Panel 7

UNICAN - Sala 1

Septiembre 7

9 am - 11 am

Escaneos vivientes: el libro del artista como el cuerpo del paciente

 
Mi proyecto de investigación en el doctorado en Humanidades examina la historia del estampado y la medicina, y cómo una representación subjetiva contemporánea de la experiencia de la paciente puede, una vez más, impactar positivamente en su sentido de identidad y de agencia. Desarrollo este trabajo en una práctica colaborativa íntima con mi hermana, quien es especialista en ética médica y tiene esclerosis múltiple. Usando sus narraciones de paciente y mi formación como estampadora, creamos instalaciones de estampas y libros de artista para recontextualizar la imagenología diagnóstica médica con el objetivo de crear un intercambio empático entre doctores, pacientes y cuidadores.
La práctica de representar la enfermedad a través de estampas tiene su origen en el Renacimiento temprano, cuando el cuerpo se representaba como un vehículo metafórico para la dominación de la humanidad sobre la tierra y la expectativa siempre presente de la muerte. Hoy en día, el imaginario médico está radicalmente distanciado de la experiencia humana, enfocada más bien en deconstruir abstractamente el cuerpo a través de tecnologías digitales de imagenología en aras de la objetividad perfecta. Propongo que hay valor en emplear el cuerpo medicalizado como una forma subjetiva de comunicar experiencias humanas, no sólo para el sentido de agencia del paciente, sino para el doctor que busca entenderlo mejor. Presentaré modelos contemporáneos para incorporar el estampado en la educación médica, así como técnicas móviles de estampación que pueden realizarse sin el uso de una imprenta gráfica.
Aunque este trabajo trata sobre la enfermedad crónica en particular, el trabajo artístico es lo suficientemente abierto para que los espectadores cuenten su propia identidad y experiencias dentro del sistema médico. Mi objetivo no es “celebrar” o “combatir” la diferencia, sino fomentar un giro ético en la medicina y la sociedad en general donde la diferencia sea esperada y respetada.

Living Scans: The Artist’s Book as the Patient’s Body

My Humanities PhD research examines the history of printmaking and medicine, and how a contemporary subjective representation of the patient experience can once again positively impact the patient’s sense of identity and agency. I create this work in an intimate collaborative practice with my sister, who is a Medical
Ethicist and has multiple sclerosis. Using her patient narratives and my background as a printmaker, we create print installations and Artist Books to recontextualize internal medical scans with the aim of creating an empathetic exchange between doctors, patients, and caregivers.
The practice of representing illness through print has its roots in the early Renaissance, when the body was imaginatively depicted as a metaphorical vehicle for the dominion of humankind on earth, the experience of aging, and the ever-present expectation of death.

Today, medical imagery is radically distanced from human experience, focusing instead on abstractly deconstructing the body through digital imaging technologies in the pursuit of perfect objectivity.

I propose that there is value in employing the medicalized body as a subjective form of communicating human experiences, not only for the patient’s sense of agency, but for the doctor who seeks to better understand her patient. I will present contemporary models for incorporating print into medical education, as well as mobile print techniques that can be conducted without the use of a printing press.
Although this work is about chronic illness in particular, the artwork is open enough for viewers to impart their own identity and experiences within the medical system, and come to find we all carry anxiety about our bodies and, more broadly, our mortality. My aim is not to “celebrate” or “fight” difference, but to foster an ethical turn in medicine and greater society where difference is expected and respected.

