactile sensibility can replace or enhance distanced optical visual imagery in embracing enhanced materiality, nearness and intimacy. Challenging notions of the archive and conservation and traditional methods of engaging with prints I encourage the viewer to touch the surface of the works.

Can the inevitable processes of aging, weathering and wear of printed images be seen as positive elements in the design of the work as opposed to the negative implications of signs of age and traces of use?

My printmaking methods raise questions about materiality, permanence and transience.

 

Graciela Machado 

Impresión extendida: en Pure Print prácticas


Este artículo busca revelar eventos interdisciplinarios como Pure Print pueden contribuir con nuevos conocimientos en la gráfica actual. La investigación ha sido especialmente dirigida a desarrollar metodologías más flexibles y efectivas dentro de un ambiente académico. Este artículo presenta los resultados de un programa inicialmente considerado para revalorar a los procesos fotomecánicos. Desde las técnicas de impresión preseleccionadas hasta el procesamiento de fórmulas de transferencia de papel, las pruebas nos llevan a recopilar variaciones de las cualidades autogénicas de los procesos, no basadas en el uso de la fotografía, pero manteniendo la traducción literal de marcas dibujadas. Sus cualidades reproductivas reforzaron las percepciones de cómo el contexto, las condiciones y los procesos tenían que existir para suportar las pesquisas. Además, lo que podría aprovecharse de los recursos locales, alineando la artesanía y la práctica, las prácticas culturales materiales e inmateriales, seleccionando las conexiones entre el grabado y la investigación creativa in situ.
Propuestas apuntaban a arrojar luz sobre cómo los grabadores construyen el conocimiento, qué actividades y formatos necesitan programarse y cuáles proporcionan experiencias transformadoras. Como metodología, los formatos familiares (talleres dirigidos por artistas, charlas, seminarios, eventos interdisciplinarios) e resultados incluyen libros, carteles, libros de especímenes, donde las formas y los contenidos reflejaban un amplio espectro de posibilidades.
Lo programa de investigación tuvo que establecer los recursos. Pure Print, encuentro internacional de grabado, surgió como la plataforma de investigación que nos permite recopilar y compartir más con investigadores, colaboradores y usuarios de un programa de eventos y actividades que se entiende como una investigación realizada con los participantes. Rechazando una progresión tecnológica y cronológica lineal y planes de investigación rígidos, proponemos una práctica impura vista como una transición hacia una experiencia intermedia que considera todos los aspectos de una práctica artística, poética, experiencial, política, hermenéutica.

 

Extended printmaking: in Pure Print practices

 

This paper seeks to reveal how cross disciplinary events such as Pure Print, may contribute with new insights toward the current quest for a relevant printmaking practice.

The research has been especially aimed at developing more flexible, effective methodologies within an academic environment. This paper presents the findings of a programme of research initially considered to re-access photomechanical processes. From the pre-selected printing techniques, to process transfer paper formulas, tests lead us to collect multiple variations of the autogenic qualities of processes, which, not being based in the use of photography, involved the literal translation or reproduction of drawn marks.

Their reproductive qualities reinforced perceptions of how context, conditions and processes had to be in place for a full creative research.

Moreover, what could be use from local resources, aligning craft and practice,material and imaterial cultural practices selecting connections between printmaking and creative research in situ. In doing so, proposals aimed to shed light on how printmakers construct knowledge, which activities and formats need to be programmed and which provide transformational experiences.

Hence, as methodology we insisted in familiar formats (artist-led workshops, talks, seminars, cross-disciplinary events). In line with this, published books, articles, posters, books of specimens as documents, where forms and contents reflected wide spectrum of possibilities.
Along this, research program had to set studio research conditions.

Pure Print, international printmaking meeting emerged as the research platform allowing us to further collect and share with researchers, contributors and users of a program of events and activities understood to be an investigation undertaken with participants.

Refusing a linear technological and cronological progression and rigid research plans, we propose an impure practice seen as a transition into an intermedial experience that considers all aspects of an art practice, poetics, experiential, political, and hermeneutic.

