Panel 3

CASYC - Sala 3

Septiembre 6

3 pm - 5 pm

Espacios de circulación del arte impreso.

Festivales independientes en la ciudad de La Plata

El presente trabajo se inscribe en el proyecto de investigación acreditado “Exploración y análisis de la circulación del arte contemporáneo en espacios artísticos autogestionados de la ciudad de La Plata (2010-2016)”. En el marco de ese proyecto, en este trabajo se analizarán dos ferias de arte gráfico existentes en la ciudad: Presión Festival de Gráfica Contemporánea y Tranza Encuentro Federal de Gráfica. 
Muchos artistas locales que producen obra en disciplinas de la gráfica impresa impulsaron en los últimos años diversos proyectos colectivos de edición, publicaciones de distinto tipo, afiches, fanzines, entre otros. 
Dando cuenta de esa multiplicidad de propuestas surgió en 2013 la primera edición del festival Presión (la cual va por su quinta edición local y tiene ferias derivadas en México y Colombia) y en 2017 la primera edición del encuentro Tranza. Además de ofrecer un espacio para la exhibición y venta de impresos, estas propuestas se convirtieron en un espacio importante de intercambio de producciones, conocimientos y experiencias, así como propiciaron trabajos en red y articulaciones de distinto tipo en el campo de la gráfica artística contemporánea local. Por lo cual se los abordará en tanto proyectos de matriz colectiva que funcionan como instancias articuladoras de estas producciones artísticas. También se estudiará su participación en la escena artística local. El análisis se realizará a partir de los estudios del arte impreso y la gráfica artística como campo expandido y de las categorías analíticas de campo, escena artística y circuitos experimentales.

Printmaking Circulation Spaces.

Independent Festivals in the City of La Plata

This work is part of the accredited research project "Exploration and analysis of the circulation of contemporary art in self-managed artistic spaces of La Plata city (2010-2016)".

Within the framework of this project, this work will analyze two graphic art fairs in the city: Presión Festival de Gráfica Contemporánea [Pressure Contemporary Graphic Festival] and Tranza Encuentro Federal de Gráfica [Tranza Federal Graphic Meeting]. Many local artists who produce artwork in print disciplines have promoted in the last years several collective publishing projects, publications of different types, posters, fanzines, among others. 
Considering this multiplicity of proposals, the first edition of Presión festival was launched in 2013 (it goes by its fifth local edition and has derivative fairs in Mexico and Colombia), and the first edition of Tranza meeting was held in 2017.

Besides offering a place for the exhibition and sale prints, these proposals became an important space for the exchange of productions, knowledge and experiences, and also promoted networking and different articulations in the field of local contemporary graphic art. Therefore, they will be addressed as collective projects that function as articulating instances of these artistic productions. Their participation in the local artistic scene will be studied as well. The analysis will be based on studies of print and graphic art in the expanded field and will use the analytical categories of field, artistic scene and experimental circuits.

Tinta de Agalla de Roble:

Del manuscrito a la impresión contemporánea múltiple. 

Nuestra relación histórica y creativa con esta tintura antigua.

Alto en una rama retorcida, entre el follaje de un roble, acunada entre los lóbulos redondeados de una hoja, existe una pequeña esfera marrón de madera. En su tersa superficie, de un agujero diminuto emerge un pequeño insecto. Es la avispa gallarita, una curiosa benefactora de siglos de escribas, artistas y escribientes. Recolectada, triturada y destilada según una compleja alquimia, estos gránulos de agalla de roble son transformados en tinta negra azabache.
Hasta su caída en desuso en favor de las tintas químicas industriales, la tinta de Agalla de Roble o Ferro-gálica era el medio estándar para escribir y dibujar, el oscuro icor creativo de Leonardo, Bach y Van Gogh.
David Faithfull reúne agallas de numerosos lugares incorporándolos en sus obras. Concebidas para lugares específicos, éstas reflejan distintas características, historias y entornos, además de su vínculo con el árbol del Roble (Quercus Robar)- un pariente cercano del Alcornoque español (Quercus Suber).
A través de una serie de dibujos experimentales y procesos de impresión, se transforman las agallas trituradas y la tinta resultante en impresiones únicas y formas e instalaciones múltiples, utilizando serigrafía y prensas para grabados y litografías.
La presentación va a tratar de la historia de la Tinta de Agalla de Roble, sus usos y problemas de conservación, antes de ahondar en su histórica caída en desuso, la actual utilización que tanto él y otros artistas contemporáneos le dan, incluyendo las investigaciones realizadas por Cheryl Porter y sus estudios sobre el pigmento de los manuscritos medievales. Incluye también la obra de artistas como Jo Lathwood, Michel Garcia y Melanie King con fragmentos de meteoritos de hierro y tinta ferrogálica para “First Light” de 2016.

