Panel 9

CASYC - Sala 2

Septiembre 7

11:45 am - 1:30 pm

Una mano en el tiempo

El grabado no es siempre un método de multiplicación. No es necesariamente rápido. Hacer una obra utilizando el grabado puede poner a prueba los límites de la paciencia: todos métodos necesitan compromiso en cuanto al tiempo y la alquimia, y requieren intentos fallidos para lograr el éxito.
Últimamente contamos horas necesarias para que las máquinas cumplan tareas guiadas por ordenador. Un cortador láser tarda días para grabar archivos grandes. Cuando usamos una impresora tridimensional, contamos con el tiempo de compilación por si sobresale de nuestra jornada laboral. Esta característica indirecta se produce a través del proceso (en contraste a la pintura directa) que comparten los escultores y los grabadores. Ambos convergen en la impresión tridimensional – para imprimir un objeto.
En un mundo que solicita velocidad, artista Ilana Halperin reorienta percepciones del proceso y tiempo con una escala cotidiana, empleando los servicios de la geología. Por ejemplo, investiga usos de aumentos minerales en las cavernas subterráneas: una forma de fabricación aditiva que crea las estalagmitas y que refleja la acumulación de las capas finas de la impresión tridimensional.
Nuestra primera colaboración se inició con placas de grabado que retrataron estructuras cristalinas. Las colocó en una cascada subterránea calcificante sobre un año, resultando en una proyección mineral fascinador del dibujo. Desde entonces Halperin ha perseguido la producción geológica para hacer medallones con lava fundida, y esculturas incrustadas con sílice en lagunas islandeses.
Desde esa primera colaboración hace diez años he compartido con Halperin numerosas conversaciones alrededor de la fabricación manual e el uso de herramientas y la tecnología. Hemos elaborado un propio vocabulario para hablar del período de producción – desde el tiempo análogo, cultural y geológico hasta el tiempo digital.
Este papel seguirá la obra de Halperin e investigará diálogos y pensamientos desde el punto de vista de la impresora.

A hand in time

Printmaking is not always a medium of multiples. It is not necessarily fast.
Making an artwork with print processes can test the very limits of patience: all involve commitment to time and alchemy, and often failed attempts before a successful outcome.
Latterly, we count hours required for machines to complete computer-driven tasks. Laser-cutters take a day, or two, to engrave large files. When 3d-printing we check build time estimates in case they are longer than our shift. Software error and mechanical failure now add to the list of things-that-can-go-wrong.
This is the indirect nature of production through process (as opposed to the directness of painting) that sculptors and printers share. Both combine in 3d printing – to make a printed object.
In a world increasingly chasing velocity, artist Ilana Halperin takes notions of process and time beyond quotidian scales, engaging the services of geology.
For example she harnesses mineral accretion in underground caverns: a form of additive-manufacturing that makes stalagmites and echoes the accumulation of layers in 3D printing.
The first project we collaborated on began with her etching-plates (depicting crystalline structures), placed in an underground calcifying waterfall for over a year (Fontaines Pétrifiantes de Saint-Nectaire ) and resulting in a scintillating mineral projection of the drawing. Since then Halperin has pursued geological production: making silica-encrusted sculptures in Icelandic lagoons and laser-engraving ‘books’ of sheet mica.
From a first collaboration a decade ago, I have worked with Halperin and shared conversations around the hand-made and the use of tools and technology. We have coined our own short-hand of production timespans - such as analogue, cultural, geological and digital time.
This paper will track Halperin’s work and explore some of the thoughts and dialogues raised - from a printer’s point of view.

