Panel 16

CASYC - Sala 2

Septiembre 8

9:00 am - 11 am

Edinburgh Printmakers desarrolla Castle Mill Works

Edinburgh Printmakers, el primer estudio de impresión público en el Reino Unido y celebrando su 50 aniversario en 2017, está desarrollando un nuevo centro cultural con el grabado como eje central.

Tras 7 años de desarrollo, este proyecto que ahora se encuentra en fase de construcción y con un capital de 11 millones de libras, abrirá sus puertas en abril de 2019.

Nuestra visión es crear un centro referente del grabado en el mundo en el siglo XXI con los siguientes espacios:

• Instalaciones con procesos tradicionales y digitales
• Espacio dedicado al aprendizaje
• Pisos de artistas
• Galerías y tiendas
• Un centro de industrias creativas
• Café
• Archivo de publicaciones

Edinburgh Printmakers develops Castle Mill Works

Celebrating it’s 50th anniversary in 2017, Edinburgh Printmakers, UK’s first open access print studio, is developing a new cultural hub with printmaking at its core.

This project has taken over 7 years to develop and building is underway in this ambitious £11m capital project, opening in April 2019. 

Our vision is to create a world-class printmaking centre for the 21st  Century with:

• enhanced printmaking facilities for traditional and digital processes,  
• a dedicated learning space, 
• artists flat, 
• galleries and shop, 
• artists studios
• café 
• print archive

La cocreación como encuentro 

The FRM son: la artista visual - basada en la impresión-  Emma Febvre-Richards (Nueva Zelanda) y el compositor Dean Merlino (Australia).

Su trabajo explora la noción de cocreación como encuentro.

En esta presentación debatiremos los matices de reunir distintas prácticas visuales y sónicas, particularmente las formas en las que se negocian la similitud y la diferencia de forma y estilo.

Cuando tiene éxito, este método colaborativo garantiza que el encuentro sea una colaboración genuina en lugar de una superposición de una forma sobre otra (como el sonido sobre imágenes) o una yuxtaposición simplista (las imágenes visuales más sonido). Este tipo de encuentro requiere un alto grado de diálogo y de escucha, como tantos aspectos de la diferencia entre las formas de arte y los compromisos no conscientes con el tiempo y el movimiento. Los movimientos del cuerpo son distintos, por ejemplo, entre estampar algo en el papel y tocar un instrumento musical, y esto influye en todo el proceso creativo. Este algo debe explorarse para que el encuentro se convierta en una verdadera colaboración. En esta presentación se examinarán dos trabajos, Botanics Revisited III y Diptych South, para mostrar cómo este método colaborativo no solo es necesario para hacer un solo trabajo, sino para mantener una colaboración en múltiples obras. También para mostrar cómo diferentes enfoques en aspectos del encuentro pueden desembocar en tipos de trabajos sustancialmente diferentes. El trabajo de The FRM se basa en este método de trabajo de encuentro y cocreación.

Co-creation as encounter

The FRM are print-based visual artist Emma Febvre-Richards (New Zealand) and composer Dean Merlino (Australia).

Their work explores the notion of co-creation as encounter.

In this presentation we will discuss the nuances of bringing distinct visual and sonic practices together, particularly the ways in which similarity and difference of form and style are negotiated.

When successful, this collaborative method ensures the encounter is one of a genuine collaboration rather than a layering of one form on another (such as sound on visuals) or a simplistic juxtaposition (the usual visuals + sound). This type of encounter requires a great degree of dialogue and listening as many aspects of difference between art forms and non-conscious engagements with time and movement. The movements of the body, for example, are distinct between mark making on paper and playing a musical instrument, and this influences the entire creative process. Such things must be explored for the encounter to become a genuine collaboration. Two works will be examined in this presentation – Botanics Revisited III, and Diptych South – to show how this collaborative method is not only necessary to make a single work, but to sustain a collaboration across multiple works.
Also to show how different focuses on aspects of the encounter can result in substantially different types of works. The work of The FRM is based on this working method of encounter and co-creation.

