Panel C

CASYC Sala 3

Septiembre 6

11:45 am - 1:30 pm

La Invención de la Lectura

Este panel, “Leer Como Práctica Material”, se inspira en la afirmación de Ralph Waldo Emerson que dice: “leer bien implica que uno debe ser inventor”. Aquí, “leer creativamente” es visto como un proceso dialéctico y generativo que implica un activo proceso imaginativo por parte del lector. Es la manera como el individuo puede llegar a vivir y a hacer propia toda la historia, creando para sí un espacio donde la biografía personal entra en relación íntima con la experiencia colectiva humana a través del tiempo.
Mi presentación, La Invención de Leer, abordará las maneras como la lectura y la publicación inventiva pueden considerase como prácticas artísticas en sí mismas, donde el libro es un resultado posible entre otras y variadas estrategias y procesos de impresión. Si leer es una forma expandida de viajar en el tiempo, ésta ha sido alimentada por el continuo desarrollo de las tecnologías de impresión, que desde hace tiempo sentaron las bases para la distribución global de conocimiento y la expansión radical de la alfabetidad social. En su definición más simple, publicar es hacer público. Por tanto, si un libro representa un encuentro personal entre autor y lector a través del tiempo histórico y la distancia geográfica, publicar permite la “socialización” del texto —la manera como estas conexiones son amplificadas por medido de la creación de una extensa comunidad de lectores comprometidos.
La creciente democratización de las herramientas de impresión en la era digital ha transformado nuestro entendimiento del libro y la cultura impresa en general, invitando a que reconsideremos el rol del artista-autor y de las nuevas posibilidades ofrecidas por plataformas colaborativas. Este medio demanda que seamos cada vez más inventivos en nuestra manera de leer y de hacer, expandiendo la manera de interactuar con los libros, los materiales y con nosotros mismos.

The Invention of Reading

This panel, “Reading as Material Practice”, embraces Ralph Waldo Emerson’s assertion that “one must be an inventor to read well.” Here, creative reading is framed as a dialectical, generative process that involves an active imagining on the part of the reader. It is the means by which the individual may come to live and embody all of history, creating a space where personal biography finds empathy in collective human experience across the ages.
Relatedly, this paper examines the ways in which inventive reading and publishing may be considered artistic practices in their own right, wherein the book is one outcome among a larger set of print-inspired strategies and processes. If reading is a form of expansive time travel, it is fueled by the evolving technologies of print culture, which long ago laid the foundations for the global distribution of knowledge and the radical expansion of social literacy. In its simplest definition, to publish means to make public. Thus, if a book represents a personal encounter between author and reader across historical time and geographic space, then publishing enables the “socialization” of the text—the means by which such connections are amplified to include an extended community of engaged readers.
The growing democratization of publishing tools in the digital age has transformed our understanding of the book and print culture more broadly, prompting us to reconsider the role of the artist-author and the potential opportunities afforded by collaborative platforms. What does it mean to publish in an era defined by social media interfaces? What can print teach us about making and materiality in a digital age? This evolving domain requires us to be increasingly inventive in our approach to reading and making, thereby expanding the ways in which we interact with books, materials, and one another.

Material de lectura

Voy a comenzar con un juego de palabras, tomando los términos ‘reading material’ o ‘material de lectura’ en un sentido literal. Para mí los libros de artista son medios idóneos para la transmisión de imágenes y textos, y al mismo tiempo son objetos en sí mismos.

Esta materialidad es importante: aunque una novela puede ser entendida a través de sus varias ediciones, de forma impresa o en forma digital, hay una tactilidad específica que se experimenta al leer un libro de artista en las propias manos. Esta situación es un ‘encuentro’ entre el autor/artista y el lector/observador.
Los libros de artista son un género variado, difícil de definir, que se aleja de las nociones estándar de lo que un libro es o puede ser. Aunque toman la noción de la hoja impresa, extienden este formato tanto temporal como espacialmente. Son un medio basado en el tiempo.
Mi presentación abordará las posibilidades de este medio tomando mi trabajo como referencia.

El primer grupo incluye libros y ediciones que toman el libro como sujeto: “Ex Libris” representa los títulos de libros en mi biblioteca; “This Book Belongs to…” es una serie de ex libris en varios idiomas; finalmente “The Inkiest Black” es un libro sobre la novela “Infinite Jest”. El segundo grupo se relaciona con mis instalaciones basadas en el uso de textos. Estas han hecho referencia a autores como Javier Marías, Marcel Proust, David Foster Wallace y Virginia Woolf.
Estos trabajos tienen en común un interés por la traducción de un medio (los libros, la literatura) a otro (las artes que toman el texto como base), y en varias ocasiones la traducción de un lenguaje a otro. Mi lectura cercana de textos y su traducción es “fielmente inventiva” —mientras que el texto original permanece, éste es recontextualizado de una nueva manera.

