Panel 13

CASYC - Sala 2

Septiembre 7

3 pm - 5 pm

Diversidad y Globalidad    
Diversity & Globality  

 

 

Ian 
Chamberlain

+

Iraia

Anthonisen-Añabeitia

+

John 
Graham  

+

Jolanta

Rudzka Habisiak

+

José Manuel

Guillén Ramón

+

Michelle

Murillo 

+

Resúmenes / Abstracts

Ian Chamberlain

Ecos del pasado


En mi presentación argumentaré mi proyecto actual “El Muro Atlántico” y mi experiencia de registrar directamente varios lugares a lo largo de éste en Francia, Noruega y Dinamarca usando el dibujo, la fotografía y el video para capturar y explorar la forma y las cualidades de superficie de los sujetos. Estos serán traducidos al grabado calcográfico, lo que me permite investigar el concepto de lugar, través de una evolución orgánica de registro e introspectivas acerca de la ubicación; con los procesos de entrelazar el dibujo y la calcografía como vía para hacer una investigación ininterrumpida.
Mediante la visita a estos lugares, desarrollare mi propia respuesta visual y emocional. El Muro Atlántico era un sistema de fortificaciones construidas por la Alemania Nazi entre 1942 y 1944 a lo largo de la costa de Europa.
La elección del tema del Muro Atlántico, ofrece una relevancia contemporánea debido a los debates actuales sobre las barreras visibles e invisibles, y nuestro inminente aislamiento del continente. Algunas de estas barreras visibles permanecen siendo símbolos arquitectónicos aislados, que se convierten en una metáfora visual del cambiante panorama político, social y ambiental.
La mayoría de los temas anteriormente registrados por mí, fueron considerados tecnologías vanguardistas de su época. Ahora han ya desaparecido o han sido reconfigurados para un uso diferente. La obra se convierte en un documento histórico visual.
No sólo discutiré la relevancia del grabado como proceso para registrar mi temática y su importancia dentro del contexto del arte contemporáneo. También haré referencia histórica a un contexto más amplio, y cómo maestros como Rembrandt, Piranesi y Morandi, han influenciado mi obra.
Del mismo modo, incluiré y analizaré con más profundidad el paso del tiempo y cómo la distancia geográfica y emocional permite que surjan ideas más abstractas, creando una autonomía y singularidad dentro de la calcografía.

 

Echoes from the past


In my presentation I will discuss my current project ‘The Atlantic wall” and my experience of recording first hand several locations along the Atlantic Wall in France, Norway and Denmark using Drawing, photography and film to capture and explore the form and surface qualities of the subjects. These will then be taken in to Etching which allows me to investigate place through an organic evolution of recording and insights into location. The interlinking processes of drawing and printmaking enabling me to make a sustained enquiry.
By visiting these locations, I will develop my own subjective emotional and visual response.
The Atlantic Wall was a system of coastal fortifications built by Nazi Germany 1942 - 1944 along the coast of Europe.
The choice of subject of the Atlantic Wall offers contemporary relevance due to current debates around visible and invisible barriers and our impending isolation from the continent. Some of these visible barriers remain, isolated architectural symbols, becoming a visual metaphor of the shifting political, social and environmental landscape.
The majority of previous subjects I have recorded were considered at the forefront of technology during their lifetime. They are now defunct or have been reconfigured for a different use. The work becomes a visual historical document
I will discuss the relevance of etching as a process to record my subjects and its importance within a contemporary art context but also reference a wider historical context and how key practitioners have informed my work such as Rembrandt, Piranesi and Morandi.
I also include and discuss in more depth the passing of time and how the geographical and emotional distance from the source of inspiration allows more abstract ideas to surface, creating an autonomy and uniqueness within the print.

