Panel D

UNICAN - Sala 1

Septiembre 6

11:45 am - 1:30 pm

Desde su creación en el año 2004, el grupo de investigación dx5 se ha definido por dos premisas basales que rigen nuestros proyectos y  íneas de investigación. En primer lugar, la concepción de la gráfica desde una perspectiva de campo expandido, centrándonos en la especificidad de la gráfica contemporánea, pero al mismo tiempo  tocando manifestaciones situadas en la frontera. En segundo lugar, por el triple enfoque que rige nuestra labor investigadora, de manera transversal y complementaria: científico-técnico, artístico-práctico y teóricoconceptual. 

En consonancia con esta dinámica se presenta este panel, que aborda cuestiones de máxima actualidad – objeto de estudio en los últimos proyectos de investigación llevados a cabo por el grupo dx5 – y que tocan aspectos como el libro de artista, la noción de complejidad aplicada a la gráfica, o el análisis científico aplicado a la dimensión conceptual y educativa de la gráfica.

Since its inception in 2004, both the research lines and projects developed by the dx5 research group have been defined by two core premisses. Firstly, the understanding of graphic art from an expanded-field perspective, focusing on the specificity of contemporary graphic art, and yet acknowledging other bordering art mediums – or graphic art ‘at the edge’. Secondly, the triple approach we take into our research projects, from a highly transversal and complementary point of view: scientific & technical, artistic & practical and theoretical & conceptual.

Accordingly, the following panel proposal deals with highly relevant issues, such as artist book, the notion of complexity in regards to contemporary graphic art, or scientific analysis applied to the conceptual and educational aspects of graphic art – All of them  analyzed in the most recent research projects conducted by the dx5 group.

El Microcosmos De La Gráfica. Topografías de la gráfica y paisajes interiores. 

En esta ponencia, y partir de un proyecto de investigación desarrollado en los últimos años, se intenta ofrecer una visión adyacente del mundo de la gráfica contemporánea. Nuestro objetivo inicial es cuestionar las implicaciones teóricas y conceptuales de la gráfica bajo la premisa de que “todo es química”. Enfrentamos, por tanto, un conocimiento intuitivo-humanista con el conocimiento racional-científico, con profundas repercusiones educativas. 
Para ello se han analizado al microscopio electrónico multitud de muestras de diferentes técnicas gráficas tradicionales, que pretenden aportar una perspectiva de corte científico de la realidad ya conocida. La microscopía electrónica muestra una perspectiva muchas veces intuida en el aprendizaje teórico-práctico de la gráfica, pero que pocas se ve fehacientemente desde una dimensión científico-técnica. Así pues, el objetivo de mostrar con detalle estos paisajes no es otro que el de incidir y reflexionar acerca del hecho de cómo se forma una matriz. Aunque la ablación metálica de las matrices se produzca de manera mecánica o química, no debemos olvidar que, en definitiva, se trata de la ruptura de las moléculas que las unen. 
Si se repara minuciosamente en los procesos indirectos de formación de una matriz y se realiza un análisis comparativo con otros procedimientos directos, se puede llegar a asimilar y entender el funcionamiento físico-químico completo de esa morfogénesis. De hecho, muchas de las técnicas analizadas presentan grandes semejanzas a nivel macroscópico, pero a nivel microscópico se pueden ver las enormes diferencias topográficas que las distinguen, y cómo las singularidades de cada una de ellas son el resultado de la meticulosa acción química/mecánica/electrolítica que las conforma. Así se llega a la comprensión en profundidad de un hecho que, aunque aparentemente básico en su planteamiento, resulta eminentemente complejo a nivel técnico y conceptual. 

Graphic Art Microcosm. Topography and inner landscapes in graphic art. 

Taking as a starting point a research project conducted over the last few years, in this paper we will try to address an alternative view of contemporary graphic art. Our main goal is to debate the theoretical and conceptual implications on graphic art given the following statement: "everything is chemistry”; and thus mutually challenging intuitive-humanistic knowledge and rational-scientific knowledge – a debate which ultimately develops into profound educational ramifications. 
In order to do so, we analyzed over a hundred samples – taken from plates engraved with traditional printing techniques – with a scanning electron microscope, in the hope they might provide a scientific perspective of an already known truth. In this regard, scanning electron microscopy shows a perspective often intuited due to the theoretical/practical learning of graphic techniques, but hardly seen from a scientific & technical standpoint. Moreover, by showing these landscapes in detail we invite to think (again) about how a plate is created. Whether the metal ablation of the plates takes place mechanically or chemically, we must not forget that this process is nothing but the fracture of the molecules that bind them together. 
If we carefully consider the indirect techniques involved in engraving a plate and we compare them with other direct procedures, we can understand and fully comprehend the physical-chemical morphogenesis taking place. 
In fact, many of the analyzed techniques depict great similarities at a macroscopic level; however, when compared on a microscopic level, there are huge topographical differences, as a result of the meticulous chemical/mechanical/electrolytic action that shapes them. Hence, this observation leads to an in-depth understanding of this fact – which may seem pretty basic from its initial approach, but that should be highlighted as utterly complex from a technical and conceptual point of view. 