Un encuentro de dos disciplinas

A menudo cuando artistas y científicos se reúnen para colaborar, la esperanza es que expresión artística, comunicación y metodología puedan ayudar a la comunidad a entender los descubrimientos científicos.
Las interpretaciones artísticas también pueden servir para crear conciencia de investigación científica compleja.
Este artículo discutirá cuando el grabado contemporáneo se encuentra con la ciencia. Me centraré en tres proyectos.
Adenina es una de las bases encontradas en el ADN y el ARN. Para visualizar ambas moléculas en tres dimensiones, el artista puede ilustrar el potencial de la molécula para compartir electrones, puede ilustrar posibles reacciones con otras especies químicas, puede identificar sus similitudes con otras moléculas, y puede mostrar una aproximación a su lugar en las reacciones químicas que conforman la vida.
Debido a nuestra creciente comprensión de los procesos que constituyen la vida en términos de la biología de sistemas, también aumentan las oportunidades para representar los procesos de la genómica en términos del arte. Los genes del genoma de una bacteria y sus relaciones con otras bacterias son esencialmente invisibles. Sin embargo, desde nuestro conocimiento de la ciencia, pueden “verse” en una forma abstracta como una interpretación artística.
Artistas continuarán esforzándose por comunicar a nivel psíquico y social. Nuestro cerebro consiste en aproximadamente 90 billones de neuronas con miles de millones de conexiones. Cuando esas células se unen producen un constante flujo de conciencia.
Con el advenimiento de la tecnología digital el artista/ grabador puede ir tan lejos como para crear experiencias continuas de tiempo y espacio en movimiento: una simulación tecnológica de la conciencia humana, esencial para la comprensión del cambio eterno y la actividad humana que ha llevado a los grandes problemas del calentamiento global.
El impacto de la tecnología híbrida de los nuevos medios y el grabado ha posibilitado una reinvención del lenguaje del artista.

An encounter of two Disciplines

Often when artists and scientists meet with a view to collaboration the hope is that artistic expression, communication and methodologies might help the wider community understand scientific discoveries.
Artistic interpretations may also raise awareness of complex science research.
This paper discusses what can happen when contemporary printmaking meets science and focusses on three projects.
Adenine is one of the bases found in DNA and RNA when chemically bound to one of two sugars. By visualising both molecules in three dimensions, the artist might illustrate the molecule’s potential for sharing electrons, illustrate potential reactions with other chemical species, identify their similarities to other molecules, and reveal an approximation of their overall place in the chemical reactions that make up life.
Due to our increased understanding of the processes that constitute life in terms of systems biology there are also increased opportunities to represent the processes of Genomics in artistic terms. Genes from the genome of a bacterium and their relationships to other bacteria, are essentially invisible. However, from our knowledge of the science, they can be ‘seen’ in an abstract form as an artistic interpretation.
To a greater or lesser extent artists continue to strive to communicate on a social and psychic level. Our brains consist of roughly 90 billion neurons with trillions of connections. When those cells come together they produce a steady stream of consciousness.
In a culture such as ours, with the advent of digital technology the artist/ printmaker can go as far as to create continuous experiences of moving time and space: a technological simulation of human consciousness, essential for understanding eternal change, energy exchange and the human activity that has led to vast overarching problems of global warming.
The impact of hybrid technology of new media and printmaking has enabled a reinvention of the artist’s language.

Micro-Macro-Foto-Lito

Presentamos una colaboración interdisciplinaria y biodireccional entre el arte impresa como medio de comunicación social, y los métodos de fabricación de semiconductores con aplicaciones en las ciencias biomédicas. Aunque estas dos disciplinas parecen diametralmente distantes, este trabajo se basa en aspectos comunes a ambas: en efecto, a pesar de encaminarse a resultados distintos, los procesos de fotolitografía y grabado son usados de rutinariamente en ambas areas.
Este trabajo es una colaboración entre la artista Erika Servin y el ingeniero biomédico Enrique Escobedo-Cousin.