 

 

Iraia Anthonisen-Añabeitia & Itxaso Maguregi Olabarria

Estrategias para la conservación de las impresiones digitales


El desarrollo de los procesos de impresión digitales y su aplicación artística ha transformado radicalmente nuestra concepción visual, sobre todo a partir de la década de 1980. La invención de la fotografía ayudó en su momento a establecer claras diferencias entre imágenes reales y la representación de dicha realidad, sin embargo, desde el principio algunos artistas intentaron derribar estas convenciones, que con la llegada de las tecnologías digitales, se volvieron difusas en pocos años. 
Entre las tecnologías digitales disponibles hoy en día, la inyección de tinta es la que más ha evolucionado, y su uso se ha extendido a disciplinas como la fabricación de objetos, medicina, ingeniería o el arte. En este último campo los conceptos de realidad/representación se unen de manera que las fotografías, dibujos o pinturas se producen empleando la misma tecnología: tinta eyectada sobre una gran variedad de soportes, desde papeles de tipo artístico o RC hasta materiales rígidos.
Estos desarrollos tecnológicos ofrecen a los artistas,  nuevas metodologías de trabajo, y por tanto nuevas oportunidades para expresar sus inquietudes e ideas. Sin embargo, esta libertad creativa repercute en el control técnico de la producción desde el momento en que el trabajo se transfiere a los talleres de impresión. Este hecho, en principio menor, se convierte en un gran desafío cuando las obras de arte entran en el mercado artístico; lo que parece una fotografía se clasifica como tal, y lo mismo ocurre con los dibujos y demás representaciones.
Por todo ello, en este artículo planteamos una metodología de identificación y una terminología que determine las obras impresas con medios digitales por los materiales que las constituyen, huyendo de denominaciones comerciales. De esta manera se podrán aplicar estrategias de conservación adecuadas a este tipo de colecciones y por tanto, obtener un mayor conocimiento de nuestro patrimonio contemporáneo.

 

Conservation strategies for digitally printed artworks


The development of digital printing processes and their application to the art scene from the 1980s onwards has radically transformed our visual conception. The invention of the photography helped at the time to establish clear differences between real images and representation of this reality. However, from the beginning some artists tried to tear down this convention, and with the advent of the digital technologies these evident distinctions have absolutely blurred in few years.
Among different digital printing techniques available nowadays, inkjet has evolved the most, and its use has spread to different disciplines like object manufacturing, medicine, engineering or art. In the latter the aforementioned reality/representation concepts gather, to the point that photographs, drawings or paintings are produced employing the same technology: ink ejected onto a great substrate variety, from papers such as Fine art or RC to rigid materials (plastics, cardboards or metal).
With regard to the creative process, these technological developments offer the artists a new working methodology, and thus more opportunities to express their thoughts and ideas. However, this creative freedom affects the technical control of the production, since it is transferred to printing studios. This issue, which in principle does not mean a big problem, becomes a great challenge when the artworks enter in the art market; what looks like a photograph is classified as such, and the same happens with pictures, drawings etc.
Therefore, the intention of this paper is in this paper it is intended to outline an identification methodology and an appropriate terminology which can be of help in the determination of determines the materiality of digitally printed artworks, avoiding commercial names. This may of help in the application of correct conservation strategies and thus, a better understanding of our contemporary heritage.

 

John Graham  

Confiar en el proceso: Hacer de las Imágenes un Laboratorio Poético con un Grabado Más Seguro

 

