Panel 6

CASYC - Sala 3

Septiembre 7

9 am - 11 am

Nuevos enfoques de impresión en vidrio con calcomanías y esmaltes de vidrio luminiscente

Reportándonos a los enfoques industriales, desarrollados en la industria cerámica en el siglo XVIII, las imágenes en superficies vítreas tienen una larga historia. Hoy día existe un inmenso potencial para ampliar el alcance de lo grabado sobre vidrio, combinando la flexibilidad creativa de la imagen digital y la imagen autográfica. El vidrio ofrece amplias posibilidades para trabajar con imágenes debido a su transparencia, presencia física y óptica. 
Este ensayo académico presenta un proyecto de investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidade do Porto y en VICARTE, una unidad de investigación en la Facultad de Ciencias y Tecnología de la Universidade Nova de Lisboa. 
El propósito es investigar e integrar métodos simples de grabado en la práctica de vidrio artístico, ampliar el alcance de los modos establecidos de creación de grabado, por la incorporación de técnicas de transferencia basadas en la producción de papeles de transferencia o calcas, hechos a mano, que pueden ampliar la extraordinaria facilidad del proceso de fabricación de calcomanías, manteniendo la fidelidad del grabado original. 
En VICARTE, un equipo multidisciplinario de artistas y químicos, está probando nuevos materiales de vidrio, esmaltes de baja temperatura sin plomo, buscando desarrollar una composición más ecológica. En el marco del proyecto InLumGlass se están explorando nuevas composiciones, obteniendo materiales incoloros a base de estaño y cobre, con una fuerte luminiscencia blanca bajo de luz UV. Esto representa una oportunidad única de aplicación en la práctica artística. Jugar con transparencia, translucidez y luminiscencia permite manipular la percepción visual, entre las formas de ver y esconder, revelar y velar, alterar o controlar la visión. Todo esto resultada en una amplia gama de posibilidades en términos de la calidad de la superficie impresa y su presencia física, disponible para el artista..

New approaches in glass printing with decal technology and luminescent glass enamels 

Images on vitreous surfaces have a rich history, going back to industrial approaches, first developed in the ceramic industry, in the 18th century. There is today an immense potential for extending the scope of fine art printing on glass by combining the creative flexibility of the digitally processed image and the autographic image. Glass surface offers rich possibilities to work with printed image due to its transparency quality, physical and optical presence. 
This paper presents a research project conducted at Faculty of Fine Arts of the Universidade do Porto and at VICARTE, a research unit at the Faculty of Sciences and Technology of the Universidade Nova de Lisboa. 
The purpose is to research and integrate simple methods of printing into the studio glass practice, brought about by the incorporation of transfer techniques based in the artist own production of handmade transfer papers, which can expand the extraordinary easiness of the decal making process, maintaining the fidelity of original print. 
At VICARTE, a multidisciplinary team of artists and chemists, are testing new glass materials, low temperature enamels without lead, seeking to develop a more environmentally friendly composition. New compositions, obtaining colourless materials based on tin and copper, with strong white luminescence under UV light, is being explored in the framework of the InLumGlass project. 
This represents a unique opportunity of application in contemporary fine art practice. Playing with transparency, translucency and luminescence allows manipulating visual perception, between ways of seeing and hiding, revealing and veiling, altering or controlling vision. All this results in a wide range of possibilities in terms of the quality of the printed surface and its physical presence, available to the artist while keeping the engagement with the physicality so important to this set of mediums: glass and printmaking.

Recortando para imprimir: Los procesos de una imagen

Recortando grabado a grabado se centra en una serie de mis trabajos realizados entre el 2015 y 2017: Dressed in Pattern, una instalación por encargo de 350 piezas de vajilla impresa y Remember Me, una instalación de pared de 12 metros de largo, exhibidas en la Wolverhampton Art Gallery.
En ambos proyectos, la gráfica ocupa un lugar destacado, desde mi investigación de los grabados de cobre del siglo XIX del English Spode Museum -un archivo de diseños de cerámica industrial- hasta la impresión digital y analógica en cerámica y la xilografía láser en papel.
A partir de una pequeña cantidad de detalles, estampados, motivos y textos procedentes de los grabados de Spode, y utilizando limitados colores, desarrollé una serie de trabajos empleando los procesos de collage, yuxtaposición, repetición y diseño de estampado.
Las imágenes fueron inspiradas en los paisajes bucólicos "clásicos" de los grabados históricos, así como mis composiciones, diseñadas para adaptarse a las diferentes formas de los objetos. Otra influencia fueron los padrones de diseño de moda del archivo de la Universidad de las Artes de Londres.
La imagen que se destaca es la figura femenina, representada como una silueta, la protagonista que se pasea por varios sustratos en un paisaje imaginario de estampados y formas, creando así una narrativa de capas superpuestas.
En cada paso del proceso, tanto en la impresión analógica como digital, hay cambios inevitables, que determinan la creación y el significado en las obras terminadas.
Este ensayo cuestiona el desarrollo de estos trabajos y cómo la marca gráfica en la impresión se transforma al ser llevada por una secuencia de procesos y por una serie de sustratos. La clave para esto ha sido cómo imaginar y organizar proyectos tan ambiciosos, y cómo manejar y balancear la oscilación entre los detalles y la imagen total.