 

Judith Martínez Estrada

Lugar, Procedencia e Identidad


Mi ensayo explorara la función del artista como intérprete de historias y archivos, con referencia en particular a encuentros entre estudios de memoria, emigración e identidad.
Al ser hija de emigrantes (España a Australia), soy consciente de los huecos en las historias genealógicas, y el intento de recuperar lo perdido o desplazado.
Aplicare la obra de Pierre Nora ‘Liuex de Memoire’ (Lugares de Memoria) y la teoría de post-memoria de Marianne Hirsch, al concepto de ‘ontología asediada por fantasmas’ de Derrida. El emigrante puede sentirse ‘No estar presente ni ausente, ni vivo, ni muerto.’ (Derrida, 1992); siempre está conectado a dos lugares a la vez, pero no enteramente presente en ninguno.
Presentare mi argumento a través de referencia a ‘El Apartamento’, una documentación visual y escrita sobre el lugar, como un estudio mnemónico y de post-memoria sobre Avenida Menendez Pelayo, 33,  Madrid. El domicilio de mi familia paterna, y el lugar que se ha convertido en un archivo que contiene los vestigios y secretos de mi genealogía; con información de la Guerra Civil, así como documentación de antepasados emigrando y retornando de Cuba a fines del siglo 19, y correspondencia de mi familia en Australia.
He planteado este proyecto como una arqueóloga y archivista – reuniendo y etiquetando objetos, fotografías y documentos, para con todo ello ir construyendo los cimientos de una historia/identidad personal.
El componente creativo de esta investigación se enfoca en la integración de foto-media y nuevos métodos gráficos, yuxtapuestos con métodos tradicionales que exploran un hibrido entre lo digital y analógico. Es más, discutiré como la múltiple presencia de la obra gráfica, permite una presencia simultánea en más de un lugar, y en turno, da fuerza a la noción de dualidad en la identidad del emigrante. 

 

Place, Provenance and Identity


My paper will explore the role of the artist as interpreter of histories and archives, with particular reference to encounters between memory studies, migration and identity.
As the daughter of migrants (Spain to Australia), I am cognizant of the voids within genealogical histories, and attempts to recuperate what has been lost or displaced. I will apply Pierre Nora's writing on 'Lieux de Mémoire' (Realms of Memory) and Marianne Hirsch's theory of postmemory, to Derrida's concept of hauntology. Migrants, it can be suggested, commonly feel 'neither present, nor absent, neither dead nor alive' (Derrida, 1992); they are always already connected to two places at once, but not entirely present in either.
I will illustrate my argument by reference to 'El Apartamento', a visual and written documentation of place as a mnemonic, postmemory study of Avenida Menendez Pelayo, 33, Madrid – the residence of my paternal family (rented for over a century). I have approached this project as an archaeologist and archivist – gathering and labeling objects, photographs and documents (from the Spanish Civil War to family members migrating to Cuba and Australia) – and in doing so, constructing a personal history/identity.
The creative component of this research focuses on the integration of photo-media and aligned printmaking techniques, that connect photo-generated approaches with traditional forms, exploring the hybrid of digital and analog realms. I will discuss the outcomes generated through experimentation with image preparation on a digital platform with intaglio matrix production, and the multi-layered approach in the production of the artworks – both as a practice and conceptual base.
Furthermore, I will discuss how the multi-present nature of the print allows for simultaneous presentation, thus reinforcing the notion of duality in a migrant's identity.

 

María Pina Bentivenga 

Vacuum editions


Vacuum editions - Edizioni sottovuoto es un proyecto internacional sin ánimo de lucro que tiene como sede operativa cuatro estudios realizados en Italia: Opificio della Rosa (opificiodellarosa.org), Atelier Insigna- (atelierinsigna.com), Impressori Anónima (anonimaimpressori.it), Estudio Luigi Castiglioni (luigicastiglioni.com ). El objetivo es recaudar fondos para eventos relacionados con el conocimiento y la valorización del grabado y el libro del artista.
Este documento cuenta la historia del proyecto y la realización de las primeras ediciones. Con la ambiciosa idea de replantear el libro de artista como una obra de arte, el diseño y la comunicación en forma de libro, en 2016 se ha formado un grupo de investigación y trabajo con unas quince personas, incluyendo diseñadores gráficos, comunicadores, grabadores, tipógrafos, encuadernador y profesores universitarios que han estado diseñando y creando libros de arte contemporáneo durante algunos años.
Vacuum editions es una serie editorial de plaquette artísticos de 28x25 cm., realizado en papel Tiepolo Fabriano, impresión tipográfico y encuadernado a mano. Cada plaquette presenta diferentes tipos de textos (extractos de libretos de ópera, rimas sabor popular de Dada, noir poesía, escritos contemporáneos) y un artista diferente firma el grabado en ella contenidas, ejecute con varias técnicas de grabado.
Los libros están hechos a mano con un paquete de vacío, de ahí el nombre del collar. El proyecto Vacuum editions implica la presentación de un libro en cada estación del año: el 23 de septiembre para el equinoccio de otoño, el 22 de diciembre para el solsticio de invierno, el 21 de marzo para el equinoccio de primavera y 21 de junio el solsticio de verano.