De plantas a grabados

Un proyecto ambicioso en Dili, Timor Oriental, reunió a mujeres tejedoras y tintoreras tradicionales y a artistas contemporáneos masculinos con grabadores australianos, para fusionar técnicas tradicionales de tintorería con métodos modernos de grabado y arte contemporáneo. Algunos obstáculos encontrados incluyeron una prensa de grabado rota, financiación, idioma, hacer llegar los materiales de Australia a Dili y 5 horas de viaje para las mujeres.
Mientras vivía en Dili, en 2016/17, Lee notó la falta de mujeres artistas en el centro de arte Dili's Arte Moris. Lee se puso en contacto con los maestros de Arte Moris para llevar a cabo un taller de grabado para atraer artistas femeninas al instituto y para introducir algunas técnicas de grabado a los estudiantes existentes. A sugerencia del director Iliwatu Danabere, un grupo de tejedores textiles (Koperativa Lo'ud) del distrito de Lautem fueron contactados para participar.
Los días 10 y 11 de junio de 2017, los grabadores australianos, Lee y Zanos llevaron a cabo un taller de punta seca con la ayuda de voluntarios. Los participantes incluyeron seis tejedoras textiles (tais) de Lospalos, Lautem, una artesana de Dili y 12 hombres de Arte Moris. Las mujeres aprendieron a adaptar sus diseños tais para impresiones en papel. Los hombres, entrenados en dibujo, pintura y escultura, retrataron principalmente imágenes contemporáneas y se adaptaron más rápidamente al nuevo medio de grabado.
Mientras que las mujeres demostraron como obtener tintes vegetales en seis colores, utilizando hojas, corteza y raíces, los hombres estaban interesados en aprender cómo obtener estos tintes. Se tiñeron los hilos de algodón, junto con el papel para la impresión de los diseños tais de las mujeres. Algunos de los artistas de Arte Moris experimentaron con los tintes para la pintura de acuarela, extendiendo así las conexiones entre lo tradicional y lo contemporáneo.

Plants to prints

An ambitious project in Dili, Timor Leste brought together two groups of Timorese artists - a women’s group of traditional weavers and dyers and a group of male contemporary artists - with Australian printmakers, to fuse traditional dyeing techniques with modern printmaking methods and contemporary art. Some obstacles encountered included a broken etching press, funding, language, getting the materials from Australia and 5 hours travel for the women.
While living in Dili, in 2016/17, Lee discovered a lack of female artists at Dili’s Arte Moris art centre. Discussions ensued and Lee liaised with Arte Moris teachers to conduct a printmaking workshop to attract female artists to the institute and to introduce some printmaking techniques to existing students. On the suggestion of director Iliwatu Danabere, a group of textile weavers (Koperativa Lo’ud) from Lautem district were approached to participate.
On 10th and 11th June 2017, Australian printmakers, Lee and Zanos conducted a drypoint workshop at Arte Moris with the help of volunteers. Participants included six female textile (tais) weavers from Lospalos, Lautem, one female artisan from Dili and 12 men from Arte Moris. The women learnt to adapt their tais designs for prints on paper. The men, trained in drawing, painting and sculpture, portrayed mainly contemporary images and adapted more quickly to the new medium of printmaking.
While the women demonstrated their plant dyes for the group, using leaves, bark and roots to obtain six different colours, the men were keen to learn how to obtain these dyes. Cotton threads for textile weaving were dyed, along with printmaking paper for subsequent prints of the women’s tais designs. Some of the Arte Moris artists experimented with the dyes for watercolour painting, thereby extending the connections between the traditional and contemporary.

El encuentro. El proceso. ¿El resultado? 

Esta ponencia se basa en el registro de la correspondencia electrónica que dos artistas mantuvieron durante casi seis meses en 2017. Irena Keckes y Katarzyna Zimna son ambas artistas y académicas, residentes en Guam (EEUU) y Lodz (Polonia) respectivamente. Se conocieron durante el congreso Impact 9 en Hangzhou, presentando sus trabajos en la misma sesión, titulada “Print, play and exploration”. Ambas dedicadas al grabado, tanto Zimna como Keckes están especialmente involucradas con las técnicas tradicionales de impresión en relieve, xilografía y linograbado en varios sustratos, pero también les interesa la reflexión teórica del grabado como proceso, y su potencial de actuación e interacción. De las conversaciones entre ambas artistas surgió la idea de compartir experiencias y ayudarse mutuamente, así como la posibilidad de establecer una colaboración cooperativa. La ponencia muestra el proceso de conocimiento mutuo, la conexión a través del trabajo artístico y los discursos que giran a su alrededor, y la generación de ideas para proyectos comunes.
De los mensajes electrónicos intercambiados emergieron algunos temas recurrentes, tales como el enfoque conceptual de la impresión, ideas sobre el grabado como medio, y el grabado como práctica femenina/feminista. Las artistas también discutieron los aspectos de trabajo y ocio, artesanía y conceptualización implicados en su práctica de impresión.
El proceso creativo del grabado, con su asociación con la artesanía, quizás lo convierta en una disciplina más “femenina”. Lo que podría parecer una desventaja, de todos modos, puede utilizarse como táctica para expresar los puntos de vista femeninos. Usando el grabado como medio, sumándose con otros medios como los tejidos o la actuación, se expande el campo conceptual y temático que puede ser explorado a través de nuestro trabajo.

