Panel 17

CASYC - Sala 3

Septiembre 8

9:00 am - 11:00 am

Pliegos: Una investigación gráfica acerca de los libros abiertos de Anish Kapoor.

Anish Kapoor es una figura que ha marcado la historia del arte Británico a través del desarrollo de su obra, la cual versa en la exploración de la forma, luz y color, tanto en escultura como en grabado. Kapoor comenzó a desarrollar proyectos gráficos en los años noventa, invitado por Charles Booth-Clibborn, bajo la huella The Paragon Press. Desde entonces, ha colaborado estrechamente con el maestro de taller Peter Kosovizc en Thumbprint Editions (Londres), desarrollando, conjuntamente, un enfoque particular sobre el medio. En esta línea, el presente trabajo tiene como propósito principal valorar la obra gráfica de Kapoor, investigando cómo el artista traslada ideas como el color, luz, eco y la noción de reflejo en el espacio gráfico, a través del análisis de su discurso y estrategias artísticas. Entre ellas, destacar el efecto espejo y el reflejo e idea de “pliegue y “abertura”, en relación con el concepto de “doble página”, con la finalidad de evaluar el uso que Kapoor hace de las técnicas de grabado para dar materialidad y contenido a su obra. Por tanto, a través de una perspectiva metodológica cualitativa, la recogida de información ha sido a través de entrevistas, análisis de documentación y mediante la observación directa. Las entrevistas se han realizado con Peter Kosovizc y Florian Grimm (editor The Paragon Press) y el material original incluye grabados, pruebas de estado y trabajo en proceso. La indagación sobre la técnica y materiales han sido llevados a cabo a través de experiencia personal editando obra de Kapoor, lo que suponen fuente original. 
Finalmente, destacar que esta investigación abre diferentes áreas de discusión: beneficios de la colaboración, el rol de la técnica y proceso de trabajo y las posibilidades de ésta generar materialidad a través de estructuras visuales, son nuevas líneas de investigación que dan continuidad al estudio. 

Folds: a printmaking investigation into Anish Kapoor's opened books.

Anish Kapoor is a major figure in contemporary British art. His artwork centres on the exploration of form, light and colour in both sculpture and printmaking. Kapoor started to develop a printmaking practice in the 90’s when invited by Charles Booth-Clibborn under the imprint The Paragon Press. Since then, he has been working closely with master printer Peter Kosovizc at Thumbprint Editions (London) developing together, a particular approach to the medium. This paper aims to examine Kapoor’s body of work in print, investigating how the artist translates ideas about colour, light, echo and reflection into the space of the print through the analysis of his artistic strategies. Amongst them, focusing on the mirroring,  reflection, and the idea of fold and opening in relation to the concept of double page spread. The outcome is to evaluate Kapoor’s use of printmaking techniques to give materiality and embody ideas. Therefore, from a qualitative methodology perspective, the data collection has been carried out through a series of interviews, analysis of documents and personal observation. The interviews were with Peter Kosovizc and Florian Grimm (publisher from The Paragon Press) and the original material include prints, proofs, notes and work in progress during proofing at Thumbprint Editions. The enquiry about the techniques and materials used, as well as live observations have been done through my own experience editioning a number of Anish Kapoor’s works, which have been an important information source for this investigation. Lastly, this investigation raises a number of areas for discussion: the benefits of collaboration, the role of the technique and process of work and its possibilities of engender materiality within visual structures and colour, are new lines of enquiry that give continuity to this research. 