Oak Gall Ink:

From manuscript to contemporary print multiple.
Our creative and historic relationship with this ancient tincture.

High up on a twisting branch, amongst the dense canopy of oak, nestling under the rounded lobes of a leaf, sits a small brown wooden orb. On its smooth surface, a tiny hole appears and a small insect emerges.

This is the oak gall wasp, a curious benefactor of centuries of scribes, artists and scriveners. Harvested, crushed, and distilled through a complex alchemy, these oak gall granules are transformed into a silky-black ink.
Up until its demise in favour of industrial chemical inks last Century, Oak-gall or Iron-Gall Ink was the standard writing and drawing medium, the dark creative ichor of Leonardo, Bach and Van Gogh.
David Faithfull has gathered these galls from numerous sites and incorporated them into various bodies of work.

These have included site-specific locations, reflecting some of their distinct characteristics, histories and surroundings as well as their particular relationship with the Oak tree (Quercus Robur) – a close relation of the Spanish Cork Oak (Quercus Suber).
Through a series of experimental drawing and printmaking processes, he has transformed both the crushed galls and the resulting ink into various one-off and multiple forms and installations, utilizing screen-printing mediums, and etching and litho presses.
In this paper Faithfull will initially look at the history of Oak Gall Ink and some of its uses and the conservation issues regarding its longevity, before investigating its historic demise, his own incorporation of it into print and its current usage by contemporary artists, incorporating some of the research from Cheryl Porter and her Medieval Manuscript Pigment studies.

This will include artists Jo Lathwood, Michel Garcia and Melanie King’s work with iron Meteorite fragments and Iron Gall Ink for ‘First Light’ in 2016.

Biatlón-en-Grabado: una grabadora como atleta 

La propuesta cae bajo la rúbrica Diversidad sin fronteras: Expansión de la gráfica: Fotografia, Video, Performance y Acciones. El Biatlón-en-Grabado es un proyecto de performance que combina el esquí de fondo con el dibujo digital y grabado intaglio. Inaugurados en el centro de entrenamiento olímpico en Canadá en 2015, estas performances están inspiradas por el biatlón moderno, un deporte con raíces militares, donde el esquí de fondo se combina con el tiro. Parecido al deporte, pero, en vez de tirar, la artista esquía un esprint y se detiene para hacer un dibujo digital rápido en una tableta. Inmediatamente, los dibujos son colgados en Tumblr para que el público vote. Si la decisión es negativa, la artista debe realizar una ronda de penalización, como biatletas harían por cada disparo fallado. El paradigma de combinar un deporte de resistencia con la coordinación mano-ojo y las habilidades motores finos se aplica igualmente al Biatlón-en-Grabado y al deporte del que se deriva.
En verano, los biatletas entrenan y compiten en rollerski. En 2016, durante mi residencia artística en el Parque Nacional Joshua Tree, realicé Biatlón de Verano, esquiando sobre ruedas y parando para crear dibujos digitales y animaciones. Las imágenes representan los árboles Joshua muriendo, doblados al suelo, bajo el peso de las flores marchitas: su ciclo de vida socavado por el cambio climático. El proyecto resultó en estampas digitales sobre círculos de dibond, del tamaño de blancos por tirar de pie, en aguafuertes, tirado de matrices de cobre del tamaño de blancos tumbados, y un video que documenta la performance. Saliendo del taller de grabado a la arena de una competencia atlética, hago hincapié en la resistencia física, en la precisión y en el espectáculo que comparten las dos disciplinas.