La creación de arte en un estudio de grabado compartido amplifica el aspecto común de un grabador en la sociedad. Al igual que muchos artistas visuales en todo el mundo, mis preocupaciones ambientales se han ido enredando, cada vez más, con la conciencia de la salud y seguridad. Yo, y muchos practicantes de medios impresos de ideas afines, hemos cuestionado nuestra pasada formación tradicional.
Se ha hecho mucho progreso en muchos estudios de grabado en todo el mundo para promover la salud y la seguridad, la sostenibilidad ambiental y la responsabilidad. Sin embargo, muchos artistas grabadores siguen valorando los resultados artísticos por encima de los efectos en la salud. A menudo muchos son escépticos, inconscientes, están confundidos, y en desacuerdo sobre la eficacia de los nuevos métodos más seguros de grabado. Ellos por defecto recurren a los métodos tradicionales porque saben que funcionan. En respuesta a este reto, actualmente estamos desarrollando un inspirador sitio web que promoverá una práctica más segura. El grabado más seguro puede ser tanto un pionero de tecnologías más ecológicas, como de nuevos significados artísticos.
El proceso creativo es la única manera de asegurarse de tener las herramientas adecuadas. Sabiendo que los riesgos para la salud en mis propios procesos artísticos han sido minimizados, ahora puedo confiar plenamente en el proceso creativo. Este es el primer paso en la evolución del proceso de la imagen. Mis imágenes son exploraciones polimorfas de las metáforas, de lo mitológico, del surrealismo y del pensamiento del collage. Yo sintetizo estos intereses para nutrir la creación de imágenes en la mente subconsciente. Muchas de estas imágenes impresas de ensueño se convierten en laboratorios poéticos. No pretenden satisfacer la mente consciente, sino abrirla.

 

Trusting the Process: Making Images as Poetic Laboratories with Safer Printmaking


Art-making in a shared printmaking studio amplifies the communal aspect of a printmaker in society.

Like many visual artists worldwide, my environmental concerns have become increasingly enmeshed with health and safety awareness. I, and many like-minded print media practitioners, have questioned our past traditional training.
Much progress has been made in many printmaking studios worldwide to promote health and safety, environmental sustainability and responsibility. But many print artists continue to value artistic results over health concerns.

Often many are skeptical, unaware, confused, and disagree about the effectiveness of newer safer printmaking methods. They default to toxic traditional methods because they know that they work. In response to this challenge, we are currently developing an inspiring website that will promote safer printmaking as a best practice.

Safer printmaking can be both a pioneer of more ecological technologies and artistic new meanings.
By being aware that health risks in my own art-making processes have been minimized, I can now fully trust the creative process. This completely frees up the evolution of my visual ideas and experimental image-making processes in contemporary etching. My images are polymorphous explorations of metaphors, of the mythological, of surrealism and collage thinking. I synthesize these ongoing interests to nurture the creation of imagery that is borne in the subconscious mind. Many of these dreamlike print images become poetic laboratories. They are not intended to satisfy the conscious mind but to open it.

 

Jolanta Rudzka Habisiak

Entre Arte textil y Grabado Artístico

Experimentos que incorporen la impresión en el arte textil.


Me gustaría centrarme en las tecnologías contemporáneas de impresión textil utilizadas en el mundo del arte de la fibra y los artistas actuales del campo del arte textil, los cuales incluyen elementos de la impresión en su investigación artística.

Primero, me gustaría presentar ejemplos de obras creadas por los grandes profesoras de la Academia de Bellas Artes de Wladyslaw Strzemiński de Łódź, como Krystyna Czajkowska y Ludwika Ostrowska - Żytkiewicz.

A continuación, me gustaría presentar algunos artistas importantes de diferentes partes del mundo. En mi presentación, me gustaría mostrar ejemplos de obras híbridas creadas por los grandes artistas, los que se atreven a retar a los límites de las disciplinas expandiendo el grabado a otros campos del arte, por mencionar solo algunos nombres: artistas canadienses, que trabajan usando diferentes medios, como Julie Oakes y Derek Besant, los artistas estadounidenses Heather Ujiie y Johny Ardimando, Joanna Kinnersly-Taylor de Glasgow o el excelente artista español Carlos Rivero. Finalmente, me gustaría mostrar ejemplos de mi propio trabajo artístico. A menudo uso elementos impresos como parte de las instalaciones tejidas a gran escala. Muchas de mencionadas obras fueron presentadas y premiadas durante la Trienal Internacional de Tapices de Łódź organizada por el Museo Central de Textiles en Łódź.

 

Between Textile Art and Printmaking

Experiments incorporating print into textile art.


I would like to focus on contemporary technologies of textile print used in the world of fiber art and present artists from the field of textile art who include elements of print in their artistic research.

