Panel 18

UNICAN - Sala 1

Septiembre 8

9:00 am - 11:00 am

Encuentros de Vanguardia y Tecnologías Digitales del Grabado

El artículo académico analiza la materialidad y conceptos de control en el grabado.
Hay una ambivalencia en la existencia humana, donde encontramos difícil el control de nuestros sentidos anatómicos y psicológicos. El intento de retomar “control” conduce a una tensión creativa. Por ejemplo, como la inteligencia artificial desafía la capacidad humana, esta tensión no sólo está disminuyendo la sensación de control de materiales, pero también está apareciendo en la sensación de falta de poder en lo psicológico, lo inmaterial. A su vez, esta ambivalencia se expresa en las corrientes políticas populistas que buscan autonomía y “tomar control” como reacción a las ideologías de la globalización y libre mercado-especialmente en el Reino Unido y los Estados Unidos.
En las artes visuales, como las tecnologías digitales se utilizan cada vez más, cualquier cambio en la forma en que artistas usan lo tangible y material puede ser utilizado como evidencia de una reacción a este control decreciente. Mientras que el software digital puede ofrecer muchos avances en la creación y manipulación de imágenes, su amplia disponibilidad y facilidad de uso, hace los riesgos de esta estética poco interesantes. Al centrarse en formas de arte tangibles, los artistas están despertando un interés renovado en argumentos modernistas del siglo XX (Arte de Vanguardia) con especial atención a la especificidad conceptual y estética de la materialidad. Sin embargo, este volver a lo “material”, a su vez suscita sospechas sobre conceptos e ideologías regresivas.
Este artículo analizará las estrategias creativas que se adoptaron en el siglo XX en la vanguardia y las utiliza para discutir la conexión entre la producción de arte y movimientos sociales. El artículo utiliza el grabado como un conducto a través del cual explorar los conceptos de control visual y creativo que a su vez son reflejo de las estrategias de la Vanguardia.

Avant-Garde Encounters and Digital Technologies in Print 

The paper takes the position that there is an ambivalence in human existence, where we find difficulty in controlling both our anatomical and psychological senses of being. The attempt to ‘take back control’ of these material and immaterial senses of being leads to a creative tension that echoes on different levels.
For example, as artificial intelligence challenges human ability, this tension exists, not only in humanity’s diminishing sense of material control, but also in our psychological, non-material, sense of (dis)empowerment. This ambivalence is in turn expressed in current populist, political tensions regarding autonomy and ‘taking back control’ amid the effects of globalisation and free-market ideologies – especially in the United Kingdom and the USA.
In the visual arts, as digital technologies are used increasingly, any shift towards material, tangible, art-forms may also be evidenced of a reaction to this diminishing control. While digital software can offer many advancements in image creation and manipulation, conversely their wide availability and ease of use, risks rendering their aesthetic unremarkable. By focusing on tangible art forms, artists spark a renewed interest in 20th Century Modernist arguments (Avant-Garde) with particular regard to the conceptual and aesthetic specificity of materiality. However, this return to the ‘material’ in turn raises concerns of regressive ideologies and concepts. In this sense, the artist gains more material autonomy, but also faces a dilemma as to how the artwork is perceived and conceptualised.
This academic paper will discuss creative strategies adopted in 20th Century Avant-Garde as a way of discussing the connection between art production and social movements. The paper will use artists’ printmaking as a conduit through which concepts of control are explored, visually and creatively, mirroring the strategies of the Avant-Garde.

Presencia y Producción en Creatividad en Bellas Artes:

Finales, transiciones y comienzos

El ensayo  discutirá la producción de tres grupos de grabados basados en los temas de Cyclops, Exodus y The Void, que juntos se relacionan con el tema del tiempo y se mostrará en la sesión Open Portfolio.

Habrá un enfoque especial en el Grupo Uno (Cyclops).Una gran impresión digital dibujada a mano de Polypphemus ciego que intenta matar a Ulysseus que se escapa en su nave con lanzas de la lava del Etna.

Siete variantes pequeñas individuales, y una impresión combinada y variante digital. La producción de estos grabados será discutida en relación a la presencia en mente y cuerpo, y la producción con materiales, tecnología e ideas, en relación con creatividad en el arte.