Transformación de la redlibrodeartista  

Para ello, estamos firmando una serie de acuerdos de colaboración entre universidades, escuelas de arte, asociaciones, talleres, empresas y agentes culturales y de eventos, con el objetivo de gestionar unas actividades y estrategias que sirvan de soporte a las iniciativas institucionales o privadas que ya existan, así como a las que puedan surgir, relacionadas con la edición.
Estos acuerdos se han diseñado para implementar dos proyectos virtuales y uno presencial, que funcionan de forma individual, pero que están tan estrechamente relacionados que forman un todo.
1º. Repositorio de contenido en el sitio web www.ediciondearte.info
Esta web está diseñada para gestionar y crear conocimiento relacionado con la producción, difusión y comercialización de la edición de arte de forma integral, dedicándose especialmente a los colectivos que quieren especializarse en este campo y hacer de él su profesión.
Hemos comenzado esta aventura desde la Asociación Cultural Librodeartista.info Ediciones firmando acuerdos de colaboración con el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politécnica de Valencia, Cuerpo Académico Gráfica Contemporánea, adscrito a la Universidad Autónoma de
Ciudad Juarez, Grupo PAI Hum 862-Estudios en Sociedad, Artes y Gestión Cultural. Universidad de Jaén.
Rodolfo Agüero en representación del Departamento de Artes Visuales (UNA) y el taller de serigrafía Christian Walter.
2ª. Colección de publicaciones ensambladas “La Vida Desatenta”.
Para propiciar encuentros entre los miembros de los colectivos que han firmado los acuerdos de colaboración, anteriormente descritos, se ha diseñado un protocolo de coedición, que permita el contacto personal registro en vídeo de los procedimientos de edición.
3ª. El proyecto de museografía digital www.redlibrodeartista.org
Cuyo principal objetivo es el de mostrar de forma razonada publicaciones realizadas con los procedimientos de la edición de arte, estas serán seleccionadas mediante convocatorias anuales y seleccionadas por un grupo de expertos de reconocido prestigio internacional.

Transformation of the artist's book net.

In order to do that, we have signed a series of collaboration agreements between universities, art schools, associations, art studios, companies and cultural events representatives, with the aim in mind of organizing activities and projects that will support the institutional and private initiatives that already exist as well as the ones that can emerge in the future related to edition.
These agreements have been made to implement two virtual and one face to face projects, that work separately, but as a whole are closely related.
1. Archive of contents of www.ediciondearte.info
This website has been designed to manage and spread knowledge related to the production, dissemination and commercialization of art edition in the integral way, dedicated especially to the collective groups that wish to specialize themselves professionally in this field.
Cultural Association Librodeartista.info Ediciones has started this adventure by signing collaboration agreements with The Drawing Department of the Faculty of Fine Arts of Polytechnic University of Valencia, collective group Gráfica Contemporánea, affiliated to The Autonomous University of Ciudad Juarez, Group PAI Hum 862- Studies of Arts, Culture and Society. University of Jaen. Rodolfo Agüero as a representative of The Visual Arts Department (UNA) and The Silkscreen Studio of Christian Walter.
2. Collection of join publications “La Vida Desatenta”.
In order to promote encounters between all members of the collective groups that signed the collaboration agreements, previously mentioned, there has been created a protocol of co- edition that allows the members to have personal contact through videos showing the procedure of edition.
3. Digital museum project www.redlibrodeartista.org
Its principal aim is to show publications that have been created by using art edition procedures, that will be selected through annual announcements by a group of experts with an international prestige.

El arte puede ser un puente hacia la vida cotidiana. Encuentros entre el grabado, su postura, actualidad e historia en un contexto social y educativo; Academia Minerva y el libro de artista

En los últimos años logramos establecer una infraestructura alrededor del libro del artista en nuestra educación, esta infraestructura consiste en mostrar la historia y el libro de artista contemporáneo, ofreciendo conferencias y charlas para nuestra comunidad y la producción de nuevos libros de artista por nuestros alumnos.
La presentación destacará la colaboración única entre las colecciones institucionales (El Museo de Groningen, por ejemplo, alberga la mayor colección de libros de artistas de los años 60 y 70 en Holanda y es socio de este proyecto), coleccionistas privados y Minerva. Dichos encuentros fructíferos entre las instituciones, los particulares y los estudiantes, son uno de los principales núcleos de este proyecto.
La presentación se centrará en la historia, que es la exposición en 2015 y el trabajo de los estudiantes producido posteriormente, y aguardará la manifestación en Octubre de 2018, donde la Academia Minerva albergará una exposición del grupo artístico Fluxus con un enfoque en el cambio de clima político en Holanda durante los años 60's. Esta exposición es una manera de mirar hacia el futuro, inspirándose en el pasado y desafiará a los estudiantes con la acción, la realidad y la ficción de los años sesenta.
¿Puede el grabado y el libro del artista en el siglo XXI seguir siendo un mensajero para el cambio social?
Esta presentación contará con libros realizados por estudiantes e imágenes de la exposición en 2015. La colaboración entre el departamento de grabado y el departamento de fotografía de la Academia Minerva es el comienzo de este ambicioso proyecto. El enfoque en el libro del artista es producto de una visión compartida entre estos dos.

