Panel 22

UNICAN - Sala 1

Septiembre 8

11:45 am - 1:30 pm

Las cosas infinitamente pequeñas son tan grandes como las cosas grandes pueden ser ...

En esta presentación, se examinan dos de mis proyectos en arte/ciencia. En la Zona Fòtica donde, incluyo imágenes originales de mi Doctorado. Y mi proyecto actual: Más profundo, Oscuro y Luminoso. Ambos proyectos son sobre acciones causadas por la luz PERO en escalas muy diferentes.
Mis impresiones se alimenta directamente por el sol -los efectos de la luz solar y sombras impregnan los diferentes materiales a través de procesos fotográficos alternativos. Esto se consigue asociando el fotograma de cianotipo un proceso sin cámara que se "dibuja" con luz y la fotosíntesis, que es un proceso de mejora de la vida.
En la Zona Fòtica presenta poéticamente hechos científicos e historias sobre el cambio climático. La fotosíntesis es la principal influencia en la danza de la vida en la zona fótica del océano y, paralelamente, al proceso del fotograma cianotípico.
El trabajo explora las propiedades globales de la luz, sus metáforas y misterios, para señalar los cambios que amenazan la vida en el océano.
Ambos proyectos conectan luz -el ambiente marino de la fotosíntesis y las actuaciones de luz en el espacio profundo- con el uso de mi luz.
Más profundo, oscuro y luminoso será la culminación de mi "Residencia como Artista/Becada en el Centro de of Astrofísica y Supercomputadoras de la Universidad de Swinburne, Melbourne”. Esta colaboración arte/ciencia junto a proyectos de astrofísica busca en el universo acciones de luz en el espacio profundo (con la esperanza) de descubrir fenómenos basados en la luz, como explosiones rápidas de luz y de supernovas.
Por último, ambos proyectos están instruidos por un juego creativo con sensibilidad a la luz y el desafío de representarlos a escala. Este trabajo explora lo infinitamente pequeño en los amplios efectos de la luz en el universo y sugiere la interconexión entre todas las cosas.

Infinitely small things are as large as large things can be…

In this paper I examine two of my art/science projects where I adapt images originally made for my PhD project, In the Photic Zone to a current project, Deeper, Darker, Brighter. Both projects are about actions of light BUT on vastly different scales. My printmaking is powered directly by the sun––effects of sunlight and shadows permeate the materiality of my practice through alternative photographic processes.

Associating the cyanotype photogram, a cameraless process that ‘draws’ with light, with the life-enhancing process of photosynthesis references the role of microscopic sea creatures such as phytoplankton and cyanobacteria to the health of the planet.
In the Photic Zone poetically presents scientific facts and stories of climate change. Photosynthesis is the major influence on the dance of life in the photic zone of the ocean, and, parallels the cyanotype photogram process. The work explores global properties of light, its metaphors and mysteries, in order to signal life threatening changes to life in the ocean.
Both projects connect light––the marine environment of photosynthesis and acts of light in deep space––with my use of light.
The Deeper, Darker, Brighter exhibition will be the culmination of my ‘In-House Artist/Visiting Fellowship’ with the Centre of Astrophysics and Supercomputing at Swinburne University, Melbourne. This art/science collaboration with an astrophysics project searches the universe for actions of light in deep space (hoping) to discover light-based phenomena such as Fast Bursts of Light and Supernovae explosions.
Ultimately both projects are informed by a creative play with light-sensitivity and the challenge of depicting scale. This paper explores the infinitely small within the vast effects of light in the universe and suggests inter-connection between all things.

Redefiniendo los márgenes de printmedia en el Imperio JPEG

En este trabajo se considerará cómo se puede utilizar el término "cultura reprografía" para ampliar los diálogos en torno a las prácticas de grabado y artes contemporáneas que utilizan el terreno conceptual de la copia. El término se discute como manera de sobreceder los regímenes que definen de las tecnologías tradicionales del lugar de la aguafuerte, de la relevación, de la serigrafía y de la impresión "digital" y permiten una discusión más amplia del potencial de las tecnologías de la impresión y de la copia dentro de arte actual y de educativo teoremas, especialmente los que abordan la naturaleza reprografía del Imperio JPEG que ahora habitamos.
Reprografía (o Copy) la cultura como término define el potencial conceptual de cualquier proceso para producir una copia de una cosa o idea.