El trabajo de Erika explora las culturas y subculturas del México contemporáneo, buscando crear referencias visuales y simbólicas a tales culturas. Enrique desarrolla micro-dispositivos implantables con el fin de diagnosticar y controlar padecimientos neuro-degenerativos. En un plano puramente técnico, este proyecto explora los enfoques conceptuales en sus respectivas técnicas fotolitográficas y de grabado, resaltando el valor extraído de la interdisciplinaridad, que incluye el intercambio, la fertilización mutua y sinergía. Esta asociación resulta en una colección de impresiones de dos partes, llamadas macro y microimpresiones. Las macroimpresioines, producides con métodos y materiales usuales en producción artística, muestran imágenes de dispositivos biomédicos para el estudio del músculo humano. En contraste, las microimpresiones (que deben verse bajo un microscopio), que exhiben temas sociales de la cultura mexicana, fueron producidos con una técnique de metales nobles sobre vidrio que es convencional en la fabricación de semiconductores pero novedosa en la producción artística.
Estimamos que el verdadero éxito de esta colaboración, más allá del mero intercambio de métodos y técnicas, ha sido el llevar exitosamente la investigación clínica a la galería y, de manera inversa, la actividad artística al laboratorio de microfabricación.

Micro-Macro-Photo-Litho

We present a true two-way, inter-disciplinary collaboration between fine-art print-making as means of social communication, and semiconductor micro-fabrication applied to biomedical science. Although these two disciplines appear diammetrically distant, this work pivots on certain aspects common to both: indeed, while pursueing entirely different outcomes, photo-lithography and etching processes are routinely used in both areas.
This work is a collaboration between printmaking artist Erika Servin and biomedical scientist Enrique Escobedo-Cousin.

Erika's work explores cultures and subcultures of contemporary Mexico, aiming to create visual and symbolic references to them.

Enrique's develops novel implantable micro-devices targeted to clinical use in the diagnosis and control of neuro-degenerative disorders. On a purely technical level, this project explores the conceptual approaches to their respective photo-lithography and etching techniques, showcasing added value from interdisciplinarity, including exchange, cross-fertilisation and synergy.
A two-part collection of prints results from this partnership, respectively referred to as macro- and micro-prints.

The macro-prints collection, produced using methods and materials common in art printing, features images of medical devices at various stages of manufacture, which are designed to study the human skeletal muscle. In contrast, the micro-print collection (which must be viewed with a microscope) exhibits a series of societal themes of Mexican popular culture, produced using a noble metals (gold, silver) on glass technique which is conventional to semiconductor device fabrication but novel to art-printing.
We believe that the true success of this work, beyond the mere exchange of methods and techniques, was to successfully bring the clinical research to the art gallery as well as the artwork to the micro-fabrication laboratory.

Aun No Tierra: desmantelando el cuerpo por medio del grabado

Discutiré el uso de estampa para explorar nuestro encuentro conflictivo con sustancia. Tiempo es un elemento clave en mis obras donde sigo la transición de materia desde cuerpo a carne, a barro y agua. Por el trabajo con estas sustancias transicionales, interactúo con el concepto del cuerpo en el tiempo, considerándolo no como entidad individual pero como la continuidad de materia.
Los procesos de estampa son un elemento clave en esta exploración. La descomposición de claridad y la acumulación de profundidad que está creada en las imágenes por el proceso de estampa son decisivos en el desarrollo de los bordes borrosos de la sustancia corporal y la relación conflictiva entre el tejido del cuerpo y el sentido de identidad. Una serie de serigrafías en CMYK vibran entre espacio y superficie mientras la claridad fotográfica los desintegra, recordando la tensión entre el cuerpo como entidad y como materia. En otra serie de grabados de barniz de jabón, las imágenes están aún más deterioradas, representando hebras carnosas que resisten la identificación hasta el punto de abstracción. Carne, por sí misma es una abstracción; ya no es animal, pero todavía no es tierra; existe un algún lugar inanimado y al mismo tiempo permeado por la historia de haber vivido. Este estado de suspensión posiciona el cuerpo como algo 'Otro' que nuestro Ser.
Esta exposición está basada en una serie de interacciones performativas entre mi cuerpo e interacciones con tejidos musculares. Yo 'juego' con pedazos de carne, ensamblándolas y desensamblándolas en charcos de agua y barro. La carne sirve como mi herramienta de dibujo. Por manipularla, yo impongo mi voluntad sobre su existencia, y por implicación, también sobre mi propio tejido vivo. Contrariamente, por volverse una extensión de mi cuerpo, el material actúa sobre mi sustancia y la cambia otra vez.