First, I would like to present examples of works created by great teachers of the Strzemiński Academy of Fine Arts Łódź, such as Krystyna Czajkowska and Ludwika Ostrowska – Żytkiewicz.

Next, I would like to show a few important artists from different parts of the world.

In my presentation, I would like to show examples of hybrid works created by great artists who challenge the limits of disciplines expanding printmaking into other art fields, to mention just a few names: Canadian artists working with different media, such as Julie Oakes and Derek Besant, American artists Heather Ujiie and Johny Ardimando, Glasgow based Joanna Kinsley Taylor or excellent Spanish artist Carlos Rivero.
Finally, I would like to show examples of my own artistic work.

I often use printed elements as part of larger scale woven installations, many of which were presented and awarded at the International Triennial of Tapestry organized by the Central Museum of Textiles in Łódź

 

José Manuel Guillén Ramón & Miriam Del Saz Barragán

ACEROGRAFÍA:

La plancha acero laminado en frío como soporte alternativo en los procesos de impresión litográficos y en procedimientos mixtos de estampación planográfica, en hueco y relieve.


Artistas e investigadores continuamente han buscado nuevas posibilidades que enriquezcan el lenguaje gráfico y faciliten la obtención de imágenes. Actualmente podemos constatar los profundos cambios producidos en la obra gráfica, tanto en lo relacionado a factores técnicos como conceptuales y expresivos.
La plancha de acero laminado en frío se ofrece como soporte alternativo en los procedimientos planográficos, en hueco y en relieve, por sus cualidades y por sus posibilidades. «Acerografía», es como denominamos a este nuevo procedimiento. Etimológicamente procede de los vocablos «aciarium» y «gráphein».
Esta investigación comenzó en 2000 con la colaboración de Daniel Manzano, profesor de la UNAM. Actualmente en Valencia, junto a Miriam del Saz, que está realizando su tesis doctoral en este tema, continuamos investigando sobre nuevos recursos y nuevos soportes susceptibles de ser utilizados en los procedimientos litográficos, comprobando las ventajas que ofrece la utilización de la plancha de acero laminado en frío en procesos litográficos, así como la posibilidad de interacción con otros sistemas de grabado y estampación en hueco y en relieve. La utilización de este soporte tiene varias ventajas: se encuentran en el comercio fácilmente, son económicas y fáciles de manipular, facilitando su particular estructura el graneado superficial requerido para su utilización en procedimientos litográficos, estas planchas permiten ser estampadas en las prensas litográficas, en el tórculo y en otro tipo de prensas.
Siendo factible integrar procesos de impresión planográficos, en hueco y relieve, utilizando un mismo Soporte. Esta investigación ha requerido una importante labor de documentación. Analizándose los comportamientos de este material a través de un exhaustivo trabajo de campo. Se han llevado a cabo diferentes workshops aplicando este proceso en diversos países.

 

STEELGRAPHY:

the cold rolled steel plate as an alternative support in lithographic printing processes and mixed procedures, planographic printing, intaglio and embossed.


In the field of printmaking, artists and researchers have continually sought new opportunities to enrich the graphic language and facilitate imaging. Currently we can see the profound changes in the graphic work, both in terms of technical and conceptual and expressive factors.
The cold rolled steel plate is offered as alternative media in lithographic procedures, intaglio and embossed, for its qualities and its expressive possibilities. “Steelgraphy”, is a new term that we apply to this new procedure.. Etymologically derived from the words "aciarium” and "graphein".
This research began in 2000 with the collaboration of Daniel Manzano, professor at the Faculty of Arts and Design of the UNAM. Currently in Valencia, together with Miriam del Saz, who is doing her doctoral thesis on this subject, our research is ongoing into new resources and new media capable of being applied in lithographic processes and we have checked the advantages steel sheet cold rolled in lithographic processes, as well as the possibility its interaction with other engraving systems and intaglio printing and embossing.

