Panel A

CASYC Sala 1

Septiembre 6

11:45 am  - 1:30 pm

Impresabilidad fotográfica: Sobre la persistencia de la materialidad en la era digital

Grabado y fotografía comparten una relación con tecnologías de producción de imágenes. Pero donde la fotografía se ve frecuentemente como un conducto transparente a su tema o mensaje, la identidad del grabado está ligada a su modo de producción. Desde libros hasta vallas publicitarias o la delicada barba de una hoja de papel artístico, el grabado siempre se ha ocupado de la materialidad, la superficie o el contexto del encuentro con la imagen.
Reflexionando sobre cómo interactúo con la fotografía en mi práctica basada en la impresión, esta ponencia explora la relación entre lo fotográfico y lo reprográfico, centrándose en los medios materiales por los cuales las obras de arte fotográficas comunican y existen en el mundo. Fusionando imagen y texto, con superficies de materiales reflectantes, mi trabajo combina tecnologías de impresión digital con procesos manuales para exponer nuestros modos habituales de percepción y descubrir residuos más profundos de expectativa y conciencia. Lo crucial es cómo las superficies impresas se mezclan con el espacio físico reflejado en su interior, transformando el énfasis del sujeto en una reconfiguración de la visión misma.
Me interesa el valor de la imprentabilidad cuando se cuestiona la materialidad de la imagen impresa. La tecnología digital propuso la desaparición del papel, reemplazado por formas más rápidas y fluidas de medios visuales. Estas mismas innovaciones digitales han ampliado la ontología del grabado, proporcionando un nuevo alcance para producción de materiales y marcos contextuales. Tal período de transformación y convergencia ha requerido un espacio para la reflexión sobre la función de impresión y arte del grabado en relación con la imagen como objeto, como artefacto, como archivo. Esta ponencia resalta los vínculos entre las historias de fotografía y grabado y aborda las nociones de presencia e impermanencia, materialidad y contexto, pérdida y recuperación en una era post-digital.

Photographic Printerliness: On the persistence of materiality in the digital age

Printmaking and photography share a common relationship to technologies of image production. But where photography is often seen as a transparent conduit to its subject or message, printmaking’s identity is bound up in its mode of production. From books to billboards to the delicate deckle on a sheet of fine art paper, printmaking has always engaged the materiality, surface or context of the image encounter.
Reflecting on the ways in which I engage with the photographic in my own print based practice, this paper explores the relationship between the photographic and the reprographic, focusing on the material means by which photographic artworks communicate and exist in the world. Fusing image and text, with reflective material surfaces, my work combines digital print technologies with hand pulled processes to expose our habitual modes of perception while also uncovering deeper residues of expectation and awareness. What is crucial is the way the work’s printed surfaces mingle with the physical space reflected within, transforming the emphasis from the subject to a reconfiguration of vision itself.
I am interested in the value of printerliness at a time when the very materiality of the printed image is being called into question. Digital technology proposed the disappearance of paper, in favour of faster and more fluid forms of visual media. These same digital innovations have, conversely, expanded the ontology of printmaking, providing new scope for material production and contextual frameworks. This period of transformation and convergence has necessitated a space for reflection on the function of print and the art of printmaking in relation to the image as object, as artefact, as archive. This paper highlights the links between the histories of photography and printmaking and speaks to notions of presence and impermanence, materiality and context, loss and retrieval in a post-digital age.