 

Vacuum Editions


“Vacuum editions-Edizioni sottovuoto” is an international nonprofit project run by four Italian studios: Opificio della Rosa (opificiodellarosa.org), Atelier InSigna (atelierinsigna.com), Anonima Impressori (anonimaimpressori.it), Studio Luigi Castiglioni (luigicastiglioni.com ). The aim is to raise funds for events related to the knowledge and valorisation of printmaking and artist books.
This paper will talk about the story of the project and the realisation of the first editions. With the ambitious idea of rethinking artist books as an object of art, design and communication in the shape of a book, in 2016 it was established a group of research and work: about fifteen people among graphic designers, communicators, printmakers, typographers, book-binders and university professors that have been designing and creating contemporary artist books for a few years now.
Vacuum editions is a collection of 28x25 cm artistic plaquettes, made on paper Fabriano Tiepolo, printed in typography with lead letters and hand-bound. Each plaquette presents texts of different genres (extracts of opera booklets, Dada's popular nursery rhymes, poetic noir texts, contemporary texts) and brings the name of a different artist who signs the art print contained, made with various printmaking techniques.
The books are hand-crafted with a vacuum pack, hence the name of the collection. The Vacancy Editions project is for a book to be released every season: September 23 for the autumn equinox, December 22 for the winter solstice, 21 March for the spring equinox and 21 June for the summer solstice.

 

 

Marina Petit

La Bienal Splitgraphic

Un encuentro con la práctica del grabado contemporáneo


Para examinar los encuentros dentro del Splitgraphic, una bienal contemporánea de grabado en Split, Croacia, durante los últimos quince años, asumiré aquí un punto de vista organizativo. La bienal de Splitgraphic es sin duda un ejemplo valioso de cómo una joven bienal de arte contemporáneo funciona en la práctica al preocuparse constantemente por el futuro del grabado, los nuevos estilos y las técnicas.
Splitgraphic ha estado interrogando como presentar hoy estilos y técnicas en el grabado por medio de una exposición bienal y un evento. Estas preguntas comenzaron en 2003, y hoy, en su octava edición consecutiva, Splitgraphic sigue encontrando y reuniendo varios enfoques, diversos para el grabado. Mi tema del documento se refiere al hecho de que, especialmente desde 2013, Splitgraphic ha estado lidiando con la idea de su propia sostenibilidad como un evento, mientras que al mismo tiempo se esfuerza por explorar la sostenibilidad del arte gráfico como un medio. La sostenibilidad del evento se logra mediante cambios organizacionales constantes, que reinventan las ideas detrás de la forma tradicional de bienal, la selección de las obras y los conservadores. Presentaré ejemplos de exposiciones, obras, artistas y conceptos que Splitgraphic ha estado reconsiderando, manteniendo el interés y el respeto por las técnicas tradicionales de grabado e introduciendo nuevas al presentar artistas ya establecidos, pero también estimulando el trabajo de los estudiantes como un futuro del grabado. Este documento abordará la construcción de una red internacional de relaciones y colaboraciones con otras bienales, trienales y centros gráficos importantes para Splitgraphic, que proviene de un pequeño país europeo. El cambio es eminente para Splitgraphic por mantener el único evento internacional en la ciudad de Split y Splitgraphic todavía acoge todos los cambios.

 

Splitgraphic biennial

Encounter with the contemporary printmaking practice


In order to examine encounters within the Splitgraphic, a contemporary printmaking biennial in Split, Croatia, during the last fifteen years, I shall assume here an organisational point of view. Splitgraphic biennial is surely a valuable example of how a young contemporary art biennial functions in practice by constantly being concerned with the future of printmaking, new styles and techniques. 
Splitgraphic has been questioning how to present styles and techniques in printmaking today in the set form of a biennial exhibition and an event. These concerns have started in 2003, and today in its eighth running edition Splitgraphic is still encountering and putting together various diverse approaches to printmaking. My topic of the paper refers to the fact that, especially since 2013, Splitgraphic has been dealing with the idea of its own sustainability as an event, while at the same time striving to explore the sustainability of graphic art as a medium. Sustainability of the event is achieved by constant organisational changes, which are reinventing the ideas behind the traditional form of biennial, selection of works and curators. I will present examples of exhibitions, works, artists and concepts that Splitgraphic has been rethinking while retaining an interest and respect for traditional printmaking techniques and introducing new ones while presenting already established artists but also emphasising student work as a future of printmaking. This paper will touch upon building of an international network of relationships and collaborations with other biennials, triennials and graphic centres important for Splitgraphic, which stems from a small European country. Change is imminent for Splitgraphic for sustaing the only international event in the town of Split and Splitgraphic is still is welcoming all the changes.