Cut from Print to Print

Cut from Print to Print is focused on a sequence of my artworks made between 2015-2017; Dressed in Pattern, featuring a commissioned installation of 350 pieces of printed tableware and Remember Me, including a 12-metre long wall installation as part of a solo exhibition at Wolverhampton Art Gallery.
In both these projects, print features prominently, from research into 19th century copper engravings at the English Spode Museum Trust, an industrial ceramic design archive, through to digital and analogue print on ceramics and laser wood-cuts on paper.
From a very small number of details, patterns, motifs and texts, sourced from a selection of Spode engravings, and using limited colour, an entire body of work was developed through the processes of collage, layering, repeat and patterning.
The imagery drew on the idealized, ‘classic’, pictorial landscapes found on the historical engravings, as well as the unique compositions, designed to fit variously shaped ware. A further influence, was the fashion design dress templates in the archive at the University of the Arts London.
The presiding image is the female figure, depicted as a silhouette, who acts as protagonist as she journeys across the surface of various substrates, through an imagined landscape of pattern and form, to create a layered narrative.
At each step of the journey, in both analogue and digital print, there are inevitable slippages, that determine the making and meaning of the completed artworks.
This paper interrogates the development of this work and how the graphic mark of print shifts as it is taken through a sequence of processes and onto a number of substrates. Key to this, has been how to imagine and orchestrate such ambitious projects, and how to manage the oscillation between detail and overall image.

Constantes vitales

Todos los días camino por el estuario de rio Derwent que fluye a través de la ciudad de Hobart, Tasmania. Mi aprendizaje como grabadora me ha llevado a la sensibilidad de los trazos e impresiones que se encuentran en las superficies. En los últimos años me he visto absorbida por las ondas causadas por las mareas y las corrientes que interactúan en el río. Leer la superficie del agua conduce a una comprensión de lo que se encuentra debajo y cómo el clima del mundo interactúa con las estructuras de la tierra. Mi ensayo Signos Vitales, describe y analiza el desarrollo de una instalación gráfica de grabados en madera que traducen los signos y patrones del agua.
Mis instalaciones gráficas se realizan a través de una innovación en la impresión en madera China y Japonesa. He creado rompecabezas de xilografías a gran escala que se imprimen a mano con múltiples capas tonales en papel japonés Kozo. Los tonos se crean primero imprimiendo con tinta china diluida seguida de una capa final nítida en tinta litográfica. Mi ensayo reflejará la escala cambiante de patrones revelados; desde la intrincada veta de madera, pasando por las manchas de tinta china hasta la traducción de los patrones de superficie del río. Argumento que el papel de la cultura es garantizar la comprensión del entorno donde se construyen los lugares. La vitalidad de la tierra y sus múltiples habitantes se integran en la memoria cultural a través del proceso de creación artística. Las historias se vuelven a contar, se reinventan y se integran en el cuidado y la conservación del lugar.

Vital signs

Each day I walk along the Derwent Estuary that flows through the city of Hobart, Tasmania. My training as a printmaker has led to a sensitivity to the traces and impressions found on surfaces. In the last few years I have become absorbed by the ripples caused by the tides and currents interacting in the river.

Reading the surface of the water leads to an understanding of what lies beneath and how the weather world interacts with the structures of the land. My paper Vital Signs, describes and analyses the development of a graphic installation of woodcut prints that translate the signs and patterns of the water.
My graphic installations are made through an innovation on Chinese and Japanese woodblock printing. I create large scale jigsaw woodcuts that are handprinted with multiple tonal layers on to Japanese Kozo paper. Tones are created by first printing with diluted Chinese ink followed by a crisp final layer in lithographic ink.

My paper will reflect on the shifting scale of patterns revealed; from the intricate woodgrain, seeping stains of Chinese ink to the translation of the River’s surface patterns. I argue that the role of culture is to ensure the understanding of the environment that places are made in. The vitality of the land and its multiple inhabitants are embedded into cultural memory through the process of art making. Stories are retold, re-imagined and embedded into the care and conservation of place.

