Panel 19

CASYC - Sala 1

Septiembre 8

11:45 am - 1:30 pm

De las rupturas y las referencias. Tradición e innovación

Nuestra propuesta gira alrededor de la búsqueda, tratamiento, y naturaleza de dos realidades que aunque aparezcan a veces violentamente contrapuestas, en realidad están unidas por una solidaridad originaria y profunda: tradición e innovación. Ambas forman una totalidad indisoluble manifiesta a lo largo de la historiografía del grabado mediante las rupturas técnico-estéticas y las continuas referencias de estas a tiempos pretéritos. Será en virtud de la innovación, ruptura, como la tradición no solo nace sino que se perpetúa. La actividad natural de la innovación como originalidad, hará florecer la ejemplaridad como fundamento de la tradición. A partir de nuestro discurso, pretendemos fundar un criterio ontológico que pueda dar cuenta de la realidad actual de ambos conceptos así como de sus relaciones, estructuras, etc.
Poniendo de manifiesto que son dos nociones que pensamos necesitan re-entenderse ya que estas condicionan y modifican de forma significativa la idiosincrasia de la estampa desde un punto de vista no solamente técnico sino que también estético.

Concerning breaks and references, Tradition and innovation

Our project centres on the search for, treatment and nature of two realities, tradition and innovation.

Although they may sometimes appear to be in violently opposition, the two are actually united by a profound and original solidarity.

Together they form a clear and indissoluble whole throughout the history of engraving, through technical and aesthetic breaks that constantly refer back to past times.

It is through innovation, through that break, that tradition is not only born but perpetuated. Innovation’s natural function of originality cultivates exemplariness as a fundament of tradition.

Starting from this discourse, we seek to establish an ontological criterion that will explain the current position of the two concepts and their relations, structures, etc.

We think these two notions need to be re-understood, since they condition and significantly modify the idiosyncrasy of engraving from both a technical and an aesthetic perspective.

Tecno-utopía y Tecnofobia:

Tecnologías de impresión tradicional y digital en la práctica del arte contemporáneo

Con este ensayo propongo poner en duda el narrativo establecido en el que las nuevas tecnologías desplacen las más antiguas. En lugar de esto propongo una serie más compleja de circunstancias donde formas híbridas se producen continuamente a través de interacciones y modificaciones. Utilizando mi propia obra como ejemplo y reflexionándose sobre el grabado como disciplina, sugeriré que esto sea una falacia y si observamos como intercambiables las nuevas y antiguas tecnologías, encontraremos una nueva plataforma para la producción innovadora del arte. Uno de los enfoques será cómo se puede utilizar una hibridación del antiguo y el nuevo con diferentes materiales, expandiendo más allá del papel como medio para hacer una impresión. En vez de mirar específicamente los aspectos técnicos de hibridación, este ensayo también reflejará discursos contemporáneos sobre las ansiedades alrededor de la sustitución del labor humano por las maquinas, tanto como los debates éticos sobre el impacto ecológico de diferentes formas de producción.

Techno-utopia and Technophobia:

Traditional and digital printmaking technologies in contemporary art practice

Within this paper, it is my intention, to challenge an established narrative in which newer technologies displace older ones. Instead,

I will propose a more complex series of circumstances in which hybrid forms are continually produced through interaction and amendments.

Through the example of my own work and reflecting on the printmaking as a discipline, I will suggest that this is a fallacy and if we view old and new technologies as interchangeable we find ground for innovative art production.

A focus will be how the hybridization of old and new can be used in conjunction with different materials, expanding from paper as the printmaking medium. Rather than looking specifically at the technical aspects of hybridization this paper will also reflect current discussions on contemporary anxieties around machines replacing human labour, as well as ongoing, ethical debates around the ecological impact of different types of production.

El objeto insincero: una evaluación crítica de la obra bien hecha en el ámbito de la práctica del grabado artístico contemporáneo

