Panel 21

CASYC - Sala 3

Septiembre 8

11:45 am - 1:30 pm

Percepciones Medidas: Una búsqueda de compresión 

Una llamada telefónica nos dice que nuestro padre está muriendo. O quizás es la mañana temprana y estamos desayunando. El noticiero reporta el asesinato de un joven afroamericano desarmado a manos de la policía. O nos alertan sobre diez inmigrantes ilegales que murieron asfixiados en la cajuela de un camión.
Experimentamos tremendo dolor por todas estas pérdidas. Los encuentros cercanos con la muerte y las injusticias nos conmueven y nos hacen reflexionar acerca de preguntas fundamentales sobre la existencia humana y su rol en este mundo. Lo personal es universal. Lo personal es además político.
Este estudio examina la búsqueda del balance entre el respeto y la celebración de la diversidad humana en medio de la búsqueda de elementos en común. Durante su viaje a España en 2015, Katz encontró evidencia de la Convivencia (la coexistencia de las comunidades musulmana, judía y cristiana) en la España medieval que le aportó esperanza en medio de tiempos virulentos. Durante ese periodo de tolerancia religiosa, estos grupos de variadas creencias trabajaron juntos para avanzar las artes, la ciencia, y la tecnología.
Percepciones Medidas adopta las similitudes y las contribuciones culturales únicas que hacen dichas religiones y las combina con el lenguaje humano de la aritmética y la geometría para servir de metáfora a la búsqueda universal de orden y entendimiento. La serie progresa desde el uno (un punto) hasta el diez (decágono) para demostrar el creciente y complejo enlace cognitivo con el medio. Mediante las técnicas del grabado laser y manual, aguafuerte, y placas colografiadas impresas sobre imágenes digitales cobran vida las formas naturales, arquitectónicas, geométricas y escritas. Estos grabados superpuestos con sus inesperadas yuxtaposiciones reflejan el encuentro de historias culturales presentes en edificios como la mezquita catedral de Córdoba o la sinagoga en Toledo e invita reflexionar sobre una futura coexistencia exitosa.

Measured Perceptions: A Search for Understanding

At work an unexpected phone call tells us our father has been hospitalized and is dying. Or perhaps it’s early morning and we’re eating breakfast. A television news report shows police shooting an unarmed young black man or we learn ten immigrants smuggled in the back of a tractor-trailer died in sweltering heat.

We experience overwhelming pain for all these losses. Encounters with death and injustice shake us to the core and lead us to ask fundamental human questions regarding life and our role in this world. The personal is universal; we empathize with the Other.
The personal is also political.

This paper examines the search for balance between respect and celebration of diverse people while seeking commonalities. During a 2015 trip to Spain, Katz encountered evidence of La Convivencia (the coexistence of Muslim, Jewish and Christian populations) in Medieval Spain that provided hope for our time of vitriolic discourse. During that period of relative religious tolerance these three varied populations worked together to advance the arts, science and technology.
Measured Perceptions embraces the similarities and unique contributions of cultures that follow the three Abrahamic religions and combines them with the human languages of arithmetic and geometry to serve as a metaphor for the universal search for order and understanding.

The series progresses from one (a point) through ten (a decagon) to convey increasingly complex cognitive engagement with the environment.
Laser and hand-engraved, etched and collagraph plates printed over digital prints include architectural, natural, geometric and written forms.

These layered prints with their unexpected juxtapositions parallel the overlay of cultural histories in buildings like the mosque-cathedral of Córdoba or the synagogue in Toledo and invite meditative examination that provides patterns of hope for a future of coexistence.