Biathlon-in-Print: artist as athlete

The proposal falls under the conference rubric Diversity without borders: Expanding print: Photography, Video, Performance and Actions. Biathlon-in-Print is a visual and performance art project, combining cross-country skiing, digital drawing and intaglio printmaking. Launched at the Olympic training center in Canada, in 2015, the series of performances are inspired by modern biathlon, an Olympic sport with military roots, in which cross-country skiing is paired with marksmanship. Analogously to skiing sprints and stopping to shoot at a target, the artist intersperses skiing with stopping to make a quick digital drawing on a tablet. The drawings are posted on Tumblr for the audience to vote on their quality. In case of a negative decision, the artist must ski a penalty loop, as a biathlete would for missing a target. Absent the rifle, the paradigm of combining exercise kinetics of the endurance sport with hand-eye coordination andfine motor skills applies equally to the Biathlon-in-Print, and the sport from which it is derived.
In summer, biathletes train and race on rollerskis. In 2016, during my residency at the Joshua Tree National Park, I performed Summer Biathlon, interspersing sprints on roller skis with stops to create digital drawings and animations. The images depict dying Joshua trees, as they bow to the ground under the weight of spent blossoms—their lifecycle undermined by climate change. The project yielded digital prints on dibond circles, the size of biathlon standing targets, a series of intaglio prints, from matrices the size of prone targets, and a video documenting the performance. As I step out of a printmaking studio into the arena of a competitive athlete, I underscore the endurance, precision and spectacle that are common to both disciplines.

En los pasos de Ganda:

Notas sobre el grabado en la contemporaneidad

En 1515 Durero grabó en madera una representación de un rinoceronte, conocido como Ganda, aportado en Lisboa en ese mismo año. Desde entonces eternizada, la imagen se volvió emblemática en la historia de la cultura y de la reproducibilidad. Dos proyectos recientes buscaron celebrar sus 500 años y pensar el grabado en la contemporaneidad. Rhinos are Coming, una iniciativa de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa, en Portugal, reunió artistas vinculados a FBAUL, al Instituto de Artes de la Universidad Federal de Rio Grande do Sul, Brasil, a la Akademia Sztuk Pieknych en Lodz, Polonia, y a la Michaelis School of Fine Art de la Universidad de Ciudad del Cabo, en Sudáfrica. Profesores y estudiantes de las instituciones crearon obras libremente inspiradas en el Rinoceronte de Durero. Al fin de 2014 se realizaron exposiciones de los conjuntos de obras en las ciudades de cada institución además de seminarios en Lisboa y Porto Alegre. Participaron treinta y nueve artistas, cada uno con su visión particular, con técnicas y formas distintas. Las obras abarcan gran diversidad: objetos, instalaciones, impresiones tradicionales, impresiones digitales, cortes con láser, doblados de papel. Se generó un catálogo bilingüe, disponible en

<https://docs.google.com/file/d/0B7cSz9PPzh2YeDJqeENwQjdPaTA/edit>.

 En el año siguiente el proyecto Rhinoceros 2015, iniciativa de IA/UFRGS en asociación con Goethe-Institut Porto Alegre, en un modelo distinto, reunió un colectivo y dieciocho artistas de Brasil, Alemania, Argentina, España y Estados Unidos, los cuales trajeron diferentes visiones y prácticas, usando los más variados recursos, materiales y procedimientos – del sello al video. 
En Porto Alegre, la exposición fue precedida por un seminario y posteriormente recorrió ciudades como Campinas, Bagé y Belo Horizonte, en Brasil, Buenos Aires, en Argentina, y Asunción, en Paraguay, en estas ciudades se realizaron charlas y talleres. Resultó en el libro bilingüe Rhinocerus.

