Panel 20

CASYC - Sala 2

Septiembre 8

11:45 am - 1:30 pm

La Documentación de Historias de Vida a través del Libro de Artista

Mi obra artística se enfoca en la documentación de micro-historias, y actualmente estoy investigando cómo el libro de artista puede contribuir a la historia oral de una manera significativa. Mi metodología está influenciada por el micro-historiador italiano Carlo Ginzburg, quien sugiere que un historiador también debe observar, identificar e interpretar detalles que comúnmente se consideran irrelevantes. En los últimos seis años he estado trabajando en proyectos que combinan fotografía e historia oral, y mi proyecto actual consiste en hacer un libro que cuenta las historias de vida de Kevin y Esta, dos participantes de más de ochenta años de edad, a quienes visito en sus hogares semanalmente. 
Recientemente comencé a interesarme en los libros. A través de mi trabajo de investigación artística, trato de representar los detalles implícitos que normalmente se pierden en el proceso de transcribir una historia oral en una escrita. Mi trabajo reafirma la idea de Ulises Carrion de 'el libro' como un medio y no como un contenedor de palabras (o en mi caso, de palabras e imágenes). Indudablemente ‘el libro’ ha enriquecido de gran manera mi práctica artística. En esta presentación, describiré mi proceso de registro de micro-historias y la manera en que he empleado conceptos y dispositivos asociados con el libro para lograr dicho registro. Tales como el espacio en blanco de la página, la tridimensionalidad del libro, el pasar la página, los dobleces de la hoja, y la combinación de texto e imagen. 

Documenting Life Stories through Artist Books 

My art practice focuses on documenting micro-histories, and I am currently investigating how the artist book can contribute to oral history in a meaningful way. My methodology is influenced by Italian micro-historian Carlo Ginzburg, who suggests that a historian should also observe, identify and interpret what are commonly thought of as ‘irrelevant’ details. In the last six years I have been working on projects that blend photography and oral history, and my current work consists of making a book that tells the life stories of Kevin and Esta, two participants aged over eighty, with whom I am collaborating. 
Books have only recently caught my attention. Through my studio research into the book I am trying to represent the implicit details that normally get lost in the process of transcribing an oral story into a written one.

Responding to Ulises Carrion’s idea of ‘the book’ as a medium, not as a carrier of words (or in my case, of words and images), the book has unexpectedly and dynamically enriched my art practice.

In this paper, I will describe my process of recording micro-histories and how I have been able to employ properties and devices associated with the book to achieve this.

These include; the white space of the page, the fold, the passing page, cut-out windows, the three-dimensionality of the book, and an unorthodox combination of text and image.

Materialidad  cooperativa:

La gráfica de libros de artista junto a poetas

Mi tesis doctoral cuenta con la colaboración directa de poetas con el fin de subvertir la relación tradicional entre autor y artista gráfico. Me interesa cómo sus propios procesos se ven afectados por mis prácticas gráficas y viceversa. Para esto fue necesaria una relación lúdica basada en la confianza: primero reimprimí un poema de cada autor que hubiera sido publicado con anterioridad para reflexionar sobre cómo trabajar de manera menos convencional; y después continuamos con proyectos más experimentales. Las colaboraciones fueron muy distintas entre sí, ya que cada una refleja las inquietudes individuales y creativas de los participantes.
Los intereses que teníamos en común eran de composición: el proceso físico de la producción textual y las posibilidades que ofrece el espacio de una página. Tanto la poesía como el libro de artista comparten la exploración consciente de la forma, con muchas maneras de trabajar de forma inventiva y de acuerdo con las reglas, pero también con varias posibilidades de adecuar, ampliar y romper con las expectativas.
Nosotros ampliamos las fronteras de los géneros de publicación, atendiendo al deseo de cada uno en cuanto a la recepción pública.
Este proyecto fue una aventura investigadora compartida. Algunos de los poetas compusieron directamente para mi proceso de impresión tipográfica, teniendo en cuenta las poéticas del estudio y sus restricciones creativas. Intenté ampliar el papel del diseñador/editor, el cual ha estado tradicionalmente ligado a convertir un trabajo ya preparado en un producto final. Trabajamos con los procesos creativos de los demás de modo poco convencional: un acto de traducción primario (creando un trabajo completamente nuevo para ellos) y secundario (reproduciendo las palabras de otra persona) a la vez, llevando el trabajo al ámbito de la transcreación.
Este ensayo ilustrado resume nuestros resultados materiales variados.

Collaborative materialities:

Print-performing artist books with poets

Searching for ways to subvert the traditional author/printer relationship, my doctoral research involved direct collaboration with poets. I am interested in how my print-practices affects their own processes and vice versa. It required a playful relationship based on trust; I started by reprinting an already-published poem by each poet in order to open up conversations on working less conventionally, and then we moved on to more experimental projects. Each collaboration was quite different, reflecting the creative preoccupations of the individual participants.
Our shared interests were compositional: the physical process of textual production and the open possibilities of page space.