Esto se hará en el contexto de la Teoría del Arte de Merleau-Ponty, que será resumida brevemente. La Teoría considera al arte como '' Ser Enriquecido'' por derecho propio, como distinto de un análogo para una verdad o esencia externa, como afirma la teoría estética tradicional.
Propone que este ser enriquecido no es producido principalmente por actos intencionales, sino por la influencia reciproca de la conciencia, el cuerpo, las técnicas y la creatividad

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Presence & Production in Creativity in Fine Art:

Ends, transitions, beginnings

The Paper will discuss the production of three groups of prints based on the topics of Cyclops, Exodus and The Void, which together relate to the theme of time, and will be shown in the Open Portfolio session.

There will be a particular focus on Group One (Cyclops): a large digitally hand drawn print of the blinded Polyphemus attempting to kill the escaping Odysseus in his ship with spears of larva from Mt Etna, seven individual small variants, a combined print and a digital variant. The production of these prints will be discussed in relation to Presence in mind and body, and Production with materials, technology and ideas, in relation to creativity in fine art.
This will be done in the context of Merleau-Ponty's Embodiment Theory Of Art, which will be briefly outlined. The Theory views art as 'enriched being' in its own right, as distinct from an analogue for an external truth or essence, as traditional aesthetic theory claims. It proposes that this enriched being is produced not primarily by intentional acts, the traditional view, but by the reciprocal influence of consciousness, the body, techniques, and materials

www.creativity-embodiedmind.com

Un estudio en ecología cognitiva para una práctica artística mediada

Yo uso el acto de hacer arte como una manera de ralentizar el pensamiento en lo que podría ser leído como un retiro de la tecnología digital.

Queriendo extender esta práctica artística haciendo un mayor uso de varias técnicas de grabado, tengo que considerar el hecho de que la práctica de la impresión contemporánea incluye el uso de medios digitales. La introducción de la 'ecología cognitiva' en la práctica artística proporciona una forma de pensar sobre esto menos en términos de oposición, y más en términos de un conjunto de relaciones. Mientras sigue manteniendo tecnología digital tal en vista, puedo ahora seguir adelante con la práctica artística mediante la evaluación de la relación entre cultura del grabado y cognición en términos histórico y contemporáneo. Utilizando un Metodología práctica, el emergente Un estudio en ecología cognitiva para una práctica artística mediada por el grabado, se basa en un sistema de pensamiento artístico para dar forma al desarrollo de una salida creativa abundante. La referencia al trabajo de otros artistas se modela alrededor el rol el grabado puede jugar dentro una práctica artística total. Es decir, el papel que puede jugar en términos de mejorar los aspectos interconectados de la cognición: aprendizaje, memoria, resolución de problemas, juicio y percepción. También tiene un papel en expresar la experiencia de la cultura intelectual hasta ahora.

A study in cognitive ecology for a print-mediated artistic practice 

I use the act of making art as a way to slow thought down in what could be read as a retreat from digital technology.

Wanting to extend this artistic practice by making greater use of various printmaking techniques, I need to account for the fact that contemporary print practice includes the use of digital media.

The introduction of ‘cognitive ecology’ into artistic practice provides a way of thinking about this less in terms of opposition, and more in terms of a set of relations.

While still keeping digital technology in view, I can now move forward with the artistic practice by assessing the relationship between print culture and cognition in historical and contemporary terms.

Utilising a practice-led methodology, the emergent study in cognitive ecology for a print-meditated artistic practice, draws upon a system of artistic thought to shape the development of a rich creative output. The reference to the work of other artists is modelled around the role printmaking can play within a larger artistic practice.

That is, the role it may play in terms of enhancing the interconnected aspects of cognition: learning, memory, problem-solving, judgement and perception. It also has a role in expressing the experience of intellectual culture to-date.