Difuminando la línea

Mi charla abordará cómo mezclo los lenguajes inherentes del fotograbado y los medios fotográficos para oscurecer, sorprender, convencer y subvertir la comprensión del espectador de lo que está frente a ellos.
Una impresión fotográfica generalmente se percibe como una representación visual literal. Por el contrario, cuando una placa de huecograbado de tonos completos traduce una imagen en tinta sobre papel, las líneas entre lo literal y lo metafórico se difuminan; la naturaleza de la imagen/objeto y su fuente están en cuestión.
Esta interrupción se concreta mezclando medios tradicionales y contemporáneos para rematerializar aspectos del original, cuestionando su procedencia. El uso de tecnologías de impresión para presentar información fotográfica de nuevo proporciona inmediatez y recuerda a artefactos del pasado al recrear evidencia física. Para ilustrar este fenómeno, discutiré cómo mi suite de impresión, Bestiarum Excerptum, hace referencia a sus precursores medievales al mezclar huecograbado, tipografía y dorado; cómo una galería de retratos de la mala taxidermia refleja viejos libris aristocráticos, pero se ve de nuevo de forma irreverente; o cómo se reorientan los retratos fotográficos históricos desintegradores para abordar la cultura popular y los estereotipos de género. También abordaré cómo las exploraciones recientes de apócrifa y la biografía ficticia pueden proporcionar otra capa.
La fotografía se puede utilizar para recopilar, documentar o archivar y me permite poseer lo que no puedo tener. Mi archivo visual es un recurso para el nuevo trabajo impreso que se convierte en un simulacro del original. Al difuminar las líneas entre la realidad y la representación, la reinterpretación de una imagen confiere un nuevo significado al contenido original. Mediante el uso de procesos y materiales esotéricos o anticuados, se mantiene la conexión con el original y se cuestiona su autenticidad. ¿Es ahora una experiencia nueva o una representación de una existencia pasada?

Blurring the Line 

My talk will address how I mix the inherent languages of photogravure and photographic media to obscure, surprise, convince, and subvert the viewer’s understanding of what is in front of them. A photographic print is usually perceived as a literal visual representation. In contrast, when a full-tonal photogravure plate translates an image into ink on paper, the lines between the literal and the metaphoric are blurred; the nature of the image/object and its source is now in question.
This disruption is made concrete by mixing traditional and contemporary media to rematerialize aspects of the original, calling its provenance into question. The use of print technologies to present photographic information anew provides immediacy and is reminiscent of bygone artifacts by recreating physical evidence. To illustrate this phenomenon, I will discuss how my print suite, Bestiarum Excerptum, references its Medieval precursors by mixing photogravure, letterpress and gilding; how a Gallery of portraits of bad taxidermy reflect old aristocratic bookplates but is seen anew in an irreverent form; or how disintegrating historical photo-portraits are repurposed to address popular culture and gender stereotyping. I will also address how recent explorations of apocrypha and fictional biography can provide another layer.
Photography can be used to collect, document, or archive and allows me to possess what I cannot have. My visual archive is a resource for new printed work that becomes a simulacrum of the original. By blurring the lines between reality and representation, an image’s reinterpretation confers new meaning to the original content. By using esoteric or antiquated processes and materials, the connection to the original is maintained and its authenticity is questioned. Is it now a new experience or a representation of a past existence? These are some key considerations of the contemporary use of photography and reprographic media that my work addresses.

El momento corpóreo

La fotografía demuestra el intento de captar, retener, inmortalizar y poseer. Sin embargo, es una ilusión – la huella de un momento fugaz. Es algo que observamos desde afuera, pero que tiene un poder asombroso para excitar la memoria y las sensaciones que acarrea. No obstante, la foto en sí sigue siendo una ventana al pasado. El grabado, en sus múltiples variaciones, es usualmente creado por una presión física que imprime la imagen en la superficie de un papel u otro material, resultando en una suerte de ‘objeto físico’ que reside en el presente. En esta ponencia comentaré como he usado el poder de la fotografía para despertar una ‘sensación de memoria’ combinada con el ‘objeto físico’ del grabado en un intento a presentar un momento hecho materia.
He combinado imágenes y procesos fotográficos con métodos tradicionales de grabado desde los primeros años '70, enfocada en estados transicionales entre presencias materiales y efímeras. Intento vincular el espectador con un sentido de nuestro lugar en/como naturaleza – un sentido de lugar que está desapareciendo, temo, en nuestro mundo consumista, virtual y tecnológico. Este trabajo representa un intento de despertar la conciencia de nuestra inextricable y fundamental ‘unidad’ con la naturaleza y con lo fundamental del agua para todo ser vivo.
Un diálogo íntimo con un lugar específico del bosque boreal ha sido parte crítica de mi práctica creativa durante los últimos 35 años. Los procesos empleados en el desarrollo de los grabados han variado desde sesiones fotográficas con modelos hasta la manipulación digital para la construcción de imágenes, a las incisiones, la impresión litográfica, y la digital. Recientemente he extendido el empleo de ‘la fotografía-en-grabado’ al desarrollo de imágenes impresas en instalaciones inmersivas en gran escala, explorando aún más el poder de la presencia simultánea de lo material y lo efímero.