En 1995, Edward Lucie-Smith comentó en su libro Art Today que «gradualmente desde la aparición del Arte Povera, toda obra bien hecha es acusada de falta de sinceridad». Este legado de que todo «objeto virtuosamente elaborado» es, de alguna manera, «insincero» en la práctica artística, forma el contexto del presente trabajo. Nuestro objetivo es poner de manifiesto actitudes y valores subyacentes al uso de habilidades manuales en el arte contemporáneo, así como su repercusión en el grabado.
El ready-made de Duchamp consolidó la noción de que el Arte no se basa en la habilidad del creador, sino en el concepto del artista. Podemos argumentar que este relevo en la tradicional primacía de la maestría artística ha creado una nueva ortodoxia, y que, según Glenn Adamson, «no sólo es aceptable, sino necesario, que el artista contemporáneo sea poco profesional», al tiempo que «la falta evidente de destreza implica la existencia de conceptos».
Considerando que el grabado está fundamentalmente ligado a la manufactura, ¿en qué medida estas actitudes afectan a su práctica?. Mientras las escuelas de arte y los propios artistas se orientan progresivamente hacia la interdisciplinariedad, ¿desaparecerá finalmente el grabado o será solo un proceso curioso para especialistas?, ¿es ésto negativo?, ¿existen razones para contrarrestar dicha tendencia?. El presente trabajo examinará estudios recientes acerca del tema de las habilidades artesanales. Refiriéndonos, entre otras, a las propuestas de Mihaly Csikszentmihalyi y Richard Sennett respecto a los valores inherentes a la destreza manual en el campo de la creatividad, sugerimos que el futuro del grabado está en aceptar sus características intrínsecas en lugar de adaptarse a las últimas tendencias. Éste no es un argumento defensivo de los valores artísticos tradicionales frente al conceptualismo, sino un ensalzamiento de la destreza manual desde una perspectiva liberadora y alternativa de lo que el Arte puede ser.

The insincere object: a critical evaluation of the skilfully made work within contemporary fine art printmaking practice

In 1995 Edward Lucie-Smith commented in his book Art Today - ‘that more and more since the advent of Arte Povera the well-made work finds itself accused of insincerity’. This legacy of the ‘skilfully made object’ somehow being ‘insincere’ within Fine Art practice forms the context to this paper. Its aim is to bring into focus underlying attitudes to craftsmanship and skill in contemporary Fine Art practice and how this affects printmaking today. 
Duchamp’s ready-made led to the establishment of the notion that art lays not in the skill of the maker but in the idea of the artist. Can it be argued that this reversal of the traditional position of craftsmanship has led to a new orthodoxy and as Glenn Adamson puts it ‘that it’s not only OK but necessary for a contemporary artist to be amateurish’? That ‘the lack of evident skill somehow implies the presence of concept’. 
As printmaking is fundamentally tied to craftsmanship, how is this attitude impacting on its practice? As increasingly art colleges and artists move towards interdisciplinarity, will printmaking eventually disappear or exist merely as a curious process for specialist interest? Is this a bad thing? Are there any reasons to counter this tendency?

This paper will examine recent discourses around the issues of artisanal skill. With reference to Mihaly Csikszentmihalyi, Richard Sennett and others who are examining the inherent values in skilled making as a site for creativity, invention, and originality, I will propose that if printmaking is to have a future it must embrace its own inherent characteristics rather than accommodate dominant trends.

This will be presented not as a reactionary defence of traditional art values or an oppositional position to conceptualism, but rather skill as a liberator and an alternate, more radical and encompassing view of what art can be.

Encuentro de Grabado,  una tecnología industrial continua mirando hacia atrás para seguir adelante.

El grabado siempre ha estado vinculado inextricablemente a los procesos de impresión industrial.
Históricamente; la impresión en relieve forma parte de la impresión tipográfica, el grabado siempre fue parte de la producción de libros, la litografía era un medio de combinar el tipo y la imagen para todo, desde el empaque hasta los carteles. El proceso de serigrafía del siglo XX comenzó a imprimir pancartas de impresión y publicidad en puntos de venta.
¿Por qué entonces esto es relevante para el grabado hoy? Soy partidario de que las nuevas tecnologías se conviertan en parte integral de Grabado. El chorro de tinta, el corte por láser, el fresado CNC y la impresión 3D se han convertido en parte del conjunto de herramientas utilizado por los grabadores.
Contrariamente a la opinión popular, los artistas no son los más rápidos en adoptar nueva tecnología, a menudo esperando hasta que la maquinaria redundante pueda reutilizarse para sus propios fines, el costo cae dramáticamente a medida que las nuevas tecnologías se vuelven convencionales y el conocimiento operativo se convierte en práctica aceptada, para obtener rápidamente una comprensión del proceso. El mejor trabajo siempre ocurre cuando la imagen trasciende el proceso utilizado para crearla. Esto sucede a través de una comprensión fundamental de cómo esa imagen se relaciona con su creación material.
Común en todo este campo para el grabador es el conocimiento tácito. La comprensión del proceso y el conocimiento, transmitida de una persona a otra a través de la acción física de hacer, más el aprendizaje experiencial de las personas. Creo que ya sea que el proceso sea grabado en madera o impresión 3D, un alto grado de comprensión material y conocimiento artesanal son esenciales para hacer grandes impresiones, ya sea individualmente o en colaboración a través de un estudio.