Art can be a bridge into daily affairs. Encounters between printing, attitudes, actuality and history in a social and educational context; Academy Minerva & the artist’s book.

Over the last years we managed to set up an infrastructure around the artist’s book in our education, this infrastructure consists of showing the history and the contemporary artist’s book, providing lecture’s and talks for our community and the production of new artist’s books by our students.
The presentation will highlight the unique collaboration between institutional collections (The Groninger Museum for example houses the finest collection of artist’s books of the 1960’s and 1970’s in The Netherlands and is a partner in this project), private collectors and Minerva. These very fruitful encounters between institutions, private parties and the students are one of the cores of this project.
The presentation will focus at history, that is the 2015 exhibition and the student work produced afterwards, and will look forward to the October 2018 manifestation, when Academy Minerva will house a Fluxus exhibition with a focus on the shifting political climate in The Netherlands in the 1960’s. This exhibition is a way of looking forward by looking back and will challenge the students with the action, reality and fiction of the 1960’s.
Can printmaking and the artist’s book in the 21st century still be the messenger of social change?
This presentation will be illustrated with books made by students and images from the 2015 exhibition.

The collaboration between the printmaking department and the photographic department of Academy Minerva is the start of this ambitious project. The focus on the artist’s book is a product of a shared vision between these two.

Libros de artista como un sitio diverso en la práctica - Con/sin final

El Libro de Artista Como Espacio Para Prácticas Diversas. Soy una artista Australiana especializada en grabado, desarrollo de proyectos de arte comunitarios, docencia y curaduría. Actualmente, cuido a mi madre quien ha perdido la vista. Me he dedicado a hacer libros de artista por más de veinte años.
Durante décadas, mi relación con la creación de libros ha sido una práctica situada que opera junto con una gran diversidad de prácticas artísticas, tecnologías, movimientos, ecologías, experiencias estéticas y relaciones con otros organismos.
Los dos proyectos de libros de artista más recientes en los que he trabajado (Blair Athol Recut y With / Without End) han incluido grabado fotográfico, la impresión digital, la fotografía, el bordado, la poesía, el texto y contenido efímero. Ambos se han centrado en relaciones familiares, historia y relaciones con lugares.
With / With End fue creado a través de la experiencia del cuidado de mi madre ciega, y está impregnado delo mundano, de un sentido de repetición, cuidado, y las minucias diarias. Me expreso a través de los medios de fotografía, impresión y bordado. Este trabajo es un elemento de una instalación que creé para una exposición de artistas-cuidadores. Para esta presentación, propongo una pieza de performance dónde desempaco With /out End , y a través del cual exploraré mi encuentro personal con el envejecimiento, el trabajo como cuidador y la relación generada entre el cuidador y la persona cuidada.
Durante la pieza de performace, voy a coser mientras hablo, así como lo hago cuando paso largos días sentada, haciéndole compañía a mi madre ciega. De esta manera, mi cuerpo puede convertirse en un laboratorio situado para explorar cómo mi práctica se convierte en un sitio para procesar este encuentro con el envejecimiento; de mi madre y el mío.