The Embodied Moment

Photography suggests an attempt to capture, to retain, to immortalize and to possess, And yet it is illusion - a trace of a moment in time. It is something we observe from the outside, and yet it can have amazing power to trigger memory and resulting sensation. Still, in itself the photograph remains a window into the past. Printmaking in its many variations is often created through physical pressure, embedding itself in a surface (of paper or other materials) resulting in a kind of ‘objectness’ that resides in the present moment. In this presentation I will discuss how I have used the power of the photograph to trigger ‘memory sensation’ in combination with the ‘material objectness’ of the print in an attempt to elicit embodied experience. I have employed photographic images and processes combined with traditional printmaking methods since the early 1970’s, focusing on transitional states between material presence and the ephemeral. I am attempting to connect the viewer to a sense of our place in/as nature - a sense of place that I fear is disappearing in our highly consumerist, virtual and technological world. This work represents an attempt to re-awaken awareness of our inextricable and fundamental ‘oneness’ with nature, and of the elemental aspect of water to all life forms.
For the past 35 years an intimate dialogue with a specific wilderness location in the boreal forest has been a critical part of my creative practice. The processes used in developing prints have ranged from photo sessions with models to digital manipulation in image construction, to intaglio and stone lithographic printing, to digital printing. More recently I have also extended this use of ‘photography-in-print’ to the development of large-scale immersive print installations, further exploring the power of material presence and the ephemeral.

Integrando lo dispar: Experiencias de Umbral

Imagina un espacio interior inundado de luz natural desde más allá del umbral y luego experimenta la simultaneidad del momento específico y los recuerdos disparados. Luego, intente mantener esta experiencia efímera y moldeela en un registro permanente. Esta convergencia de mundos interno y externo es mi enfoque temático.
Analizaré impresiones y libros de artista y consideraré cómo la integración de estos elementos dispares forma mis imágenes, metodología y materialización. Los espacios y objetos que se pasan por alto en nuestra vida diaria se transforman regularmente por intrusiones fugaces pero cíclicas de luz y sombra.
Asistir a este fenómeno visual abre la puerta a investigaciones formales, perceptivas y psicológicas sobre las implicaciones del refugio y el confinamiento.
El primer gesto es el proceso fotográfico. Los patrones de luz y oscuridad oscurecen la fisicalidad al superponer diferentes geometrías. Las capas ópticas dentro de una fotografía se aplanan en un solo campo visual. Los medios impresos diferencian físicamente las capas y reitera la distinción material de la luz, la sombra y la superficie del objeto. Mientras que los medios fotográficos e impresos producen una matriz, contrastan marcadamente en la implicación del tiempo. El tiempo se percibe como inmediato dentro de una fotografía y acumulativo en el proceso de impresión.
He trabajado principalmente con fotograbado. Este medio crea una imagen que es a la vez una impresión en huecograbado y una fotografía. Además, utilizo este proceso en la creación de libros de artista. La imagen, el texto y la estructura secuencial entran en interacción íntima. La combinación de elementos dispares engendra desafíos tecnológicos y materiales. Estos desafíos crean una resistencia de procedimiento que fomenta una reconsideración de la intención y brinda una oportunidad para nuevos contenidos creativos. El espacio para la percepción impulsada por la curiosidad proviene del necesario equilibrio de acción y reflexión.