Encountering Printmaking an industrial continuum, technology looking back to go forward

Printmaking has always been inextricably linked to industrial print processes. Historically; relief printing is part of letterpress, etching was always a part of book production, lithography, was a means of combining type and image for everything from packaging to posters. Even the Twentieth Century process of screen printing started life printing banners and point of sale advertising.
Why then is this relevant to printmaking today? I have been a firm advocate of new technologies becoming an integral part of the canon of Printmaking. Inkjet, laser cutting, CNC milling and 3D printing have all become part of the toolkit used by printmakers. Contrary to popular opinion artists are not the quickest adopters of new technology, often waiting until redundant machinery can be repurposed for their own ends.
This works for two reasons, firstly because the cost drops dramatically as new technologies become mainstream and secondly because much of the operating knowledge has become accepted practice, enabling the artist adopter to quickly gain an understanding of the process. The best work always comes when the image transcends the process used to create it. This happens through a fundamental understanding of how that image relates to its material creation.
Common across this whole field for the printmaker is tacit knowledge. The understanding of process and knowledge, passed from one person to the next through the physical action of making, plus the individuals experiential learning. I believe that whether the process is wood engraving or 3D printing a high degree of material understanding and craft knowledge are essential to making great prints, whether individually or collaboratively through a studio.
This paper will demonstrate how a range of new and older technologies can be considered part of the canon of printmaking and present a rationale for their adoption as craft tools available to printmakers.

El desafío del aguafuerte

Esta presentación explorará el alcance en el que la tensión es un factor clave en la práctica contemporánea del grabado al aguafuerte, y como las ideas y los conceptos pueden entrar en conflicto con restricciones materiales pero que continúan alimentando la creatividad.
El deseo de Richard Diebenkorn de “…resistirse a fórmulas establecidas…”(Plous, 1979) le permite crear obras de intaglio, las cuales “transmiten la agitación de fuerzas en tensión”.

¿Lleva el deseo de resistirse a la convención y de crear momentos de tensión a la creación de una serendipidad?.
Jason Hicklin da la bienvenida y a la vez, crea situaciones en las que realza los elementos de conflicto en cada punto de su práctica creativa, que muestra las mayores tensiones en su taller de grabado al aguafuerte.
Browen Sleigh disfruta del desafío de los materiales y de la necesidad de luchar contra el proceso de creación de imagen a través de su grabado al aguafuerte.Mientras Hicklin explora el potencial de procesos que le llevarán a resultados espontáneos, Sleigh trabaja con procesos premeditados contra los que tiene que luchar.
Mediante la comparación de estos aguafortistas contemporáneos y con la orientación del trabajo de Diebenkorn, ilustraré como los artistas crean obras nacidas fuera de la necesidad de desafiarse a ellos mismos, encuentran nuevos problemas a solucionar y llevan la creación de su imagen hasta el límite. Analizaré los aspectos positivos de tal enfoque y mi objetivo será el de descubrir si es posible controlar la naturaleza potencialmente destructiva de la tensión dentro de una práctica de grabado creativa.

The challenge of etching

This presentation will explore the extent to which tension is a key factor in contemporary etching practice and how ideas and concepts can conflict with material restrictions but continue to feed creativity. Richard Diebenkorn’s desire to “…resist set formulas…” (Plous, 1979) enables him to create intaglio work which “… conveys the excitement of forces in tension.”

Does the urge to resist convention and create moments of tension lead to serendipitous image making? 
Jason Hicklin both welcomes and creates situations which enhance the elements of conflict at every point of his creative practice and which see the greatest tensions in the etching studio.

Bronwen Sleigh enjoys the challenge of materials and the need to be struggling against the process of image making through her etching, but while Hicklin explores the potential of processes which will lead to spontaneous results Sleigh works with premeditated processes which she has to fight against. 
Through a comparison of these contemporary etchers and with the guidance of Diebenkorn’s practice I will illustrate how artists create work born out of a need to challenge themselves, find new problems to solve and push their image making to the limits. I will discuss the positive aspects of such an approach, and will aim to discover if it is possible to control the potentially destructive nature of tension within a creative printmaking practice.