La apropiación de este término significa la necesidad de reevaluar los parámetros disciplinarios del pensamiento tradicional del estudio que confinen las aplicaciones materiales y conceptuales dentro de un estatus secundario percibido tanto en el mercado como en el marco educativo. Estas ideas se discuten a través de un examen de los artistas Australianos Brooke Andrew, Elvis Richardson y Carolyn Craig, cada uno de los cuales apropia la idea de la copia y la impresión como una empresa para subvertir las estructuras de archivo existentes de poder.
Dentro de esta discusión, la expansión de la arena digital será considerada como una expansión conceptualde la cultura Copy. La relación actual de este crecimiento exponencial del Imperio JPEG se considera en relación con las prácticas del artista y el legado de las primeras formas de grabado.

Redefining the margins of Printmedia in the JPEG Empire.

This paper will consider how the term ‘reprographic culture’ can be used to expand dialogues around printmaking and contemporary arts practices that utilise the conceptual terrain of the copy. The term is discussed as way to supercede the defining regimes of traditional niche technologies of etching, relief, serigraphy and the ‘digital’ print and allow a broader discussion of the potential of print and copy technologies within current art and educational theorems, especially ones that address the reprographic nature of the JPEG empire we now inhabit.
Reprographic (or copy) Culture as a term defines the conceptual potential of any process to produce a copy of a thing or idea.

The appropriation of this term signifies a need to re-evaluate the disciplinary parameters of traditional studio thinking that confine material and conceptual applications within a perceived secondary status in both the market and educational frameworks.

These ideas are discussed through an examination of Australian artists Brooke Andrew, Elvis Richardson and Carolyn Craig, each of whom appropriate the idea of the copy and the print as an enterprise to subvert existing archival structures of power.
Within this discussion, the expanding digital arena will be considered as a conceptual expansion of copy culture. The ongoing relation of this exponential growth of the Jpeg Empire is considered in relation to the artist’s practices and the legacy of early forms of printmaking

Una cartografía de los procesos fotomecánicos en el contexto portugués

En 1880-1970 las técnicas fotomecánicas desempeñan un papel fundamental en la reproducción de la imagen impresa. José Júlio Rodrigues demostró ser un pionero en la aplicación de procesos fotomecánicos, habiendo desarrollado algunos de los procesos fotomecánicos.

El carácter innovador en el estudio de los procesos químicos y su aplicabilidad al contexto artístico aún no se ha estudiado. Como lo ejemplo más destacados en el territorio nacional, perseguido por Marques Abreu, tales casos de estudio en un período de la historia de la imagen impresa están llenos de variantes y procesos oscuros, ambos tienen un lugar distinguido en el historial de impresión, que aún no se ha estudiado. Para revisar el uso de materiales y expandir opciones disponibles provistas por compañías cuyos productos están formulados para las artes gráficas y en riesgo de discontinuidad comercial. Considere los cambios introducidos por el uso de las tecnologías digitales y su potencial para la reconstrucción de un amplio espectro de técnicas reproductivas utilizadas en Portugal en el contexto semi industrial. Adaptar dichos métodos o simplemente considerar los componentes materiales y las soluciones que demuestran posibilidades más amplias de sostenibilidad en una práctica de la gráfica. La práctica artística se basa en prácticas de traducción transmedial y la extensión del trabajo basado en el rescate de las tecnologías reproductivas en sus premisas de creación y respeto por los nuevos requisitos de seguridad se convierten en un principio de investigación. La revisión adaptada al contexto artístico se propone como una herramienta en la recreación y el desarrollo de modos de creación de imágenes permeables a la complejidad histórica a la materialidad y la expansión implícita de la acción en el grabado.