Reading Material 

I’ll begin with a play on words, taking the terms ‘reading material’ or ‘lectura material’ in quite a literal sense. I see artist’ books as unique vectors for the transmission of image and text, and at the same time embodied objects in their own right. This materiality is noteworthy. Although a novel can be understood across various editions, in print or digital form, there is an inescapable specificity and tactility in the intimate experience of reading an artist’s book, held in one’s hands. This typically solitary reading situation is an ‘encuentro’ between author/artist and reader/viewer.
Artists’ books constitute a diverse field, difficult to define and categorize, and often departing from standard notions of what a book is or can be. They take the phenomenon of the printed page, and the print on a sheet of paper, extending the form temporally and spatially. Artists’ books are a time-based medium.
My paper will address this genre’s potential, offering work of mine as examples. Broadly, they fall into two groups. The first includes books and multiples dealing with books as a subject: “Ex Libris”, representing titles of books in my library; “This Book Belongs to…”, a series of bookplates in English, French, German, Spanish, and Mandarin, which are activated through book exchange events; and “The Inkiest Black”, a book about the novel “Infinite Jest”. The second group deals with my text-based installations and artists’ books referencing authors, including Javier Marías, Marcel Proust, David Foster Wallace, and Virginia Woolf.
What these works have in common are an interest in translation from one medium (books and literature) to another (print and text-based artwork), and in several cases translation from one language to another. I consider my close reading of texts both quotation and translation, ideally faithfully inventive – where the original text remains, yet re-contextualized.

Siguiendo Verdades: Lo contra-forense en el arte y la ficción

2018 marca el décimo año de una relación de reciprocidad entre la artista visual Kathryn Smith y la escritora Margie Orford, una relación que comenzó en el cuarto trasero de la galería Goodman en la Ciudad del Cabo (Sur Africa). Este escrito reflexiona sobre las dinámicas de reciprocidad surgidas en el contexto de varios trabajos realizados por Smith y Orford durante estos años. Reconociendo nuestro mutuo interés por la violencia de género, la psicogeografía y la perturbadora insistencia del trauma histórico que acecha el presente (particularmente en el contexto social y cultural contemporáneo de Ciudad del Cabo), nuestro primer proyecto consistió en explorar nuestras similitudes a través de nuestros diferentes procesos; deseábamos tener un conocimiento más profundo de las habilidades de cada una y de las posibles aplicaciones prácticas. Este proyecto auto-reflexivo dio como resultado varias piezas escritas (de Smith y Orford), una película corta (Smith), un artículo académico (Orford), y más importante, ayudó a informar dos libros de Clare Hart (Gallows Hill y Water Music) la serie de novelas de crimen de Orford, y produjo una artista ficticia, Sophie Brown, quien existe en el espacio intersticial de nuestros mutuos imaginarios, y quien, gracias a ser mujer, blanca y rubia, nos ha servido para interrogar las contradicciones vinculadas al poder, el privilegio y la violencia. Teniendo en cuenta el concepto de “contra-forencia” desarrollado por Thomas Keenan (2014) y una reciente apreciación del trabajo de Smith por David Houston Jones (quien se refiere a éste como haciendo ‘queer’ el sitio de la estética forense) (2017, sin publicar), este ensayo ofrece una reflexión crítica sobre la interrelación entre lo escrito y lo visual, y como ésto facilita el encuentro con verdades a través de la ficción.

Tracing Truths: the counter-forensic in art and fiction 

2018 will mark the ten-year anniversary of a reciprocal relationship between visual artist, Kathryn Smith, and author Margie Orford that began in the back room of the Goodman Gallery in Cape Town (South Africa).
This paper reflects on the dynamics of reciprocity in the context of the various creative works produced by Smith and Orford over this period.

Recognizing a mutual interest in gender-based violence, psychogeography and the uncanny insistence of historical trauma to haunt the present (particularly in the contemporary social and cultural context of Cape Town), our initial project was to explore our rapport through the differences in our respective processes; we each desired a deeper understanding – and practical application – of the other’s primary skills.
This self-reflexive and projective process produced several short-form pieces of writing (Smith and Orford), a short film (Smith), and a scholarly article (Orford), but most significantly, it has informed two books in Orford’s Clare Hart series of crime novels (Gallows Hill and Water Music) and produced a fictional artist, Sophie Brown, who exists in the interstitial space of our respective imaginaries, and through whose white, female, blonde body we have reflected on the paradoxes of power, privilege and violence.