La evolución y la influencia de los programas de formación independiente del mokuhanga japonés de Keiko Kadota 

En las últimas dos décadas ha habido un incremento de interés en la estampa japonesa mokuhanga, porque es a base de agua y no requiere el uso de una prensa. Los programas de residencia artística de Keiko Kadota han sido un elemento importante en el renovado interés de esta técnica para artistas creativos. Ella falleció en Enero del 2017, pero sus programas continúan en el Japón, y los artistas que enseñó continúan promoviendo sus ideas.
En al año 2004 Keiko Kadota me invitó a participar en su residencia innovadora de capacitación en mokuhanga Nagasawa Art Park. Dicho programa y su sucesor el Mokuhanga Innovation Laboratory (Laboratorio innovador de mokuhanga) han sido de importancia especial en promover una comprensión del mokuhanga fuera del Japón. A partir de 1997, se enfocó en residencias de un mes de duración para artistas en plena trayectoria profesional quienes podrían promover la técnica en sus países de origen.
Además de las dos residencias, Kadota inició la International Mokuhanga Conference (Conferencia Internacional de Mokuhanga) el cual se lleva a cabo cada tres años. Dicha conferencia ha proveído un espacio significante de encuentro para los egresados de los programas de residencias, tanto como a educadores, grabadores, y demás interesados en los materiales, historia y técnica de mokuhanga y demás técnicas artesanales relacionadas.
La sincronización de los programas japoneses coincidieron con una nueva apreciación para esta técnica del siglo diecinueve. Dicha sincronización refleja una transformación en la manera en que se practica la estampa el día de hoy. Una nueva conciencia hacia el medio ambiente, preocupación por la seguridad, un énfasis sobre flexibilidad y mezcla de materiales, ademas de una vision amplia cultural, son elementos que hacen el grabado japonés especialmente relevante en los talleres de estampa contemporánea el día de hoy.

The Evolution and Influence of Keiko Kadota’s Independent Japanese Mokuhanga Training Programs

In the last two decades there has been a growing interest in Japanese woodblock, mokuhanga, because it is water-based and does not require the use of a press.

The residency programs of Keiko Kadota have been an important element in the revival of interest in this technique for creative artists. She died in January, 2017, but her programs continue in Japan, and the artists she taught continue to promote her ideas.
I first met Keiko Kadota in 2003 when she visited New York for the mokuhanga exhibition Out of Nagasawa at 55 Mercer Street Gallery. The following year she invited me to participate in her innovative Nagasawa Art Park mokuhanga training residency on Awaji Island. This program and its successor the Mokuhanga Innovation Laboratory have been of special importance in promoting an understanding of mokuhanga outside Japan. Begun in 1997, they focused on month-long residencies for mid-career artists who could promote the technique in their home countries. The influence of the program has been greatly magnified over time by the teaching of artist-educators she trained.
In addition to the two residencies, Kadota initiated the International Mokuhanga Conference, held every three years. This conference has provided a significant meeting place for alumni of the residency programs, as well as educators, printmakers and others interested in the materials, history and technique of mokuhanga and related craft techniques.
The timing of Keiko Kadota’s Japanese programs coincided with a new appreciation for this nineteenth century technique reflecting a transformation in the way printmaking is done today.

A new environmental awareness, increased concerns about safety, and an emphasis on flexibility and mixing media, along with a broader cultural overview, are elements that make Japanese woodblock especially relevant in contemporary printmaking studios today.

desPOSESIÓN  

Un encuentro con la desigualdad expresado por la estampa

desPOSESIÓN es una presentación de powerpoint sobre mis investigaciones y grabados que exploran el encuentro entre la agricultura industrializada con la naturaleza y los cultivos campesinos en América del Sur. Mis obras representan la acumulación de riquezas de algunos y el desplazamiento de muchos con un énfasis en la expansión de la producción sojera y ganadera, las consiguientes consecuencias ambientales, sociales y económicas, tanto como cuestiones conectadas a los derechos de tierras indígenas y la soberanía alimenticia de campesinos. Es un encuentro entre gentes, industrias, intereses, y modos de vida.
Aprovecho la reproducibilidad del grabado para crear imágenes en capas múltiples explorando estas narrativas complejas.
Mis obras están basadas en la tradición de estampa como herramienta política. Con grabados construyo una narrativa visual que no solamente analiza sino también incorpora las cuestiones a que se dirige. En algunos de mis grabados pongo capa sobre capa para crear imágenes de gran escala que empequeñecen una imagen homóloga. En otros instancias saco impresiones en ambos lados de un papel asiático translucido, donde el papel incorpora una barrera física entre el pasado y el presente. Demarcaciones sutiles de planchas refieren a cercados o el cuadriculado del paisaje de campos. Exploro la representación de figuras de hombres, mujeres y niños, grabados al agua fuerte ligeramente, cercas cruzando la imagen de lado a lado, un bosque dibujado con gran detalle posicionado al revés y desapareciendo fuera del borde del papel. La translucidez de las figuras sugiere una presencia tentativa como un pasado distante o un futuro desapareciendo, mientras los otros componentes de las imágenes sugieren una separación o cercados y la desaparición de los bosques secos del Chaco - una inversión del orden natural. Aunque mi investigación y mis imágenes pertenecen a una región específica de América del Sur, también se dirigen a cuestiones globales.