Both poetry and the artist book share a conscious exploration of form, with many ways to operate within the rules inventively, but also plenty of opportunities to bend, stretch and break expectations if one is so inclined. We happily stretched boundaries between publishing genres, responding to our individual desires for audience reception.
This project was a shared investigative venture. Some of the poets composed directly for my letterpress process, taking into account the poetics of the studio and its creative constraints.

I tried to extend the role of designer/publisher, which is traditionally more connected to pushing a pre-prepared work into a single finished product. We worked creatively with each other’s creative processes, an act of translation simultaneously secondary (reproducing someone else’s words) and primary (creating a completely new work from them), taking the work into the realms of transcreation.*
This illustrated paper will outline our various material results.

Libros de artista colaborativos para desarrollar la Disciplina investigativa 

Same Same Press es el editorial de Leonie Bradley y Catherine Cartwright. El hacer libros de artista juntas significa que las dos exploran la naturaleza de la colaboración y el dialogo visual. Crucialmente, esa práctica aporta una perspectiva distinta al área de investigación de cada una, y estimula mutualmente las respuestas de las dos. Además, hace que experimenten con temas que se pueden utilizar en la práctica de cada una.
Bradley y Cartwright trabajan individualmente, sin hablar ni explicar, y se responden a la página de la otra alternativamente, como en un juego de consecuencias. El tema del dialogo visual escoge Cartwright o Bradley, según su propia practica de investigación. Los temas han incluido: el aislamiento en la era digital, las formas de activismo, el consentimiento y la memoria en la era digital.
El crear un libro de artista en la forma de una conversación requiere el ritmo adecuado, lo cual, en turno, crea un ambiente de riesgo. Ser una parte de una serie de comentarios basados en imágenes, hace que el foco esté difundido por las páginas del libro de artista, aumentando una sensación de un ambiente seguro donde los artistas pueden experimentar con nuevas ideas.
Este espacio juguetón y a la vez constructivo, alimenta la práctica de cada una, tanto en el concepto, como en el médium. Los médiums que se han usado hasta ahora, incluyen: la impresión en relieve, los monotipos, las formas de libros, las formas 3D, el digital, el bordado, la inyección de tinta, el grabado, la serigrafía y el gofrado a ciego. Esta prueba rigurosa de la práctica de la investigación ha producido – por casualidad - libros de artista que abren la conversación a un público más amplio.

Collaborative Artists´ Books to Develop Research Practice

Same Same Press is the imprint of Leonie Bradley and Catherine Cartwright. Through making artist books together they explore the nature of collaboration and visual dialogue. Crucially, Cartwright and Bradley's artist book practice brings a different perspective to each other’s current area of investigation, allows them to feed off each other’s responses and experiment with themes they can then use in their own practice.
Working independently without discussion or explanation, Bradley and Cartwright alternatively respond to each other’s page; in the manner of a game of consequences.

The theme of the visual dialogue is chosen by either Cartwright or Bradley as it pertains to their own practice research. These topics have included, isolation in the digital age, forms of activism, consent, and memory in the digital age.
Creating the artist book in the form of a conversation requires a certain pace; this creates a risk-taking environment. Being part of a series of image-based commentary, the focus is spread across the artist book, enhancing a sense of a safe environment where the artists can try out new ideas.
This constructive yet playful space feeds into their respective wider practices; both through concept and media.

The media used so far includes, relief printing, monotype, book forms, 3D forms, digital, embroidery, inkjet, etching, screenprint and blind embossing.

This stringent testing of research practice has serendipitously produced artists’ books that open up the conversations to a wider audience.

Revisitando, Repensando y Retornar:

Libros de artistas australianos-afganos

Los proyectos de arte público son capaces de evolucionar más allá de sus parámetros iniciales, originando intercambios tanto planeados como no planeados.