Grabado en el antropoceno

¿Qué significa ser una artista en la época del antropoceno? El tema del cambio climático, que antes ocupaba la periferia, está alcanzando un mayor reconocimiento en el arte contemporáneo. El antropoceno desafía el excepcionalismo humano. Entonces, ¿influye todavía a los artistas de hoy la separación modernista presente en la tradición de historia del arte entre la “naturaleza” y la “sociedad humana”? El arte contemporáneo necesitará lo que Bruno Latour llama “ecologización” o la reexaminación y comprensión de nuestra dependencia interrelacionada con el mundo no humano del que también formamos parte.
El estudio del cambio climático forma parte de la esfera de la ciencia. En cambio, el arte contemporáneo ha establecido más contacto con las humanidades que con las ciencias. Sin embargo, tanto la ciencia como el arte comparten los principios de la observación, inspiración y creatividad. Dada la urgencia del cambio climático, los científicos necesitan compartir sus resultados con el público, que a menudo permanece impasible ante los hechos presentados sin más. Por lo tanto, el arte puede constituir un punto de unión entre el mundo de las ciencias y el la de la cultura contemporánea. Las imágenes visuales pueden traducir la lengua técnica de la ciencia y convertirse en un lenguaje emocional del discurso público. Además, históricamente el grabado tiene una tradición de participación sociopolítica y de divulgación de información a través de la imprenta, que lo convierte en un buen medio para contribuir al discurso geopolítico. Sin embargo, eso nos plantea la pregunta de cuánto conocimiento científico y ecológico debe tener la artista para poder participar en este discurso.
Finalmente, me gustaría investigar el impacto en el medio ambiente que tiene la propia artista. ¿Son los artistas cómplices del cambio climático en su uso de métodos y materiales considerados contaminantes? ¿Podemos ser artistas con un impacto ecológico bajo?

Printmaking in the Anthropocene

What does means to be an artist in the age of the Anthropocene? Climate change, which before resided in the periphery, is taking centre stage in contemporary art. The Anthropocene challenges human exceptionalism. Does the modernist separation of “Nature” and “Society” in the tradition of art-history still influence artists today? Contemporary art may be in need of what Bruno Latour calls “ecologization,” or the understanding of our interconnected dependence upon the non-human world of which we are part.
The study of climate change is in the realm of science. Contemporary art has engaged with humanities and less with science. However, both science and art share the principles of observation, inspiration and creativity. Given the urgency of climate change, scientists need to share their results with the public, who often seem impervious to dry fact. Visual art can build a bridge between the world of science and the world of contemporary culture. Visual images can translate the technical talk of science into the emotional domain of public discourse. Historically, printmaking has a tradition of socio-political engagement and dissemination of information through the printing press, which makes it well-suited to contribute to this geopolitical discourse. This raises the question of how much scientific and ecological literacy an artist needs to participate in this discourse. Do artists have to experience science in the field? Opportunities of collaboration between artists and scientists contribute to a more profound understanding of climate change, pollution, extinction, etc.
Finally, I would like to explore the environmental impact of an artist’s practise. Are artists and printmakers complicit in climate change when using methods and materials that are polluting? Can we be artists with a low carbon footprint?

Impresiones del hielo / Impresión con hielo

Esta ponencia explora las propiedades efímeras y entrópicas del hielo derretido como un medio de producción de obras gráficas únicas y variables. Con referencia a una investigación en gráfica y ejemplos de “site specific” obras producidas durante la residencia de arte en Suecia, este ensayo demuestra cómo los fenómenos naturales pueden ser aprehendidos y representados a través de la práctica de la gráfica y cómo éstos pueden traducirse en experiencia estética.
Ha habido un surgimiento de prácticas de “expanded print” que buscan explorar temas conceptuales relacionados con el uso de materiales inusuales, proceso y modos alternativos de exhibición. La investigación contribuye a este contexto, pero es distinto, a través de una exploración de hielo como un objeto y el material utilizado en la gráfica. La ponencia analiza en primer lugar: ¿cómo las cualidades transitorias y contingentes del hielo pueden ser empleadas en el proceso de impresión? Y en segundo lugar: ¿Qué pasaría si medioambiente y los datos ambientales pudieran ser una parte del proceso de impresión real?
Este ensayo ilustrado revela las pruebas prácticas realizadas en lugares de lagos glaciares, con el objetivo de explorar un impacto de datos ambientales en el proceso de impresión. A través de una investigación de cambio irreversible y espontáneo de hielo derretido aplicado al papel y la observación de las relacione sentre diferentes formas y sistemas, el ensayo apunta a llamar nuestra atención a la forma en que la pensamos sobre el rol del hielo. 
También busca avanzar en los enfoques existentes dentro de la gráfica a través del desarrollo de las contribuciones metodológicas, conceptuales y estéticas a las preocupaciones medioambientales de la gráfica actual. Este ensayo también ofrece la oportunidad para de vivir un microcosmos mágico de hielo y demostrar el impacto que podemos tener en nuestro entorno sólo poniendo hielo en acción.