Nuestra investigación propone cómo la impresión de bellas artes puede permitirnos explorar colecciones y posibilidades creativas de fusionar un pasado rico con la flexibilidad creativa más necesaria en una imagen procesada contemporánea.

A Cartography of the photomechanical processes in Portuguese context

Since 1880 to 1970 photomechanical techniques play a fundamental role in the reproduction of the printed image. José Júlio Rodrigues proved to be a pioneer in the application of photomechanical processes having developed and refined some of photomechanical processes – photozincography and photolithography.

The innovative and progressive character in the detailed study of the chemical processes and its applicability to the artistic context has not been studied yet. As one of the most outstanding examples in the national territory pursued by Marques, such cases of study in a period of the history of the printed image is filled with variants and obscure processes, both have a distinguished place in the print history that has not been studied yet. To review the use of materials and expand the available options provided by companies whose products are formulated for the graphic arts and at risk of commercial discontinuity. 

Consider changes introduced by the use of digital technologies and its potential for reconstructing a broad spectrum of reproductive techniques used in Portugual in semi industrial context. Adapting such methods or simply consider material components and solutions demonstrating wider possibilities of sustainability in a fine art studio practice.

The artistic practice is based on transmedial translation practices and the extension of the work based on the rescue of revised reproductive technologies in their premises of originality, production, creation and respect for new security requirements becomes a research principle.

The official review adapted to the artistic context is proposed as an essential tool in the re-creation and development of image-making modes permeable to historical complexity, to the materiality and implicit expansion of the action in the printmaking.

Our research, propose how fine art printing can enable us to explore collections and new creative possibilities of fusing a rich past with the creative flexibility most needed in processed image.

La apariencia en el campo fotográfico 

Esta ponencia considera cómo lugares físicamente inaccesibles pueden sentirse a través de la memoria y la practica creativa. Si el lugar reafirma la experiencia, según dice Jeff Malpas, entonces, ¿qué es lo que ocurre cuando no podemos volver atrás o cuando no encontramos allí lo que estábamos esperando?. Cuando el “campo de experiencia” no es accesible ya, ¿qué impacto tiene en la práctica artística?. Para profundizar en estas cuestiones, discutiré la trascendencia de las fotografías como evidencias del lugar, del tiempo y como mediadores visuales de la distancia. Las fotografías nos permiten una conexión momentánea con el tiempo y el lugar pero están limitadas inherentemente por lo que representan visualmente. Sin embargo, quizás a través de actos creativos dentro de una práctica artística contemporánea pueden expandir en su papel de “seudo-presencia y signo de ausencia” (Sontag 1977, 16).
En mi trabajo reflexiono sobre cómo la superficie de una fotografía digital puede funcionar para re-presenciar el lugar en otra parte. Mis obras exploran el movimiento de las imágenes en el espacio y el tiempo en la experiencia de emigración y a través del trabajo creativo de las acciones de imprimir, escanear, proyectar, y re-fotografiar que culminan en una representación final impresa digitalmente.
Por medio de la investigación de la impresión digital como lugar de reconciliación con las narrativas personales entre lugares dislocados, considero cómo las memorias de una experiencia de lugar pasado pueden impregnarse de la propia superficie impresa a través de una fusión de grabado y tecnología digital.
Defiendo que estas fotografías integradas en la superficie impresa pueden evocar un sentimiento de “estar en el lugar” y quizás actuar como forma de establecer una apariencia de la “reafirmación de la experiencia” en nuevos contextos, formando un elemento de reinvención creativa multivalente.

Semblance in the photographic ground

This paper considers how physically inaccessible places may be experienced through memory and creative practice. If, according to Jeff Malpas, place grounds experience, then what happens when we cannot go back, or if we do not find there what we were expecting? When the ‘ground of experience’ is no longer accessible, how does this impact on art practice?