Olivares: meditaciones sobre poesía y grabados

Concebido como una conversación entre un grabador y un erudito, este escrito explora el poder de la imaginación poética para evocar memorias y lugares considerando las imágenes simbólicas del árbol del olivo en el trabajo de Layli Rakhsha.
El olivo tanto como un objeto físico y una forma simbólica, tiene una extensa historia migratoria global. Originándose en el Levante, el olivo fue cultivado a través del Mediterráneo durante el periodo del Imperio Romano, mientras que en tiempos modernos se ha expandido en forma global para convertirse en un cultivo significativo en España y Australia. Como símbolo, es percibido generalmente como un signo de paz.
En este escrito, el árbol del olivo se transforma en una metáfora vital para un encuentro poético entre los diferentes lugares, culturas, recuerdos, y prácticas artísticas.
En la década de 1930, Federico García Lorca frecuentemente usaba el árbol del olivo en sus poesías como una evocación poderosa de su tierra natal, Andalucía. En la década de 1990, mientras vivía en Teherán, Irán, Layli Rakhsha leyó sus poemas en Farsi, los cuales fueron traducidos por el poeta persa, Ahmad Shamlou, los cuales invocaban imágenes de una tierra distante. Hoy, en Perth, Australia Occidental, donde Layli ahora reside, un gran árbol de olivo en el jardín de su vecino sobresale por encima de su cerca. Se ha convertido en un punto focal para su imaginación poética, donde las memorias del pasado y el presente, de aquí y de allá se mezclan, eventualmente materializando una serie de impresos.

Olive Trees: meditations on poetry and printmaking.

Conceived as a conversation between a printmaker and a scholar, this paper explores the power of the poetic imagination to evoke memories and a sense of place by considering the symbolic imagery of the olive tree in the work of Layli Rakhsha.
The olive tree as both a physical object and a symbolic form has a long global migratory history.

Originating in the Levant, the olive was dispersed throughout the Mediterranean during the period of the Roman Empire, while in more modern times it has spread across the world to become a significant crop in both Spain and Australia.

As a symbol, it is usually perceived as a sign of peace. In this paper, the olive tree becomes a vital metaphor for a poetic encounter between different places, cultures, memories, and artistic practices.
In the 1930s, Federico Garcia Lorca often featured the olive tree in his poetry as a powerful evocation of his homeland, Andalusia, Spain.

In the 1990s while living in Tehran, Layli Rakhsha read his poems in Farsi, translated by the Persian poet, Ahmad Shamlou, which conjured images of a distant land.

Today, in Perth, Western Australia, where Layli now lives, a large olive tree in her neighbour's garden overhangs her fence.
It has become a focal point for her poetic imagination, where memories of past and present, of here and there commingle, eventually materializing in a series of prints.

Pulpando espacios: Creando significado con texturas al trazar piezas con fábrica de algodón

El medio que uso en mi práctica es el algodón reciclado de ropa cortada, destruida, y percutida, el cual se convierte en una fina pulpa de algodón dentro de una máquina que se llama “Hollander”, la cual es central para el significado de lo que hago. Las huellas dejadas por la pulpa textil crean profundidad y significado en mi trabajo tanto visual como conceptualmente. Aquí el proceso de hacer y de la materialidad del medio se juntan para expandir los límites del grabado a través del material que ha sido convertido en pulpa. Voy a discutir esto a profundidad en esta pieza.
Las superficies son asperjadas con pulpa utilizando un rociador de embutido de mortero unido a un compresor de aire, el cual traza mis experiencias. La pulpa de algodón se usa en mi obra como una herramienta de trazo. El efecto que se logra al estratificar es parecido a un dibujo tridimensional, y tiene la profundidad de tono de una acuatinta. La imagen creada por la fibra es una demostración del pasaje del tiempo que ocurre a través del proceso de creación en mi estudio, y el rocío de pulpa en paredes y espacios pre-existentes como cortinas de seda produce grandes piezas de papel.
Mis influencias incluyen la experiencia encarnada (embodied experience) de las texturas que me rodean.
Esto incluye el proceso que se lleva a cabo en mi estudio al moler y esparcir tela, proceso en el cuál abordo la piel del paisaje urbano por el cual me desplazo, así como también la ropa que uso y que consigo en tiendas locales de segunda-mano.
Esta pieza resalta los vínculos entre el proceso del grabado y la materialidad del mismo, expandiendo así las fronteras del grabado a través de una técnica de trazo única que he perfeccionado.