Ice Prints / Printing Ice

The paper explores the ephemeral and entropic properties of melting ice as a means of production of unique and variable print outcomes. With reference to research and examples of site-specific work produced during printmaking residency in Sweden, the paper demonstrates how natural phenomena can be apprehended and represented through the means of artistic print production and how these can be translated into aesthetic experience.
There has been an emergence of expanded printing practices seeking to explore conceptual issues around the use of unusual materials, process and alternative modes of exhibiting. The research contributes to this context, but is distinct, through an exploration of ice as both a subject and material used in printing practice. The paper discusses first: How the transient and contingent qualities of ice can be employed in the process of printing? And secondly: What if environmental and ambient data could be a part of the actual printing process?
This illustrated essay reveals the practical tests conducted in glacier lakes locations, aiming to explore an impact of environmental and ambient data on the printing process. Through an investigation of irreversible and spontaneous change of melting ice applied to paper and observation of the relationships between different forms and systems, the essay aims to draw our attention to the way we think about the role of ice.
It also seeks to advance existing approaches within print media through the development of methodological, conceptual and aesthetic contributions to the environmental concerns of print production.
The paper’s visual material offers also an opportunity to experience a magical microcosm of Ice and demonstrate the impact we can have on our immediate physical surroundings just by putting ice “into action”. A million works could be printed from the ice and they all would differ, just as all snowflakes are disparate.

Distancias íntimas

Las tecnologías contemporáneas de mapeo ofrecen nuevas formas de afrontar el mundo; siempre hay a mano un mapa digital y la distancia virtual se puede solucionar por medio de un aumento o disminución del zoom en un mapa.
Los puntos antípodas del mundo se encuentran a 20000 km de distancia, la mayor distancia posible, y a pesar de estar divididos por la oscuridad y la luz, el invierno y la primavera, aun así tienen características geológicas y climáticas parecidas. Por medio de la reflexión sobre prácticas de mapeo, esta ponencia analiza las Distancias Intimas (Intimate Distances), un proyecto de grabado que trata de explorar lo simulado y lo sentido, la distancia y la proximidad de dos zonas costera antípodas, el Cabo Palliser en Nueva Zelanda y Santander en España.
Esta ponencia que se presenta en Impact 10 en la ciudad española de Santander habla de las condiciones atmosféricas de la remota zona costera del lado opuesto del mundo y considera cómo el método de frottage puede grabar de forma visual la naturaleza afectiva de un lugar. Al mismo tiempo servirá para resaltar cómo el frottage, que es un método asociado íntimamente con el tacto, puede documentar un lugar a una escala 1:1, y de este modo tener la capacidad de ofrecer un modo alternativo de mapear un espacio. Como centro de esta ponencia se encuentra el análisis de una serie de aguafuertes que de forma similar han nacido de viajes a zonas costeras. Voyage Round Great Britain de William Daniell (1769-1837) y Low Tide Wandering de Thomas Schutte (1954- ), aunque fueron creados con más de 200 años de distancia, ofrecen unos contrapuntos conceptuales y prácticos al proyecto de Intimate Distances.
Al analizar estos proyectos de grabado tan diferentes que abarcan ideas, medios, eras y hemisferios, esta ponencia sugiere que la práctica creativa puede proporcionar un espacio crítico para considerar formas de mapeo y registro de lugares.

Intimate Distances

Contemporary mapping technologies have afforded new ways of encountering the world - a digital map is often at hand, and virtual distance can be negotiated by zooming in or out of a map.

Antipodal points of the world are separated by 20,000km - the greatest distance possible – and are divided by darkness and light, winter and spring, yet they have similar geological and climactic features.

Reflecting on mapping practices this paper analyses Intimate Distances a printmaking project that set out to explore the simulated and the sensed, and the distant and the proximate at two antipodal coastal locations; Cape Palliser in New Zealand and Santander in Spain.