In order to elaborate on these questions, I will discuss the significance of photographs as signifiers of place, time and visual mediators of distance. Photographs enable a momentary connection to time and place, but are inherently limited in what they visually convey.
However, perhaps through the creative acts within a contemporary art practice, they can be expanded in their role as a "pseudo-presence and a token of absence" (Sontag 1977, 16).
In my practice I reflect on how the surface of a digitally printed photograph may act to re-presence place elsewhere.

My artworks explore the movement of images across space and time in the experience of migration, and through creative practice in actions of printing, scanning, projecting, and re-photographing; processes that culminate in a final, digitally printed rendering.
By investigating the surface of the digital print as a site for reconciling personal narratives between dislocated places, I consider how memories of a past experience of place can be imbued within the printed surface itself, through a fusion of printmaking and digital technologies. I contend that these photographs embedded within the printed surface can evoke a sense of being-in-place, and perhaps act to establish a semblance of the ‘ground of experience’ in new contexts; forming one element of a multivalent creative reimagining.

La creación gráfica capa a capa 

La creación plástica mediante las técnicas gráficas presupone la obra múltiple y por lo tanto la repetición. Generar matrices susceptibles de ser reproducidas un gran número de veces sobre un soporte como el papel, posibilita el producir obra a un bajo coste y abarcar más mercado. Sin embargo, frente a la cantidad, reproducir y repetir mediante matrices ofrece al artista otras opciones creativas.
Todo artista tiene un archivo de imágenes personal, motivos que de una u otra manera reaparecen y forman parte de su repertorio visual. Técnicas como la serigrafía favorecen el análisis y la experimentación con las posibilidades compositivas que tienen esos motivos, a modo de fragmentos que se van uniendo y conjugando como letras o palabras que según su ubicación generan frases con uno u otro sentido. Frente al virtuosismo técnico el proceso resulta más enriquecedor para el artista, supone ahondar e investigar en él, anteponiendo la obra única y la seriación a la edición.
A este respecto la serigrafía no solo nos permite reproducir motivos de cualquier origen, sino que también imprimir con diferentes sustancias sobre soportes muy diversos. Su versatilidad la convierten en una técnica idónea para investigar en la evolución y construcción de la imagen, así como en interacción entre los elementos que la componen.
Capa a capa, los motivos se superponen, yuxtaponen, rotan, se fragmentan, cambian de color... dando como resultado estampas únicas y en ocasiones series. No es un proceso totalmente azaroso, ya que la propia experiencia nos guía, pero siempre se dan momentos de descubrimiento.
Pero no siempre toda composición funciona. Los resultados se cuestionan una y otra vez. Se crea por adición y sustracción, retomando y recubriendo aquello que no funciona o desechándolo por completo. Composiciones que partían con denominadores comunes se van distanciando, cada resultado debe ser analizado y replanteado.

The graphic creation layer by layer

The plastic creation through the graphic techniques presupposes the multiple work and therefore the repetition. Generating matrices that can be reproduced a large number of times on a medium such as paper, makes it possible to produce work at a low cost and cover more market. However, in the face of quantity, reproducing and repeating through matrices offers the artist other creative options.
Every artist has a personal image file, reasons that in one way or another reappear and are part of their visual repertoire. Techniques such as screen printing favor analysis and experimentation with the compositional possibilities that these motifs have, in the form of fragments that are joined and conjugated as letters or words that according to their location generate phrases with one or the other sense. In the face of technical virtuosity, the process is more enriching for the artist, it involves deepening and researching in it, putting the unique work and seriation before the edition first.
In this respect, screen printing not only allows us to reproduce motifs of any origin, but also to print with different substances on very different supports. Its versatility make it an ideal technique to investigate in the evolution and construction of the image, as well as in interaction between the elements that compose it.
Layer by layer, the patterns overlap, juxtapose, rotate, fragment, change color ... resulting in unique prints and sometimes series. It is not a totally random process, since one's experience guides us, but there are always moments of discovery.
But not always all composition works. The results are questioned again and again. It is created by addition and subtraction, retaking and covering what does not work or discarding it completely. Compositions that started with common denominators are distancing themselves, each result must be analyzed and restated.