Not Yet Earth: Breaking Down the Body Through Print

In this paper I will discuss the use of printmaking to explore our conflicted encounter with substance. Time is a key element in my work as I follow the transition of matter from body to flesh, to meat, to mud and water. I discuss how, through working with these transitional substances, I interact with the concept of the body in time, considering it not as a discrete entity but as a fluid component on a continuum of matter.
Printmaking processes are key to this exploration. The breakdown of clarity and the accumulation of depth that is created in the images through print is crucial in unfolding the blurred edges of bodily substance and the conflicted relationship between the body and the sense of self.

A series of CMYK prints vibrate between space and surface as their photographic clarity breaks down, echoing the tension between the body as entity and as matter.

Another series of soap-ground etchings have broken down even further, depicting fleshy strands that resist recognition to the point of abstraction. Flesh is itself an abstraction; no longer animal and not yet earth, it exists somewhere between the two, inanimate and yet permeated by a history of being alive.

This state of suspension throws the body into relief as something 'Other' than our Selves.
The exhibition is rooted in a series of performative interactions between my body and other iterations of flesh. I ‘play’ with discarded pieces of butcher's meat, assembling and disassembling them in pools of water and mud. Flesh is my drawing tool and my creation. Through manipulating it I impose my will on its existence, and also by implication upon my own living flesh. Conversely, in becoming an extension of my body, the material acts upon my substance and changes it in return.

Explorando un paisaje

La epigenética es actualmente un campo en expansión de investigación biomédica relacionada con los cambios en la expresión genética, el fenotipo y la herencia como resultado de factores externos o ambientales. Una adaptación de la teoría de la epigénesis de Aristóteles, el término, fue inicialmente acuñado por el biólogo y filósofo del desarrollo C.H. Waddington en 1942 para describir cómo los genes pueden interactuar con su entorno.
Para ilustrar este concepto, Waddington desarrolló una metáfora visual en forma de una bola que traversa un paisaje. Esta visualización de un "paisaje epigenético" ha sido un modelo tan efectivo que se ha convertido en una especie de ícono dentro de las ciencias biomédicas, especialmente en los últimos años, ya que Epigenetics se ha convertido en un campo cada vez más dinámico. El modelo ha sido reinterpretado muchas veces, incluso por el mismo Waddington como una metáfora para navegar en cualquier sistema complejo. En 'Tools for Thought' (Edimburgo, 1976), la publicación final de Waddington (publicada póstumamente), colaboró con la artista Yolanda Sonnabend para ampliar la visualización del concepto del paisaje epigenético.
Durante mi reciente investigación como artista residente de la Red Europea de Excelencia EpiGeneSys, he estado revisando este trabajo y colaborando con otros artistas y científicos para explorar el concepto del Paisaje Epigenético, y cómo se puede aplicar en la actualidad. Este trabajo se está desarrollando actualmente en una variedad de medios, pero con los métodos de impresión y grabado como los medios principales de exploración, los procesos de los cuales también se pueden considerar generalmente como análogos a este modelo del Paisaje Epigenético.

Exploring a Landscape

Epigenetics is currently an expanding field of biomedical research relating to changes in gene expression, phenotype and heredity as a result of external or environmental factors. The term, an adaptation of Aristotle’s theory of Epigenesis, was initially coined by developmental biologist and philosopher C.H. Waddington in 1942 to describe how genes might interact with their surroundings.
To illustrate this concept, Waddington developed a visual metaphor in the form of a ball in a landscape.
This visualisation of an ‘Epigenetic landscape’ has been such an effective model that it has become something of an icon within the biomedical sciences – particularly in recent years as Epigenetics has become an increasingly dynamic field. The model has been reinterpreted many times, including by Waddington himself as a metaphor for navigating any complex system. In ‘Tools for Thought’ (Edinburgh 1976) – Waddington’s final publication (published posthumously) he collaborated with artist Yolanda Sonnabend to extend the visualisation of the concept of the Epigenetic Landscape.
During my recent research as resident artist with the EpiGeneSys European Network of Excellence I have been reviewing this work and collaborating with other artists and scientists to explore the concept of the Epigenetic Landscape - and how it can be further applied in a contemporary context. This work is currently being developed in a variety of media, but with print and printmaking methods as the principal means of exploration, the processes of which can also be considered generally as analogous to this model of the Epigenetic Landscape.
Note: EpiGeneSys is a European Network of Excellence based at the Institut Curie, Paris. The intention of the network is to bring together the emerging research areas of Epigenetics and Systems Biology.