disPOSSESSION 

An encounter with inequality expressed through print

disPOSSESSION is a powerpoint-lecture about my research and my prints that explore the encounter and clash of industrialized agriculture in South America with nature and family farming. My work is about the accumulation of wealth of few and the displacement of many with a focus on the expansion of soy and beef production, ensuing environmental, social, and economic consequences, as well as connected indigenous land rights and peasant food sovereignty issues - an encounter between peoples, industries, interests, and ways of living.

I take advantage of the reproducibility of printing plates to build up multi-layered images of this complex narrative.
I lean loosely on the tradition of printmaking as being a political tool. Through printmaking, I am building a visual narrative that not only analyzes but also embodies the issues I am addressing. In some of my prints, for example, I layer printed images over and over again to build up large-scale imagery that dwarfs smaller counterparts.

In other instances, I print on both sides of a translucent Asian paper, allowing the paper to embody a physical barrier between the past and the present.

Demarcations of plate marks subtly reference enclosure or the gridding of land surveying.

In another series, I explore the imagery of lightly etched figures of men, women and children, fences crossing the entire image, and detailed drawn sections of dense forest printed upside-down and disappearing off the edge of the paper. The translucency of the figures suggests a lack of presence, either a distant past or a disappearing future, while the other components of the image suggest separation or enclosure and the disappearance of the dry forests, an inversion of the natural order.
While my research and imagery pertain to a specific region in South America, the issues I address are global issues.

Fusión de idiomas: ilustración en basic-printmaking y kamishibai

¿Qué pasa cuando el lenguaje del grabado coincide con el alma espectacular de kamishibai (teatro portátil japones para cuentacuentos)?
Umberto Giovannini ha investigado la amplia gama de posibilidades a través de proyectos experimentales para grupos de artistas y estudiantes en residencia artística en el Centro Internacional de Gráficos Opificio della Rosa en Italia en colaboración con las universidades de(University of the Arts London) y RUFA (Rome University of Fine Arts)
En esta charla, hablaremos de dos experiencias clave. La primera es quince días de trabajo con diez estudiantes de Central Saint Martins y la Rome University of Fine Arts en colaboración con la tutora y grabadora Maria Pina Bentivenga de RUFA.
La segunda experiencia es un proyecto concebido en colaboración con la tutora e ilustradora Ignacia Ruiz para el curso de Grabado e Ilustración del Curso de Central Saint Martins’ Foundation Course in Graphic Communication Design. El proyecto se implementará en enero y febrero de 2018.
Treinta estudiantes internacionales trabajarán en historias populares recopiladas de las tradiciones de sus países de origen. Estos se traducirán en ilustraciones a través de técnicas básicas de grabado. El producto final de cada uno será la secuencia de impresión para kamishibai y un pequeño video.
Esta charla mostrará los enfoques que los grupos han encontrado y cómo la riqueza del lenguaje del grabado se puede utilizar para crear nuevas posibilidades.

Merging languages: basic-printmaking illustration and kamishibai.