Este ensayo trata precisamente estos intercambios. En él se narran los encuentros inesperados provocados por el libro como objeto físico que viaja, moviéndose de un país a otro tanto material como intelectualmente, en tiempo real y en un marco histórico. Cada encuentro se ha desarrollado de forma individual, y en conjunto, todos generan una nueva concepción sobre la práctica relacional. Unfolding Projects es un proyecto a largo plazo que incluye al grabado y al libro de artista. Ha sido el vehículo para el encuentro entre mujeres artistas de Australia y Afganistán, quienes a pesar de todo están luchando para conseguir una educación básica en un ambiente de conflicto, pobreza y poder patriarcal. En su segunda edición, el proyecto invita a mujeres afganas de Kabul a responder a las imágenes de artistas australianas haciendo uso de los conocimientos recientemente adquiridos, como sus capacidades de leer y escribir, en el formato de una página de un libro de artista. A través de dejar marcas, estas historias, tanto visuales como textuales, hacen patente una conexión dentro de cada una de las páginas. Aun así, la transición espacio-temporal, entre y a través de los dos países, ha dado lugar a encuentros fortuitos que han impulsado la compresión de antiguas diferencias y discrepancias. Estos han incluido intercambios entre países y diásporas, desde Australia, Inglaterra e Israel, hasta Afganistán. En consecuencia, todos estos cambios reflejan aspectos en común y una relación entre la experiencia de mujeres que viven en países en conflicto, y aquellas que viven en países de estabilidad.
Estos encuentros que al principio parecían relacionados, pero no esenciales para este proyecto, han resurgido reflejando una interconexión y responsabilidad a nivel global.

Revisiting, Rethinking and Return:

Australia-Afghanistan Artists' Books

Public Art projects can evolve beyond their initial parameters, precipitating exchanges planned and unplanned.

This paper is about such exchanges.

It tells the story of unexpected encounters provoked by the physical book object that has travelled, that has moved from country to country physically and in knowledge, in real-time experience and in historical narrative. Each encounter has developed in its own way, and together they form new understandings of relational practice.

Unfolding Projects is a long-term project involving printmaking and the artist’s book. It has been a vehicle for exchanges between women artists in Australia and women in Afghanistan who are attempting against all odds to gain an elementary education within an environment of conflict, poverty and patriarchal authority. Currently in its second series, the project invites Afghan women in Kabul to respond with their recently acquired literacy skills to imagery created by artists in Australia, on the format of a page of an artist’s book.

The mark-making of these stories, visual and textual, enacts a meeting within the space of the page. Yet in the transition between and alongside the two countries in time and place, unintentional encounters have emerged that have prompted expanded understandings of difference and disparity.

These have included exchanges across countries and diasporas, from Australia, England and Israel, to Afghanistan.

These exchanges reflect a commonality and relationship between women’s experience in countries of conflict and in countries of stability.

Encounters that seemed at the time related but not essential to the project, emerge as an after-life, reflecting a global interconnectedness and responsibility.

Imaginando la isla

Mi libro de artista 'Picturing the Island' (Imaginando la isla) muestra la isla Banaba (antes conocida como isla Océano), en el Océano Pacífico Central, mi hogar de infancia.

Este proyecto surge de la relación vecinal de Australia con las islas del Pacífico Central.
El libro es una colección de textos e imágenes que presentan un re-visionado imaginativo de la isla. A través del libro, a estos textos e imágenes se les otorga una nueva vida. Esta recreación de Banaba es tanto un recuerdo como una obra artística contemporánea. Mis recuerdos personales se contextualizan en los campos más amplios de las culturas del Océano Pacífico y pasado, en historias de colonialismo y en las consecuencias del cambio climático en estas naciones isleñas.
Muchas de las imágenes incluidas en el libro fueron tomadas a principios del siglo XX. He vuelto a fotografiarlas, enfocando con mi cámara a estos sujetos desprevenidos una vez más. Para aliviar mi malestar por usar imágenes de gente fallecida sin permiso de sus familias, la última imagen de mi libro pertenece a mi colección familiar. En esta fotografía mi hermana y yo estamos sentadas sobre una pequeña roca en una playa de Banaba. A diferencia de las miradas serias de los sujetos de las otras fotografías del libro, nosotras sonreímos a la fotógrafa (mi madre), mostrando así el abismo que hay entre alguien fotografiado voluntariamente y un sujeto de documentación etnográfica.

Picturing the Island 

My artist book 'Picturing the Island' presents the Central Pacific Ocean island Banaba (once known as Ocean Island) my childhood home.

A sense of Australia’s relationship as a neighbour to the islands of the Central Pacific generated this project.
The book takes the form of a collection of texts and images that present an imaginative re-visioning of the island. Via the book, these texts and images are granted a new life.

This impression of Banaba is at once a recollection and a contemporary art-work.

My private recollections are contextualised in the broader fields of Pacific Ocean cultures and their histories, stories of colonialism and the implications of climate change for these island nations.
Many of the images presented in the book were taken in the early 20th century. I re-photographed them, aiming my camera at these unsuspecting subjects yet again. To ameliorate my unease in using images of people no longer alive and without their families’ permissions, the last image of my book is from my own family’s collection. In this photograph, my sister and I are perched on a small rock on one of Banaba’s beaches. In contrast to the stern stares of the subjects of the other photographs in my book, we smile happily up at our photographer (my mother) demonstrating the gulf between a willingly photographed subject and the subject of ethnographic documentation.