Following in Ganda’s steps:

Notes on engraving in contemporaneity.

In 1515 Dürer made an engraving in wood representing Ganda, the rhinoceros that had arrived in Lisbon that same year. Eternalized since then, the image became a symbol in the history of culture and reproducibility. Two recent projects have celebrated its 500 years and thought about engraving in contemporaneity. Rhinos are Coming, a project by the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon (FBAUL), Portugal, gathered artists linked to the FBAUL, the Institute of Arts of the Federal University of Rio Grande do Sul (IA/UFRGS) in Porto Alegre, Brazil, the Akademia Sztuk Pieknych in Lodz, Poland, and the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, South Africa. Professors and students were called to create works freely inspired by Ganda. At the end of 2014, exhibitions happened in the cities where the institutions are located, and seminars were held in Lisbon and Porto Alegre. Thirty-nine artists participated, each bringing their view, with different techniques and forms. The works are very diverse, encompassing objects, installations, traditional prints, digital prints, laser cutouts and foldings. A bilingual catalog can be seen at

https://docs.google.com/file/d/0B7cSz9PPzh2YeDJqeENwQjdPaTA/edit.
In the following year, Rhinoceros 2015, a project by the IA/UFRGS together with the Goethe-Institut of Porto Alegre, with a different model, brought together eighteen artists from Brazil, Germany, Argentina, Spain and the United States, who presented different views and practices, using varied resources, materials and procedures, from stamp to video.
In Porto Alegre, the exhibition was preceded by a seminar and, subsequently, it traveled through Campinas, Bagé and Belo Horizonte in Brazil, and in Buenos Aires and Asuncion, in Argentina and Paraguay – in these cities there were lectures and workshops. The result is presented in a bilingual book, KANAAN (org.). Rhinocerus - Gravura, Palavra, Imaginário /Rhinocerus – Druckgra. Porto Alegre: Libretos, 2016.

El Grabado como una forma de Arte Contemporáneo en el Mundo del Arte en Turquía

El encuentro de los espectadores de arte en Turquía con el grabado se ha realizado a través de concursos o exposiciones colectivas celebradas por galerías de arte, ferias de arte, instituciones públicas y privadas. Recientemente, las ferias de arte contemporáneo y las galerías de arte que promueven el arte contemporáneo han incluido cada vez más grabados. Sin embargo, deben tenerse en cuenta no solo en términos de las instituciones del mercado del arte, como galerías, subastas, ferias de arte, sino también otras figuras del mundo del arte, incluidos coleccionistas, museos, patrocinadores financieros que apoyan el arte.
El origen de las técnicas de grabado se remonta a la antigüedad. A pesar de que fueron utilizados para muchos propósitos diferentes en ese entonces, comenzaron a ser adoptados como una forma de arte junto con xilografías japonesas, y el grabado ha hecho su propia historia independiente de la pintura. El objetivo de este estudio es conocer las circunstancias y los criterios para la evolución del grabado, como una forma de arte continuamente renovada, diversificada y transformada junto con nuevas técnicas, en una forma de arte contemporáneo en el mundo artístico de Turquía. El estudio examinará cómo el grabado se percibe como una forma de arte contemporáneo en términos de muchos componentes diferentes del mundo del arte como espectadores de arte, coleccionistas, curadores, críticos de arte, consultores de arte, galerías, museos, subastas y ferias de arte, y cuestiona criterios que afecta su aceptación como una forma de arte contemporáneo. Se realizarán entrevistas con galerías de arte que se llevaron a cabo exhibiciones relacionadas con el grabado en Turquía durante los últimos dos años, particularmente la Feria de Arte Contemporáneo de Estambul, así como coleccionistas, críticos de arte, consultores de arte y artistas. Se analizarán los sitios web y las redes sociales de galerías, museos y casas de subastas seguidos por observadores de arte, coleccionistas y artistas. Se examinarán las perspectivas de estos individuos, instituciones u organizaciones elegidas para el grabado.