Binom Nihilo: El encuentro consigo mismo 

Desde la perspectiva histórica, como el resultado de una evolución común de las actividades técnicas y sociales, la prensa puede verse como una idea utópica de la transformación de la sociedad a través del avance tecnológico. El salto intelectual cualitativo que se produjo durante el siglo XV está en relación consecuente con la multiplicación mecánica y la mayor distribución de palabras e imágenes. En muy poco tiempo, además de las estéticas, rápidamente fueron introducidas las ideas científicas que, gracias a la habilidad de los grafistas, son convertidas en las imágenes que pueden reproducirse y distribuirse fácilmente. El prefijo tecnológico de la prensa, en la forma que presentó Johannes Gutenberg, refleja simbólicamente la dominante orientación tecnológica del progreso que conducirá a la rearticulación de las formas de vida en el campo de construcción y ejecución de la realidad social precisamente a través de la tecnología. 
En esta ponencia, les presentaré el proyecto artístico, "Binom Nihilo", donde considero el contraste dialéctico entre tecnología y naturaleza. La tecnología, o sea, su necesidad completamente reemplazó la naturaleza como entorno integral del hombre. En las instalaciones gráficas interactivas de este proyecto "Tonus I" y "Tonus II", los estados de fenómenos de escenas de banda eléctrica y pájaro, o sea de perro, no pueden coexistir simultáneamente. La dominación de uno de los fenómenos es el resultado de la participación/intervención del visitante, que de ese modo está enfrentado a las consecuencias de su propia acción. Con eso, el foco del proyecto se traslada al plano ético. En la colaboración con visitantes, el proyecto presenta el acto de iniciación de la responsabilidad colectiva. Nuestro (mejor) futuro no está a priori en las nuevas tecnologías sino en el modo de usarlas y aplicarlas a nosotros mismos y a nuestro entorno.

Binom Nihilo: R/encounter with oneself

From a historical perspective, as an outcome of the collective evolution of technical and social activities, print can be seen as utopian idea about the transformation of society through technological advancement.
The qualitative intellectual jump that happened during the XV century is consequencially tied with the mechanical replication and intensified distribution of the written word and pictures. Within a short period of time, aside from esthetical ideas, cartographical, philosophical, anatomical, medicinal and other ideas became increasingly available, and all skillfully translated into pictures by the printmaking artists, were vastly reproduced and easily distributed. The technological prefix of the printing process in the form that Johannes Gutenberg had presented, symbolically reflects the dominant technological direction of progress in which rearticulation of natural forms was performed within the field of constructing and implementing social reality specifically through the agency of technology.
In this paper I will present personal artistic project “Binom Nihilo” in which I reflect on dialectical opposition between technology and nature. Nature, as man’s integral environment, has been completely replaced by technology, or more precisely, by its necessity. In interactive print installations “Tonus I” and “Tonus II”, the appearance of the shown entities - the electrical pole and bird, that is dog, cannot coexist simultaneously. The overpowering of one of the entities is the outcome of the participation/intervention of the visitor, who, when faced with an accentuated terminal situation, sees the consequence of his own actions. Therefore, the focus of the project is shifted from the esthetical to the ethical ground. In cooperation with the visitors, the project “Binom Nihilo” is the act of creation/mobilization of collective responsibility, because our (better) future isn’t primarily in new technologies, but more in how we use and implement them in relation to ourselves and our environment.

El grabado en el arte contemporáneo; 

el grabado como arte contemporáneo

Una de las consecuencias de la muerte del discurso crítico sobre grabados en el contexto del arte contemporáneo es la escasa atención prestada a las dos categorías a las que pertenece dicho grabado.
Existen grabados que forman parte de instalaciones y otros tipos de producciones artísticas; de ahí el concepto de 'grabado en el arte'.

Por otro lado, también hay grabados que aparecen bajo la etiqueta habitual de ‘grabado de bellas artes’, generalmente parte de una edición limitada. De ahí surge el concepto sugerido de ‘grabado como arte’.

Puede que ocurran ambas en la obra de un artista individual, véase la de Sigmar Polke, por ejemplo, o la candidata al Premio Turner de Gran Bretaña, Ciara Phillips. Sin embargo, se puede alegar que estas manifestaciones del grabado se encuentran en diferentes campos del arte contemporáneo (Suzuki, 2011; Tallman, 2013).