The encounter. The process. The outcome?

This presentation is a record of an e-mail correspondence that two artists exchanged over nearly six months in 2017. Irena Keckes is a Croatian artist and academic based in Guam USA, and Katarzyna Zimna is an artist and academic based in Lodz, Poland.

They met during the Impact 9 conference in Hangzhou, presenting at the same session titled “Print, play and exploration”.

Both printmakers, Zimna and Keckes, are mainly involved with traditional relief printing techniques, woodcut and linocut on various substrates but are also interested in the theoretical reflection on print as a process, and its performative, interactive potentials.

The idea behind two artists’ conversations was to share experience, to support each other, and potentially, to establish a printmaking collective.

The presentation shows the process of getting know each other, connecting through print practices and discourses around it, and generating ideas regarding common projects.
From the e-mails there emerged a few recurring topics, such as: conceptual approach to print; ideas of printmaking as inter-medium/ the expanded field of print; and printmaking as feminine/ feminist practice. The artists also discussed the aspects of work and play, craft and concept involved in their print practices.
The creative process in printmaking with its associations with craft perhaps makes it a more “feminine” discipline. What seems a downside, however, can be used as a tactic to express these feminine points of view.

Using printmaking as an inter-medium, adding up easily with other media, for example with textile or performance, further expands the conceptual and thematic field that may be explored through our print practices.

Las impresoras de caos:

Comportamiento intuitivo en el estudio de impresión

Este ensayo tiene su base en los diálogos que se ocurrieron durante un periodo de 6 meses entre Annis Fitzhugh, Directora del Taller de Grabado en Dundee Contemporary Arts y artista Jacqueline Butler.

La estructura del ensayo se base en un tapiz de discurso lírico entre dos practicantes. El motivo es desarrollar una filosofía de producción que mejorará y aumentará la contribución que tenga la producción artística al desarrollo de la teoría.
El discurso se centraba en las investigaciones propuestas por Butler como artista residente en el taller de DCA en la primavera de 2017, planteando trabajar a través del grabado y la tecnología 3D, explorando lo tradicional y lo contemporáneo utilizando procesos físicos y softwares y, a través del desarrollo de su práctica, empezar una evaluación de cómo puedan las tecnologías contemporáneas extender las posibilidades de producción con las tecnologías tradicionales.
Fitzhugh con formación en bellas artes, y Butler, artista que trata con fotografía y película, comparten un interés en cómo mantener el equilibrio entre el uso los procesos tradicionales y empujar los límites de sus disciplinas. Proponen interrogar las reglas y los métodos establecidos y, a través de pensamientos y actos disruptivos, proponer el grabado como medio clave en la práctica del arte contemporánea.
La obra Neither Here Nor There, producida por Butler, se convierte en catalizador para este diálogo, habla de temas comunes alrededor del grabado (incluso la fotografía) que se dirigen hacía una evaluación de la pertenencia de esta práctica dentro de la estructura contemporánea.
El impacto de la tecnología progresiva, la multiplicidad de la imagen, la práctica multidisciplinaria, la impresión dentro del ambiente virtual o físico, y la relación que tenga la teoría al arte de la fabricación (y viceversa); todos tendrán enfoque central en este discurso.

The chaos printers:

Intuitive behaviour in the print studio

The paper is based on conversations occurring over a six-month period between Annis Fitzhugh, Head of DCA Print Studio, and artist Jacqueline Butler.