Integrating the Disparate: Threshold Experiences

Imagine an interior space flooded with natural light from beyond the threshold and then experience the simultaneity of the specific moment and the triggered memories. Next, attempt to hold this ephemeral experience and shape it into a permanent record. This convergence of inner and outer worlds is my thematic focus.
In this presentation, I will discuss prints and artist’s books and consider how the integration of these disparate elements informs my imagery, methodology and material realization. The overlooked spaces and objects of our daily lives are regularly transformed by fleeting yet cyclical intrusions of light and shadow.
Attending to this visual phenomenon opens the door to formal, perceptual and psychological investigations into the implications of shelter and confinement.
The first gesture towards materialization is the photographic process. Patterns of light and dark obscure physicality by overlaying different geometries onto a space. The optical layering within a photograph is flattened into a single visual field. Conversely, print media physically differentiates layers and reiterates the material distinction of light, shadow and object surface. While photographic and print media both produce a matrix, they contrast markedly in the implication of time. Time is perceived as immediate within a photograph and cumulative in the print process.
I have worked primarily with photogravure. This medium creates an image that is simultaneously an intaglio print and a photograph. In addition to producing prints, I use this process in the creation of artist’s books. The book format is the context for even further integration. Image, text and sequential structure are brought into intimate interaction. Combining disparate elements engenders technological and material challenges. These challenges create procedural resistance that encourage a reconsideration of the intention and provides an opportunity for new creative content. The space for curiosity driven perception comes from the necessary balance of action and reflection.

Encuentro con materia vegetal a través de prácticas de impresión fotográfica

Este trabajo examina cómo utilizo procesos de serigrafía fotográfica combinada con tinte de plantas locales para entender ubicaciones complejas de ecologías urbanas y su cuidado. A fin de encontrar formas de articular el entrelazamiento de historias y prácticas actuales en estas ubicaciones, sigo a Karen Barad, quien aboga por no privilegiar el "lenguaje de la crítica", enfocándose en su lugar en procesos materiales y ética. Aquí, la forma en que procesos y materiales se unen para producir significado es tan importante como las obras impresas 'terminadas'.
¿Qué sucede cuando materia vegetal, recolectada in situ y teñida, visibiliza representaciones fotográficas de estos mismos lugares o especies? ¿Qué sucede al sustituir gelatina de plata por color de planta? Las tecnologías textiles y de teñido se encuentran entre los primeros empeños humanos. Proporcionan refugio y protección y sirven para enriquecer y agregar sentido a la existencia humana. Otra consideración son los usos contemporáneos de tecnología digital, en mi caso la fotografía digital y la manipulación de imágenes antes de la serigrafía. Coldwell sugiere que las tecnologías de impresión digital son, por naturaleza, totalmente reversibles; cada iteración puede guardarse y restablecerse. Igualmente, el grabado tradicional no es reversible, y avanza con gesto y tiempo. Al unir estos métodos, vinculo la reversibilidad de la tecnología digital con el menos controlable movimiento hacia adelante de la impresión de tinte natural.
Utilizando ejemplos de mi propia obra, examino cómo las reveladoras representaciones fotográficas del lugar a través de residuos materiales recogidos in situ (a través de la química del teñido natural) dan lugar a obras de arte que sintetizan materia e imagen y realizan una versión de la historia de cada lugar. Al prestar atención a la materialidad del sitio, estructuro mi práctica artística como método para revelar modos de atención mediante la relación con la materia.

Encountering plant matter through photographic print practices 

This paper examines how my practice uses photographic screenprinting processes in combination with locally sourced plant dye to apprehend complicated sites of urban ecologies and their care. Intent on finding ways to articulate the entanglement of histories and present practices at these sites, I follow Karen Barad who argues for a shift away from privileging the ‘language of critique’ towards a focus on material process and ethics. In this discussion, the ways in which processes and materials come together to produce meaning are equally important as the ‘finished’ printed works.
What happens when plant matter, gathered onsite and transformed into colour in a dyebath, makes visible photographic representations of these same places or species? And what happens when silver gelatin is replaced with plant colour? Textile and dyeing technologies are amongst the earliest human endeavours.
Practically they provide shelter and protection while serving to enrich and add meaning to human existence. Another consideration is contemporary uses of digital technology, in my case, digital photography and image manipulation prior to screenprinting. Paul Coldwell suggests digital printing technologies are, by nature, fully reversible; every iteration can be saved and reinstated. On the other hand, traditional printmaking is not reversible, and moves forward with gesture and time. By bringing these methods together, I entangle the reversibility of digital technology with the less controllable forward movement of natural dye printing.
Using examples from my own oeuvre, I will examine how revealing photographically produced representations of place through material residues collected on site (via the chemistry of natural dyeing) gives rise to artworks which synthesise matter and image, and thus perform a version of each place’s history. By attending to the materiality of the site I frame my art practice as a method of revealing modes of care through engagement with matter.