The application of this support has several advantages, they can be bought easily and are inexpensive, they are easy to handle, its particular structure facilitates surface graining required for use in lithographic processes, and these plates can be stamped using lithographic presses and other presses. Is feasible to integrate Lithographic printing processes, intaglio and embossed using the same support.
This research has required significant work in the documentation. Through an exhaustive fieldwork, we are analyzing the behavior of this material. We have carried out several workshops applying this process in different countries, such as Spain, Portugal, Poland, Colombia and the United States.

 

Michelle Murillo 

Identidades cambiantes:

En la intersección de la impresión y la tecnología 


El grabado como un conjunto de medios ha mirado históricamente hacia el futuro por formas innovadoras de crear, grabar y reproducir una imagen. A través de los siglos, la evolución del grabado ha sido influenciada e innovada por la industria y se ha utilizado al servicio de la difusión de información. Resiste hoy en día como un conjunto de procesos especializados que producen imágenes distintas: relieve, intaglio, litografía, serigrafía, monotipo y ahora impresiones digitales.
Las tecnologías emergentes en grabado incluyen: impresoras 3-D, láser, chorro de agua y enrutadores CNC. En lugar de ser reemplazado por nuevas tecnologías, los medios de grabado tradicionales se están adoptando en un contexto interdisciplinario. Los artistas están creando en el campo expandido del grabado, utilizando herramientas contemporáneas para concebir y ejecutar ideas.
Como artista interdisciplinario cuya práctica se centra en los medios impresos y el múltiple, me intrigó descubrir que los métodos de creación de imágenes para vidrio implican grabado en una forma adaptada, cuyo legado se puede remontar a las técnicas de esmaltado industrial para vidrio y porcelana. Las técnicas de grabado para vidrio incluyen: transferencia de goma litográfica, fundición en relieve de linóleo, serigrafía en polvo de vidrio, calcomanías digitales y chorreado con arena.
Completé una residencia en Bullseye Glass en California. Exploré y experimenté con materiales y procesos, marqué en horarios de encendido, muestras, prototipos y pruebas de color. La residencia culminó en un cuerpo de trabajo titulado, Una medida del tiempo que se exhibió en la galería de proyectos Bullseye. La presentación continúa con las imágenes de la investigación a través de la impresión y el vidrio y la exposición, que explora el tema de la identidad revelado a través de las pruebas de ADN de ascendencia.

 

 

Shifting Identities:

At the Intersection of Printmaking and Technology


Printmaking as a set of media has historically looked to the future for innovate ways to create, record and reproduce an image. Through the centuries, the evolution of printmaking has been influenced and innovated by industry and has been used in the service of disseminating information. It endures today as a set of specialized processes that produce distinct images: relief, intaglio, lithography, screen print, monotype and now digital prints. Emergent technologies in printmaking include: 3-D printers, laser, water jet and CNC routers. Instead of being replaced by new technologies, traditional printmaking media is being embraced in an interdisciplinary context. Artists are creating in the expanded field of printmaking, using contemporary tools to conceive and execute ideas.
I completed a residency at Bullseye Glass in California. Bullseye is a manufacturer of glass with resource centers for kiln-forming that support education through studio courses, an international contemporary exhibition program and artist residencies. The residency supports experimentation and exploration of cutting edge technologies for glass.
As an interdisciplinary artist whose practice is centered on print media and the multiple, I was intrigued to discover that the methods of creating imagery for glass involve printmaking in an adapted form, whose heritage can be traced to industrial enameling techniques for glass and porcelain. Printmaking techniques for glass include: lithography gum transfers, linoleum relief casting, glass powder screen printing, digital decals and photo sandblasting.
I explored and experimented with materials and processes, dialed in firing schedules, produced samples, prototypes and color tests. The residency culminated in a body of work entitled, A Measure of Time that was exhibited at Bullseye Projects gallery. The presentation proceeds with images of the research across print and glass and the exhibition, which explores the theme of identity revealed through DNA testing for ancestry.