Artists’ Books as a diverse site of practice - With/out end 

Artists’ Books as a diverse site of practice. I am an Australian printmaker, community arts facilitator, teacher, curator and most recently carer to my blind mother. I have been making artist books for over 20 years.
My relationship with bookmaking over decades has been a situated practice operating alongside a diversity of arts practices, technologies, movements, ecologies, aesthetic experiences and relations with other bodies.
My encounters with the Australian outback landscape has created a sense of place in my printed works, making use of the site-specific materials such as ochres, dirt, foliage, and emerging out of relations with local people, out of creek bed and campfire connections.
The two most recent artist book projects I have worked on (Blair Athol Recut and With/ End) have included photo etching, digital printing, photography, embroidery, poetry, text and ephemera. Both have focused on familial relationships/history and relationships to place.
With/out End was created in the experiential space of caring for my elderly blind mother, and is imbued with a sense of repetition, care-making, the mundane, and the daily minutiae of listing expressed through the media of photography, print and embroidery. It is one element of an installation I created for an exhibition by artist-carers. The performed paper I am proposing will, through unpacking With/Without End, explore the particular situated practise of encounters with ageing, working as carer, and the sticky relational embodiment of the carer/cared-for.
I will stitch while I speak just as I do when I spend long days sitting with my blind mother keeping her company. In this way my body can be made into a situated laboratory in order to explore how my practice becomes a site to process this encounter with ageing. My mother’s and my own. A universal encounter that crosses all barriers of race, religion and place…

Fold: otorgarle forma a las cosas sin forma a través de libros de artistas experimentales

Fundado por el artista Paul Uhlmann y la poeta Marcella Polain, Fold (pliegue) es un vehículo colaborativo experimental que intenta explorar la intersección de las palabras y las imágenes a través de una colección de libros de artistas.

Al formarse una palabra en la boca aparece una imagen posterior en la mente, la cual es ambigua y fugaz. Fold intenta capturar esa imagen fugaz a través de métodos expansivos de la realización de grabados.

El paradójico desafío de Fold incluye la transformación de elementos sin forma en táctiles a través del papel y de la imagen impresa para proporcionar un espacio en el que la palabra pase a ser una imagen y la imagen una palabra. En esta charla trazamos nuestro proceso creativo para revelar dudas y errores, visiones y enmiendas, sobreimpresiones y gestos mientras que brindamos información acerca de cómo las pequeñas obras nacen a través de conversaciones sin palabras en el estudio.

En particular, aclaramos exploraciones recientes en las que interactuamos con fragmentos poéticos de Federico García Lorca, los cuales tradujimos del español al inglés mediante el uso de aplicaciones disponibles para poderlos interpretar en más detalle a través de múltiples procesos de imprenta.

Uhlmann creó imágenes de impermanencia, las cuales abrieron nuevos diálogos con los temas de Lorca relacionados con el deseo, la nostalgia y la interconectividad. Además, Polain produjo fragmentos de poemas poéticos, los cuales independientemente trazaron un nuevo terreno en base a sus propias experiencias con paisaje y memoria. El proceso es similar a un encuentro que uno puede tener en un país extranjero adonde apenas conoce el idioma y para superar barreras culturales utiliza palabras individuales, gestos con las manos y expresiones faciales. La comunicación revela cualidades imperfectas esenciales de lo que significa ser humano.

Fold: giving form to the formless through experimental artists’ books

Founded by artist Paul Uhlmann and poet Marcella Polain, fold is an experimental creative collaborative vehicle, which aims to explore the intersection of word and image through the assemblage of artists’ books.
When a word is formed in the mouth there appears an afterimage within the mind, which is ambiguous and fleeting.

Fold endeavors to capture that fleeting image through expansive methods of making prints.
Making the formless tactile through paper and the printed image is part of the paradoxical challenge of fold, to provide space for the word to become image and the image to become word. In this talk we chart our creative process to reveal hesitations and blunders, insights and erasures, overprinting and gestures as we cast a glance over our shoulders to outline something of how small works are born through wordless conversations in the studio. In particular we illuminate recent explorations in which we interacted with fragments of poetry from Federico García Lorca which we translated using available aps from Spanish to
English to then further interpret through multiple print processes. Uhlmann created images of impermanence, which open new dialogues with Lorca’s themes of desire longing and interconnectedness.
In addition, Polain made poetic poem fragments, which independently mapped new terrain based on her own experiences with landscape and memory.

The process is similar to an encounter one has in a foreign country where one barely knows the language and in order to transcend cultural barriers employs single words, hand-gestures and facial expressions.

For to communicate reveals essential imperfect qualities of what it is to be human.