El libro en abismo. 

Imagen como objeto en prácticas contemporáneas de libro de artista.

IMPACT 10 plantea un encuentro (presente, pasado y futuro) con enfoques alternativos en la práctica del arte contemporáneo. Como respuesta, esta presentación se sitúa en la frontera entre obra gráfica, fotografía y libro de artista al plantear el análisis de ciertas prácticas artísticas contemporáneas basadas en la imagen como objeto. 
La imagen como objeto posibilita una fuga del posible ensimismamiento de las imágenes producido por cuestiones de estilo. Este es un vector que se puede rastrear en diversos momentos de la historia de las artes visuales, como en lo metapictórico y en la adopción de nuevos formatos en el campo de la fotografía. Cuando el contenido visual de una obra se pone en relación con su forma como dispositivo tiene lugar una suerte de transferencia entre ambos, y sitúa a las imágenes en el campo de los objetos. 
La imagen como objeto se define a sí misma en algunos ejemplos autorreferenciales, como sucede con los libros de artista que reflexionan sobre el libro en sí a través de una entidad que integra el libro-forma con su contenido visual y/ó literario mediante procedimientos discursivos (libros que hablan de otros libros) o reflexivos (libros que hablan sobre su propia génesis). En ellos el libro como tema orbita en torno al libro como dispositivo. 
Desde el campo del arte y en tanto objeto real, el libro de artista se interesa por las ideas de la cultura vinculada a los libros, e induce a reconocernos como lectores y a instaurar la presencia del libro y del lector en el espacio que éstos ocupan, y también reconoce los aspectos más interesantes del libro como forma a disposición de la práctica artística. La tactilidad y la secuencialidad del libro son algunos de los más específicos, y sobre ellos van a reflexionar los ejemplos que propondremos. 

The Book in Abîme.

Image as object in contemporary practices of artist’s books

IMPACT 10 is a meeting point – an encuentro of sorts (present, past and future) – for alternative approaches regarding the practice of contemporary art. Hence, in this paper we walk the common ground among graphic art, photography and the artist's book by analyzing contemporary artistic practices that address image as object. 
Understanding image as an object prevents the eventual absorption of images due to style issues. This idea can be found several times in the history of the visual arts, such as meta-pictorial references and the adoption of new formats in the field of photography. When the visual content of an artwork relates to its form as a device, a transfer of sorts takes place between them and places the images in the field of objects. 
The image as an object is self-defined in some self-referential examples, as happens with some artist's books that think the book through an entity that integrates the book-form with its visual and/or literary content through both discursive (books that deal with other books) or reflective (books that speak about their own genesis) procedures. In these study cases, the ‘book as a topic’ idea revolves around the concept ‘book as a device’. 
The artist book is a real object belonging to the realm of art, and therefore is interested in the ideas of culture linked to books.

It invites us to recognize ourselves as readers and to acknowledge the presence of the book and the reader in their own space.

Moreover, it identifies the most relevant features regarding the book as a form pledged to the art practice.

Tactility and sequentiality in regards to the book are some of the most specific features, as highlighted by the provided examples. 

EL HIPERLIBRO.

Consideraciones y compromisos respecto al Libro de Artista Digital.

 
Tradicionalmente, tanto la escritura como la lectura se han entendido como actos secuenciales, aun cuando el pensamiento humano no responde a este mismo esquema de crecimiento y ordenación. Los libros de artista pueden estructurarse en base a diferentes secuencias, muchas veces polisemióticas, de modo que ni las narraciones ni las conexiones son necesariamente lineales. De idéntica manera, el hipertexto rompe completamente los límites de la página impresa, tendiendo puentes invisibles y dando como resultado una vasta red que organiza el discurso mediante conexiones no exclusivamente secuenciales, sino en múltiples direcciones y profundidades. 
Desde hace algo más de una década, coincidiendo con la irrupción del libro digital y la aparición de los primeros dispositivos pensados para tal fin, ha surgido un debate en torno al concepto de «libro de artista digital», su formulación, forma, materialidad y – la que quizás es la dimensión más importante – su naturaleza hipermedia. En esta ponencia se aborda brevemente el concepto de hiperlibro de artista – por oposición al libro digitalizado – y las que consideramos deben ser sus principales características, los compromisos que conlleva, su imbricación con otras manifestaciones artísticas fronterizas (net.art, game-art, etc.), y sus perspectivas presentes y futuras, entre las que se incluye su distribución y comercialización como parte del sistema del arte. 
Por último, si un libro es una secuencia de espacios, la secuencia de espacios en el libro de artista determina la temporalidad de éste; marcada por las relaciones dinámicas entre estructuras formales y de contenidos con su lectura en el tiempo. Por ello, en esta ponencia también nos preguntamos acerca del espacio del libro de artista digital – así como su encaje con el libro de artista impreso – y el sentido que adquiere la secuencia en un entorno profundamente hipertextual como es el hiperlibro. 

HYPERBOOK.

Considerations and Concerns about the Digital Artist Book. 