Pulping spaces- creating textual meaning by mark making with cotton fibre

Recycled cotton clothing cut, torn and beaten into a fine pulp in a machine called a Hollander is the medium I use in my practice. It is central to the meaning of what I make. The mark made by pulped fibre creates depth and meaning in my work both visually and conceptually. Here the process of making and materiality of the medium merge together to create meaning and push the boundaries of printmaking through the pulped material. I will be discussing this in depth in this paper.
I spray the pulp medium onto surfaces with a mortar funnel sprayer attached to an air compressor mapping my experience. The fibre pulp is used in my practice as a mark making tool. The layering effect is likened to a 3-dimensional drawing and has the depth of tone of an aquatint. The image created by the fibre is a demonstration of the passing of time that occurs through the process of making in my studio and the spraying of pulp onto walls in pre-existing spaces and on silkscreens to form large paper pieces.
This process of spraying pulped cotton fibres creates contextual meaning through the layering of pulp onto surfaces.

I am influence by the embodied experience of textures in my surrounding environment.

This includes my studio process of milling and spraying cloth, engaging in the skin of the urban landscape that I transverse on my every day travels, and the clothing I wear and source in second hand stores in my local area.

This tactical geographical experience inspires and drives the work I make.
This paper highlights the links between process and materiality in printmaking and pushes the boundaries of printmaking through my mark making technique.

Jugstrusion: un enfoque de diseño indeterminista impreso en 3D

Este artículo informa de la investigación sobre el uso de la impresión 3D para crear troqueles para el proceso de extrusión de arcilla. A través de experimentos prácticos, la investigación busca plantear preguntas más amplias con respecto al uso de nuevas tecnologías en el diseño y la práctica de artes aplicadas.
Para la base conceptual de la investigación, el determinismo tecnológico se utiliza como lente teórica. Esta noción propone a la tecnología como el motor principal, ya veces exclusivo, del desarrollo cultural, económico y social (Chandler 1995). Esta idea resuena con el desarrollo en el campo de la impresión 3D, que en la última década ha provocado con frecuencia nociones de determinismo tecnológico para ser expresadas.
Mientras que la impresión 3D constituye uno de los componentes tecnológicos clave para esta investigación, otros aspectos centrales de esta investigación se refieren a cómo las características físicas del medio de producción pueden utilizarse para alterar creativamente una salida de diseño que se ha planificado mediante el uso de herramientas digitales. Estos aspectos se exploran mediante la producción de una serie de jarras de cerámica extruidas. El proceso comienza diseñando troqueles de extrusión a través de programación visual. Los troqueles se fabrican luego mediante impresión 3D y se emplean para producir jarras en serie (Jugtrusions) a través del proceso de extrusión de arcilla. La plasticidad de la arcilla frecuentemente causa un "rizado" impredecible, que afecta los aspectos estéticos y funcionales de las jarras extruidas. Las características físicas particulares del medio de arcilla pueden verse como una disrupción de un proceso de diseño basado en herramientas de alta tecnología y se presenta un nuevo concepto de indeterminismo tecnológico para describir cómo los enfoques de diseño y producción particulares pueden usarse para afectar el artefacto final en formas impredecibles.

Jugstrusion: a 3D Printed Indeterministic Design Approach

This paper reports from ongoing research into the use of 3D printing for developing design and production tools, more specifically for creating dies for the clay extrusion process. Through practice based experiments the research seeks to pose wider questions regarding the use of new technology in design and applied arts practice.
For the conceptual base for the research, technological determinism is used as the theoretical lens. This notion proposes technology as the main, and sometime exclusive, driver of cultural, economic and social developments (Chandler 1995). This notion resonates with development the field of 3D printing, which over the last decade have frequently spurred notions of technological determinism to be expressed, with predictions of wide-ranging and disruptive impact on design and manufacturing coursed by this technology.
While 3D printing forms one of the key technological component for this research, other central aspects of this inquiry concerns how the physical characteristics of the production medium can be used to creatively disrupt a design output that has been planned through the use of digital tools. These aspects are explored through the production of a series of extruded ceramic jugs. The process starts by designing extrusion dies through the use of a visual programming scrip. The dies are then fabricated via 3D printing and employed to produce a series jugs (Jugtrusions) through the analogue clay extrusion process. The plasticity of the clay frequently causes unpredictable ‘curling’ in the extruded forms, which affect both aesthetic and functional aspects of the jugs. The particular physical characteristics of the clay medium can be seen as disrupting a design process that is based on high-tech tools and a new concept of technological indeterminism is presented in order to describe how a particular design and production approach can be used to affect thefinal artefact in unpredictable ways.