El Giro Forense en el Grabado Contemporáneo

Este ensayo se enfoca en el encuentro de la traducción y la narración en el grabado contemporáneo. La discusión se concentra en la idea de que el grabado formula una estrategia arqueológica en la cual el fragmento y la huella entrópica en la superficie de la matriz crean un sitio de diálogos múltiples, lo que Duchamp llamaba el ‘infra-mince’. Exploro como la plancha, como matriz, puede traducir la historia de sitios de memoria e historia, en cuanto el objeto háptico de la superficie metálica crea una resonancia afectiva por medio del tacto, y responde a discursos sobre la aceleración y reproducción, el recuerdo y el olvido de la imagen contemporánea. En cuanto las prácticas digitales y el internet continúan la diseminación rápida de la imagen, y apresuran nuestra relación con imágenes fotográficas, yo busco un espacio de pausa con el grabado, para poder traducir y narrar lo que se pierde y lo que se gana con estos procesos más lentos cuando se combinan con expresiones contemporáneas del arte.
Examino como las huellas forenses capturadas en la superficie de la plancha, trazos latentes y liminales de la imagen fotográfica, empotran narraciones históricas perturbadoras en el proceso en sí cuando las planchas son reveladas en lugares de pasado traumático: el rio Paraná, por ejemplo en Argentina. Aquí, promulgan encuentros forenses como objetos prosopopeicos, hablando por los que no pueden, los desaparecidos, como huellas entrópicas, fragmentadas que vuelven a vida más allá de la superficie de la plancha.
El uso de las técnicas forenses de cepillar y exponer la materia, da luz a formas alternativas de conservar el pasado. El artista forense de grabado entonces, mediador de un encuentro visual arqueológico, traduce y narra estos por medio del tiempo, y el tacto, produciendo nuevas narraciones grabadas.

The Forensic Turn in Contemporary Printmaking

The focus of this research paper is the notion of translation and narrative in contemporary printmaking. The discussion is centred on printmaking as an archaeological device where the fragment and the entropic marks on the surface of the matrix create the site for marginal and multiple layered dialogues, what Duchamp termed the ‘infra-mince’.

I explore how the photo etching or matrix can be used as the site in which history, memory and narrative collide, as the haptic is returned to the polished metal surface and its affective resonance through touch responds to discourses of acceleration and reproduction, remembering and forgetting. As digital practices and the internet continue to accelerate the dissemination of the networked image, and speed up our relationship to photographs and prints, I am looking at how printmaking practices can slow them down, translate and narrate them, in order to discover what is lost or gained in the process, while still forming a key part of contemporary expressions of art.
I will examine how forensic traces can be captured on the surface of the plate, as latent and liminal traces of a photographic image, and embed disruptive historical narratives into the process of the making itself, as plates are developed in situ at the site of traumatic memory, in the Paraná in Argentina, for example. Here they enact these encounters as forensic and prosopopaeic objects that speak in place of that which they are depicting, those disappeared, as fragments and entropic marks that narrate memories beyond the surface itself.
The use of forensic techniques of brushing, exposing and interpreting the material exposed, mean that alternative forms of preserving the past emerge, and new visual encounters can be mediated by the printmaker-archaeologist who translates and narrates these in multiple print outcomes.