Presented at Impact 10 in Santander Spain, this paper will discuss the atmospheric conditions of the remote coastal location on the opposite side of the world, and consider how the method of frottage can visually record the affective nature of a site.

Additionally, it will outline how frottage, a process intimately associated with touch, can record a site at 1:1 scale, and in doing so has the capacity to offer an alternative way of mapping a space.

Central to this paper is an examination of a series of etchings that similarly have arisen from journeying in coastal locations.

Created more that 200 years apart William Daniell’s (1769–1837) Voyage Round Great Britain and Thomas Schuttte’s (1954 - ) Low Tide Wandering offer conceptual and practical counterpoints to the Intimate Distances project.

By evaluating these distinct printmaking projects that span ideas, mediums, eras and hemispheres, this paper suggests that creative practice can provide a critical space for considering ways of mapping and recording place.

Matrix of Movement

Estos grabados de tipo Intaglio acompañan la presentación de propuesta la cual lleva el mismo nombre, esta explora enlaces entre tradiciones de impresión hecha a mano y su potencial con nuevas tecnologías.
Estas forman parte de investigaciones actuales, cuestionando si el desarrollo de tecnologías  cambiado nuestra percepción y experiencia del paisaje. Estas investigaciones han sido enfocadas en dos locaciones, El Rio Mersey, Liverpool Reino Unido y el Rio Hunter, en New South Wales, Australia.
El resultado es un conjunto de obras las cuales exploran el modo en el que las culturas de los hemisferios norte y sur tienen una correlación directa al entendimiento del paisaje y la conexión al lugar cuando se viaja a pie.
Al utilizar instrumentos de mapeo 3D para informar las imágenes, estas obras conectan con nuestra obsesión moderna de localizar, ordenar y controlar nuestras experiencias dentro de los paisajes pos-industriales. Más directamente ’ Matrix of Movement’ considera ideas alrededor de re-interpretación y re-posicionamiento de técnicas tradicionales de impresión y procesos como parte de una práctica artística contemporánea más amplia.
Imágenes complejas de gran escala son traducidas a placas de Intaglio, la información en capas múltiples es reproducida en fotopolimero, así explorando conexiones entre nuestras capacidades y nuestras reacciones a lo hecho a mano. Las impresiones producidas son grandes y de labor intensiva, ediciones pequeñas, ricas en tinta y balanceadas con una profundidad de tono la cual da una sensación de luz y movimiento.
Las obras en papel son colgadas sin ser enmarcadas, las imágenes cubren la totalidad del papel. Estas visualizaciones re-imaginadas de las dos locaciones comparten una respuesta conectada a la reacción del lugar.

Matrix of Movement

This presentation explores print as a platform of mulitple dimensions, providing an essential link between the traditions of the handmade print and the potential of new technologies.
‘Matrix of Movement’ is a cross-disciplinary project, bringing together the worlds of Fine Art, Environmental conservation, Ecology, Environmental science and industrial surveying offering new ideas and ways of seeing familiar spaces. Environmental impact and awareness of post-industrial wetlands over the last few years has led to increased interest in re-engaging with and the protection of these unique locations. By using commercial digital 3D mapping instruments to inform my imagery these projects connect with our modern obsession for locating, ordering and controlling our experiences of landscapes.
Traditionally printed intaglio prints explore the potential of digital technologies and challenge our perceptions and willingness to experience these post-industrial wetland environments through discovery.
Are we forced to experience these post-industrial landscapes through abstracted observations where journeys are based on the bias of road networks and the ever-growing number of digital navigational aids?
More directly ‘Matrix of Movement’ considers ideas around re-interpretation and a repositioning of traditional printmaking skills and processes as part of a wider cross-disciplinary art practice. Large Intaglio plates incorporate photopolymer technology to offer a view beyond our own human visual capability, combining digital information taken from 3D laser scanners with the traditions of the hand printed intaglio surface resulting in a re-imagined vision linking digital and aesthetic. Images presented create an opportunity to explore what is beyond the paper surface becoming a visualization of the point where our physical and digital worlds overlap, the edge between the location and how we feel to be part of it.