Printmaking As A Contemporary Art Form In The Art World In Turkey

Meeting of art viewers in Turkey with fine prints has been made by means of competitions or group exhibitions held by art galleries, art fairs, public and private institiutions. Recently contemporary art fairs, and art galleries that promote contemporary art have been increasingly including fine prints. They, however, need to be taken into consideration not only in terms of the institutions of art market such as galleries, auctions, art fairs but also other figures of art world including collectors, museums, financial backers supporting art.
Origin of printmaking techniques dates back to ancient times.

Although they were used for many different purposes back then, they began to be embraced as an art form along with Japanese woodcuts, and printmaking has made its own history independent of painting. This study aims to find out circumstances and criteria for the evolution of printmaking, as an art form continually renewing, diversifying and transforming itself along with new techniques, into a contemporary art form in Turkey’s art world.
The study will examine how printmaking is perceived as a contemporary art form in terms of many different components of art world such as art viewers, collectors, curators, art critics, art consultants, galleries, museums, auctions and art fairs, and question criteria that affect its acceptance as a contemporary art form.

It will be made interviews with art galleries which were held printmaking-related exhibitions in Turkey during last two years, particularly İstanbul Comtemporary Art Fair, as well as collectors, art critics, art consultants and artists.

Websites and social networks of galleries, museums and auction houses followed by art viewers, collectors and artists will be analysed. It will be examined perspectives of these chosen individuals, institutions or organizations toward printmaking.

¿Qué percibe el personal técnico como el propósito de los talleres de Impresión y Diseño en el London College of Communication?

En el año 1962, el colegio de impresión en Londres fue establecido en Elephant and Castle, Londres. Con una historia desde 1894, el colegio estaba en la frontera de la distribución de enseñanza y educación en impresión, uniendo técnicas practicas con el aparato con la pedagogía del diseño. Cuando nuevas tecnologías de impresión fueron desarrolladas, también desarrolló el colegio.
En el año 2004 el colegio se renombro el colegio de comunicación de Londres (London College of Communication), y formo parte de la universidad de artes de Londres (University of Arts London). El cambio será más que un nombre.
Hoy, el colegio y la universidad están concentrados en desarrollar lo que ofrecen en cuanto a la media digital que es representativo e interactivo. ¿Y cuál es la función de los talleres del grabado en esta nueva época?
La investigación que propongo presentar será centrada en que, como personal técnico trabajando en esta esfera, percibimos que es nuestra función. Como Printmaking Technical Coordinator, administro los recursos más extensivos de impresión de pantalla, relieve, entalla y litográfico en el reino unido. Durante esta investigación este hablare con miembros del equipo técnico presentes y pasados y tratar de demonstrar sus visiones para los talleres de grabado en LLC, y como los recursos complementan la estrategia de la universidad y el colegio. Este ejercicio servirá como una base para una amplia investigación con la cuestión de entender en el papel y la función de recursos parecidos de grabado en la educación secundaria y enseñanza superior en el Reino Unido.

What do technical staff perceive to be the purpose of the Print & Design workshops at London College of Communication?

In 1962, London College of Printing (LCP) was established at Elephant and Castle, London.

With a history dating back to 1894, it sat at the forefront of distributive print training and education, combining practical machining skills with design pedagogies. As new print and printmaking technologies developed, so did the college.
In 2004, the college was renamed London College of Communication (LCC), part of the University of the Arts London (UAL). The change would be more than in just name.
Today, the college and university is focused on developing its digital media, performative and interactive offer.

So what is role of the printmaking workshops now?
The research I propose to present focuses on what the current technical staff perceive as our purpose. As the Printmaking Technical Coordinator, I manage some of the most extensive screenprinting, relief, intaglio and lithographic resources in the UK. In this enquiry, I will speak with current permanent and temporary technical staff to map out their vision of the printmaking workshops at LCC, and how the resources fit within the college’s and university’s wider strategy.

This reflective exercise will serve as a launch point for a larger, outward facing enquiry into the purpose and role of similar printmaking resources in British Higher Education.