Both reading and writing have been traditionally seen as sequential acts, even though human thought does not respond to this very same pattern of growth and organization. Artist books can be structured following different sequences – frequently polysemiotic – resulting in non-linear narratives and connections. In a similar fashion, hypertext transcends the limits of the printed page, building invisible links and resulting into a vast network that organizes discourse not-only through sequential connections, but rather in multiple directions and depths. 
Over the last decade, the rise of the digital book as an entertainment and the arrival of the first devices meant for this new medium, boosted a debate around the concept of "digital artist's book”: its definition, form, materiality and – which perhaps is the most important feature – its hypermedia nature. Thus, in this paper we will briefly address the notion of artist’s hyperbook (as opposed to digitised books) and what we think should be acknowledged as its main defining features, the implications it entails in regards to other mediums, how it overlaps with other tangential artistic manifestations (net.art, game-art, etc.), and its current and future possibilities, including distribution and sale strategies as part of a much larger art system. 
Furthermore, if a book is rendered as a sequence of spaces, the sequence of spaces in the artist's book ultimately defines its temporality – shaped by the dynamic relationships between formal and content structures and their reading over time.

Consequently, in this paper we will also address the space of the digital artist book – as well as its connection with the printed artist's book – and the meaning of ‘sequence’ in such a profoundly hypertext scenario as defined by the hyperbook. 

Cuando los contrarios se multiplican, las fronteras de disuelven y el tiempo se transforma.
De lo complejo en el arte múltiple contemporáneo.
Multiplex: complejidad y sostenibilidad.

En estos últimos años el grupo dx5 ha desarrollado un proyecto de investigación financiado por el Ministerio  de Ciencia e Innovación. Bajo el título Multiple[x] Complejidad y Sostenibilidad, este proyecto es el resultado  de un proceso de evolución reflexiva y maduración de pensamiento, en el que han participado más de veinte  filósofos y artistas, y que se materializó en una publicación homónima. 
Tomando como punto de partida este proyecto, en esta ponencia intentaremos profundizar sobre dos conceptos – COMPLEJIDAD Y SOSTENIBILIDAD – que consideramos se dan en el Arte contemporáneo de una manera muy interesante y que tienen, desde nuestro punto de vista, una perspectiva de futuro importante. 
Creemos que la evolución del pensamiento y la producción ha sido transcendental y ha viajado en los últimos  años: de lo único-unitario se ha pasado a lo dicotómico, de lo dual a lo múltiple, y de lo múltiple a lo complejo.  Hemos habitado desde siempre en un mundo “complejo”, y es desde la comprensión de ese concepto de  complejidad, entendida de una manera responsable, donde hallaremos la clave para la sostenibilidad futura del sistema.  En nuestra opinión, la episteme basada en los modelos simplificados de conocimiento ha sido incapaz de resolver las inconsistencias y las paradojas que constantemente se presentan a niveles tanto teóricos como prácticos. Consideramos que la construcción colectiva de la experiencia aporta recorridos más ricos que destierran el mito de la objetividad jerarquizante. Igualmente, consideramos que la interacción del arte con la ciencia y otras disciplinas del conocimiento funciona como paradigma de la disolución de las fronteras, actuando como un incentivador fundamental que nos sitúa en una perspectiva multidisciplinar. Por ello, en esta ponencia exploraremos temas relacionados con el Arte múltiple como “complejidad como metodología”, “arte y sotenibilidad”, “interacción social y gestión cultural” o “estéticas complejas e imágenes técnicas”. 

When opposites are multiplied, borders are dissolved and time is transformed.
From the complex in contemporary multiple art.
Multiplex: Complexity and sustainability

Over the last few years, the dx5 research group has developed a project financed by the Ministry of Science and Innovation. Entitled Multiple[x] Complexity and Sustainability, this project is the result of a process of reflective evolution and the maturation of thought process, involving over twenty different artists and philosophers and materialized in the namesake publication. 
Taking this project as a starting point, in this paper we will try to address two key concepts – COMPLEXITY and SUSTAINABILITY – that exist within Contemporary Art. We believe both concepts are fascinating and might convey deeper implication in the nearby future. The evolution of thinking and production processes has been transcendental and has travelled in recent years from the idea of ‘unique-unitary’ to dichotomy, from duality to multiplicity, and from multiplicity to complexity. We have always inhabited a complex world. Thus, the mature understanding of complexity might provide the key to the future sustainability of our system. 
Moreover, we might acknowledge that the episteme – as based on simplified models of knowledge – has been unable to solve the inconsistencies and paradoxes which constantly arise from both theory and praxis. In that regard, the collective construction of experience ultimately provides richer paths which gradually expose the myths of hierarchical objectivity. In a similar fashion, the interplay between Art and Science – as well as other fields – serves as a paradigm for the dissolution of boundaries, and acts as a paramount catalyst encouraging a multidisciplinary perspective.

Hence, in this paper we will try to address multiples-art related topics such as “complexity as a methodology”, “art and sustainability”, “social interaction and cultural management”, or “complex aesthetics and technical images”.