El filósofo británico Peter Osborne ha observado que existe un fenómeno parecido en la fotografía contemporánea y sostiene que ‘la relación entre estos distintos tipos de práctica’ es ‘una de las cuestiones críticas más importantes por resolver’ (Osborne, 2013, pp. 126-7). Al igual que ocurre con la fotografía, otra cuestión relacionada puede ser la concepción teórica del grabado como 'medio pictórico' frente al grabado como una función del 'dominio de la imagen' en general (ibid.).
Aquí, la cuestión más amplia es el ‘inconsciente gráfico’, propuesto por Avi Alpert (2010), y su papel en el arte y la cultura contemporáneos.

Print in contemporary art;

print as contemporary art

One of the consequences of the dearth of critical discourse on prints in the context of contemporary art is the insufficient attention that has been paid to the two categories into which contemporary print falls: there are prints that constitute an element of installations or other types of artistic output; hence the notion of ‘print in art’. And there are those prints that appear under the familiar label of the ‘fine art print’, typically in the form of the editioned print, hence the suggested concept of ‘print as art’. Both categories may occur in the oeuvre of an individual artist ─ take Sigmar Polke, for example, or British Turner Prize nominee Ciara Phillips. Yet, these manifestations of print can also be said to occupy different terrains of contemporary art (Suzuki, 2011; Tallman, 2013). British philosopher Peter Osborne has made the observation that a similar situation applies to contemporary photography and he argues that ‘the relationship between these different kinds of practice’ is ‘one of the most important unresolved critical questions’ (Osborne, 2013, pp 126-7). As with photography, a related issue may be the theoretical conception of print as a ‘pictorial medium’ versus print or the ‘printerly’ as a function of the ‘domain of the image’ in general (ibid). The broader issue at stake here is the ‘graphic unconscious’, as posited by Avi Alpert (2010), and its role in contemporary art and culture.
My paper will begin to outline some of the overlapping and/or diverging institutional, socio-economic, educational, material/aesthetic and philosophical-critical issues that arise from this situation.

Teoría Crítica para Estudiantes de Grabado 

La educación artística a veces es criticada por enfatizar la artesanía o el concepto. En la historia del grabado, sin embargo, la mano y la mente colaboran íntimamente, y el grabado contemporáneo continúa siendo capaz de abordar la condición posmoderna.

El grabado es híbrido: combina el dibujo con la reproducción de la máquina, es un compañero de la literatura, es un socio de la ciencia, es un espacio para el discurso social, es un arte fundamentalmente multidisciplinario.

La grabadora Ruth Weisberg está de acuerdo con el argumento de Hugh Merrill de que el grabado postmoderno se define "no como un objeto, o como una técnica, o como una categoría, sino como un lenguaje teórico de ideas en evolución".
Comprender cómo la teoría crítica puede informar el proceso y el contenido del grabado puede proporcionar una herramienta útil para los estudiantes de grabado. Esta presentación describe un curso para estudiantes de grabado para estudiar temas como autoría, originalidad, aura, expresión, percepción háptica, simulación, semiótica, textualidad, repetición, différance, apropiación y construcción de identidad.

Critical Theory for Printmaking Students

Divergent approaches to art education are sometimes criticized for training students only up to the wrist or down to it—emphasizing either craft or concept. The history of printmaking, however, is one that has evidenced particularly intimate collaboration between the hand and the mind, and the contemporary practice of printmaking remains powerfully positioned to address the postmodern condition. Printmaking has been, and continues to be, fundamentally hybrid—a merging of draftsmanship with mechanical means of reproduction, a consort of literature, a partner to science, a field for social discourse, a fundamentally multidisciplinary art. Printmaker and theorist Ruth Weisberg has concurred with Hugh Merrill's assertion that postmodern printmaking is defined "not as an object, or as a technique, or as a category, but as a theoretical language of evolving ideas." Among the tools educators can provide to printmaking students is an understanding of how critical theory can inform the process and content of their work. This presentation provides an overview of the work of an art historian to design a graduate course in which printmaking students examined such issues as authorship, originality, aura, expression, haptic perception, simulation, semiotics, textuality, repetition, différance, appropriation, and identity construction.