Informed by Thomas Keenan’s development of the ‘counter-forensic’ (2014) and considering a recent reading of Smith’s work by David Houston Jones (2017, unpublished) as ‘queering the topos’ of the forensic aesthetic (Rugoff 1997; Keenan and Weizman 2012), this paper offers a critical reflection of the coalescing and entanglements of the writerly and the visual, and how it facilitates encounters with truths through fiction.

Plataformas Colaborativas de Lectura, Exhibición y Distribución 

Con el fin de ahondar en el tema de las plataformas de lectura y publicación, mi presentación gira en torno a dos iniciativas colaborativas recientemente comenzadas: Lamont|Stewart Art Projects y Arts+Letters Press. Estas iniciativas, basadas en el desarrollo de proyectos, han surgido del deseo común de interrogar las maneras como los artistas producen, exhiben, y distribuyen sus trabajos.
Lamont|Stewart inició como una galería en línea, invitando la participación de un grupo selecto de artistas (trabajando predominantemente en medio impreso). Desde comienzo de los años 90 he trabajado curando exhibiciones, organizando intercambios internacionales de portafolios y dirigiendo la micro-imprenta La Ruche Press. Con el ánimo de expandir las posibilidades de exhibición y distribución uní fuerzas con Madeleine Lamont creando Lamont|Stewart en el año 2016. Esta plataforma hace uso de los medios digitales para extender su accesibilidad y alcance pero permanece fiel a las prácticas materiales, haciendo presencia en ferias de arte, tiendas emergentes, portafolios de subscripción y desarrollando varias iniciativas curatoriales.
Arts+Letters Press, co-fundada en el año 2017 con Jenn Law, es un sitio experimental que fomenta el dialogo interdisciplinar en relación a la cultura impresa. Es una plataforma independiente de impresión y publicación que se especializa en la curaduría, promoción, producción y circulación de libros de artista, múltiples, impresos y catálogos. Nuestro proyecto principal es la publicación corriente de Art+Reading la cual examina la relación entre leer y hacer y la manera como la lectura nos forma como ciudadanoscomprometidos. Art+Reading celebra la cultura impresa estableciendo una red internacional de lectores.
Tomando estos dos ejemplos como base, este escrito presenta la manera como iniciativas generadas por artistas vienen avanzando, incorporando nuevas tecnologías y modelos de hacer y distribuir, facilitando el encuentro con instituciones y mercados tanto tradicionales como alternativos.

Collaborative Platforms of Reading, Display, and Distribution 

Expanding on the topic of reading and publishing platforms, I will discuss two collaborative initiatives that I have recently co-launched—Lamont|Stewart Art Projects and Arts+Letters Press. These project-based ventures have grown out of a shared desire to challenge the ways in which artists produce, exhibit, and distribute their work. It should come as no surprise that the principal directors of these platforms all have print-based backgrounds, for the history of print is rooted in collaborative strategies of making and disseminating material-based ideologies and work.
Lamont|Stewart began as an online gallery and sales venture, inviting the participation of carefully selected (predominantly print based) artists. Since the early 1990’s I have been curating exhibitions, international portfolio exchanges, alongside the micro publishing entity La Ruche Press. Adjusting to currents in the field and wishing to expand notions of display and distribution I joined with Madeleine Lamont in 2016 to create
Lamont|Stewart. This platform utilizes digital media for its accessibility and extensive virtual reach, while remaining firmly anchored to material practices and includes participation in art fairs, pop-ups, subscription portfolios and various curatorial ventures.
Arts+Letters Press, co-founded in 2017 with Jenn Law, is an experimental site for interdisciplinary dialogue through the lens of book culture. An independent, publishing platform, this press focuses on the curated production, promotion, and circulation of artist books, multiples, prints, and catalogues. Our main project is the serial publication Art+Reading, aimed at examining the relationship between reading and making and how what we read shapes who we are as engaged citizens. Art+Reading celebrates print culture while establishing an international network of readers.
Through these examples, this paper discusses the ways in which artist-run culture is evolving to incorporate new technologies and models for making and distribution, enabling artists to direct their encounters with both alternative and traditional art institutions and markets.