What happens when the language of printmaking meets the performing soul of kamishibai (Japanese portable theatre for storytelling)?
Umberto Giovannini has investigated a wide range of possibilities through experimental projects designed for groups of artists and students in residency at the International Printmaking Centre Opificio della Rosa in Italy in collaboration with universities Central Saint Martins (University of the Arts London) and RUFA (Rome University of Fine Arts).
On this talk, he will focus on two key experiences. The first one is a five-ten days of work with ten students of printmaking and graphic design from Central Saint Martins and Rome University of Fine Arts in collaboration with tutor and printmaker Maria Pina Bentivenga of RUFA.
The second experience is a project designed in collaboration with tutor and illustrator Ignacia Ruiz, for the Printmaking and Illustration pathway of Central Saint Martins’ Foundation Course in Graphic Communication Design. The project will be realized in January and February 2018.

Thirty international students will work on folk stories collected from the tradition of their countries of origin. Those stories will be translated in illustrations through the techniques of basic-printmaking. The final outcome will be both sequences of illustrations for kamishibais and a series of short videos.
In this talk will be displayed the approaches that the groups have found and in which way the richness of printmaking language could be used to create new possibilities.

Colaborativo wood+paper+box 

La colaboración de wood+paper+box consiste en Katie Baldwin, Mariko Jesse y Yoonmi Nam. Nos conocimos en Nagasawa Art Park Artist Residency en Awaji Island, Japón en 2004. Desde entonces, nos hemos mantenido en contacto, manteniendo la conexión a través de nuestro trabajo en mokuhanga. En 2013, comenzamos un proyecto de colaboración llamado wood+paper+box. Este proyecto surgió de nuestro deseo de continuar el diálogo creativo que compartimos durante la residencia en Nagasawa Art Park. Durante un año, hicimos copias de mokuhanga, las enviamos por correo y celebramos mini residencias juntas en nuestros propios estudios. El resultado de este trabajo fue una colección de impresiones de mokuhanga en una caja. (vea www.woodpaperbox.com para más información). 
Alentados por el éxito de este primer proyecto, continuamos la colaboración, y hemos completado nuestro segundo proyecto titulado "AL>CA>KS" en 2016. Las obras de este proyecto se inspiraron en los tres estados de EE. UU. Donde vivimos. En 2017, comenzamos nuestro tercer proyecto titulado "(un)fold". Este proyecto explora las estructuras, las ideas y los actos de doblar y desplegar: la revelación y el ocultamiento del espacio, la dimensionalidad, el tiempo, la narrativa y la portabilidad. 
Trabajar como artistas internacionales inspira el diálogo creativo y la comunicación. La colaboración de wood+paper+box continúa el diálogo vital a través del intercambio de obras de arte a larga distancia a través del correo. También participamos en conversaciones creativas a través de publicaciones en blogs, correos electrónicos y conversaciones de Skype. Los proyectos finales de colaboración son una colección de nuestra obra de arte compartida.

wood+paper+box Collaborative

The wood+paper+box collaborative consists of Katie Baldwin, Mariko Jesse, and Yoonmi Nam.

We met at Nagasawa Art Park Artist Residency in Awaji Island, Japan in 2004. Since then, we have kept in touch, maintaining connection through our work in mokuhanga.

In 2013, we began a collaborative project called wood+paper+box. This project came about from our desire to continue the creative dialogue that we shared during the Nagasawa Art Park residency. For a year, we made mokuhanga prints, mailed them to one another, and held mini-residencies together at our own studios. The result of this work was a collection of mokuhanga prints in a box.

(see www.woodpaperbox.com for more information). 
Encouraged by the success of this first project, we continued the collaboration, and have completed our second project titled "AL>CA>KS" in 2016. The works in this project was inspired by the three U.S. states where we live. In 2017, we began our third project titled "(un)fold". This project explores the structures, ideas, and the acts of folding and unfolding - the revealing and concealing of space, dimensionality, time, narrative, and portability. 
Working as international artists inspires creative dialogue and communication. The wood+paper+box  collaborative continue vital dialogue through the long-distance exchange of artwork through the mail. We also engage in creative conversations through blog posts, emails, and Skype conversations. The final collaborative projects are a collection of our shared artwork.