The structure of the paper will be a lyrical discourse weaving between two practitioners. The motivation is to develop a philosophy of making that will enhance approaches to print and expand on the contribution arts practice has to developing theory.
The discussions centred on research Butler proposed as artist in residence at DCA Print Studio in spring 2017, undertaking to work across both print and 3D technologies, exploring old and new through physical processes and softwares and, through her developing practice, begin to evaluate how contemporary technologies compliment and extend production possibilities of traditional technologies.
Fitzhugh, with a background in fine art, and Butler, an artist in photography and film, share concerns on the balance between maintaining traditional craft whilst pushing at the boundaries of their disciplines. Both question established methods and”rules” and, through disruptive thoughts and acts, position printmaking as a key medium in contemporary fine art practice.
The work Butler produced, titled Neither Here Nor There, acts as catalyst for this conversation piece, touching on common themes surrounding print (including photography) that lead to an evaluation of the currency of this practice within a contemporary framework.
The impact of advancing technology, the multiplicity of the image, interdisciplinary practice, the imprint in virtual and physical environments and the relationship theory has to the art of making (and vice versa) will all be central to the discourse

El Lenguaje del Grabado Colaborativo y el Giro Social en el Arte Contemporáneo: Impresiones con Andrew Lacon

Desde el giro social en el arte contemporáneo durante los años 90 se ha explorado mucho el arte activado por encuentro social. Tales nociones de la producción cooperativa y el intercambio de ideas son aspectos centrales y dinámicos de la práctica del grabado colaborativo. Sin embargo, tales prácticas a menudo permanecen detrás de la portada del taller – un componente sin exposición y con poca consideración crítica fuera del taller.
Este ensayo explorará los procesos y los diálogos que ocurren durante la residencia de artista invitado Andrew Lacon. Considerará el taller colaborativo como espacio social donde puede ocurrir una evolución acelerada del lenguaje creativo – una especie de Heterotopia. Durante este proceso social se desarrolla un idioma: a través de la enseñanza, la cooperación cultural y la repetición hasta la experimentación, selección y adaptación, incluso apropiaciones aleatorias. Entre la gente, los materiales y los procesos se emergen estructuras semióticas con fin de llegar a un rendimiento material con forma de impresión.
La obra de Lacon emplea materiales escultóricos como hormigón fundido y mármol: investiga su complejo vocabulario material y diversos usos e interpretaciones en distintas geografías, historias y clases sociales.
Explorando cómo pueden estos materiales escultóricos trasladarse al grabado y, de contrario, cómo una imagen superficial pueda llegar a ser un objeto palpable.
A través del proceso en vivo del desarrollo del grabado de Lacon, se inventa un lenguaje para trasladar un significado a la matriz. Hay mucho que investigar alrededor del grabado y su estructura de signos y lenguaje, en particular en cuanto al proceso social del desarrollo colaborativo en el taller de impresión.
Utilizando un enfoque sociolingüístico para explorar la relación semiótica entre proceso, método y material durante el proyecto con Lacon, espero detallar mejor el carácter de este encuentro.

The Language of Collaborative Printmaking and the Social Turn in Contemporary Art: Printing with Andrew Lacon

Since the social turn in contemporary art during the 1990s much has been explored in terms of art activated via social encounter. Such notions of co-operative making and idea exchange are central and dynamic components of printmaking practise during the collaborative development of an original print.
However, such practices often remain hidden behind print studio doors - an un-exhibited component of the work with little documentation or critical reflection outside the studio.
This paper will explore the processes and dialogues that take place during invited artist Andrew Lacon’s residency and will consider the collaborative print studio as a social space in which an accelerated evolution of creative language may occur – a Heterotopia of sorts. During this social process a language develops: via teaching, cultural cooperation, and repetition, through to experimentation, selection and adaptation, even chance appropriation. Between people, materials and processes, semiotic structures are formed in order to arrive at a material outcome in the form of a print.
Lacon’s work employs sculptural materials such as cast concrete and marble: he mines their complex material vocabulary and diverse uses and interpretations in varied geographic contexts, histories and social classes. Exploring how such sculptural materials may translate into print and inversely, how a surface image may become a tangible object again.
Through the live process of Lacon’s print development an idiom is devised to embed the print matrix withmeaning. There is much to be explored in the relationship between printmaking and its structure of signs and language, particularly in relation to the social process of collaborative printing. By using a sociolinguistic approach to explore the semiotic relationship of process, method and materials while working with Lacon, I hope to further define the nature of this exchange.