Panel 15

CASYC - Sala 1

Septiembre 8

9:00 am - 11:00 am

¿Cómo tejer un arcoíris?

Aproximaciones artísticas a la fenomenología del color y la impresión con rojo verde y azul

El término RGB se entiende comúnmente como color aditivo: al combinar una luz roja, azul y verde en una habitación oscura, se obtiene una luz blanca. Esta es la teoría de la luz y la base científica de los experimentos de Isaac Newton que involucran un prisma, que mostró que todos los colores del arco iris se podían obtener de la luz blanca. El poeta John Keats condenó las teorías de Newton, diciendo que Newton había destruido la poesía del arcoíris. William Blake también describió a Newton como segmentando el mundo con una brújula, lo que sugiere que no podía ver más allá de su visión reductiva del mundo.
¿Cómo se traduce la luz a pigmento? Los métodos actuales de impresión digital en color tradicionalmente implican la traducción de una imagen coloreada en pantalla compuesta de píxeles rojos verdes y azules
(RGB), y luego usando un flujo de trabajo de impresión digital, cada píxel se convierte en puntos coloreados que se crean imprimiendo cian, tintas translúcidas magenta, amarilla y negra (CMYK). El objetivo es reproducir una imagen lo más fielmente posible a los colores que se ven en la pantalla. Inspirado en patrones de interferencia, por ejemplo, aceite en agua, arcoiris, escarabajos y mariposas, existe un enfoque alternativo para imprimir colores utilizando pigmentos RGB y que bien puede corregir el misterio del arcoiris.
Aunque actualmente se utilizan para efectos decorativos para la impresión en envases, estos nuevos métodos se pueden utilizar para crear nuevas formas de hacer imágenes, que pueden imitar la apariencia de materiales y superficies que actualmente son un desafío para los métodos tradicionales de impresión sustractiva.
Esta presentación explorará los enfoques de los artistas sobre la relación entre la luz y el pigmento, los procesos aditivos y sustractivos a través de las obras e instalaciones impresas.

How to weave a rainbow?

Artists’ approaches to the phenomenology of colour and printing with red green and blue

The term RGB is commonly understood as additive colour: by combining a red light, blue light and green light in a dark room, a white light is obtained. This is the theory of light and the scientific foundation of Isaac Newton’s experiments involving a prism, which showed that all the colours of the rainbow could be obtained from white light. The poet John Keats condemned Newton’s theories, saying that Newton had destroyed the poetry of the rainbow. William Blake also depicted Newton as segmenting the world with a compass, suggesting he was unable to see beyond his reductive world view.
How does light translate to pigment? Current digital colour printing methods traditionally involves the translation of an on screen coloured image that is composed of red green and blue pixels (RGB), and then using a digital printing workflow, each pixel is converted into coloured dots that are created by printing cyan, magenta, yellow and black (CMYK) translucent inks.

The aim is to reproduce an image as closely as possible to the colours seen on screen. Inspired by interference patterns, for example, oil on water, rainbows, beetles and butterflies, there exists an alternative approach to printing colours using RGB pigments and which may well redress the mystery of the rainbow.
Although currently used for decorative effects for printing on packaging, these new methods can be used to create new ways of making images, that can mimic the appearance of materials and surfaces that currently are a challenge for traditional subtractive printing methods.
This presentation will explore artists’ approaches to the relationship between light and pigment, additive and subtractive processes through printed works and installations.

Horizonte inquieto

Resulta tentador sugerir que las nuevas tecnologías de grabado ensanchan el horizonte de la práctica.
Pero, ¿de qué horizonte hablamos? En el siglo XXI se producen grabados con nuevas técnicas; plataformas digitales, láser e impresión 3D ofrecen soluciones pictóricas y materiales innovadoras. Además, el impacto sociopolítico de nuestro mundo tuiteado, redirigido y supervisado ofrece una rica temática para artistas alienados, hiperconectados y post-reales. ¿Pero ofrece la tecnología simplemente nuevo contenido ideológico y/o cambia la forma como los artistas hacen lo que siempre hicieron? ¿Altera fundamentalmente cómo experimentamos y comprendemos el mundo?
En este artículo, exploro cómo las nuevas tecnologías conforman cómo percibimos el espacio y cómo los cambios en la construcción del campo óptico han conformado el grabado contemporáneo. Sugiero que cuando los artistas europeos adoptaron una perspectiva lineal establecieron un horizonte estable, haciendo referencia a la visión de espectadores inmóviles en un mundo bidimensional en que la actividad humana se mantenía cerca de la superficie de la tierra.
Arguyo, sin embargo, que nuestro horizonte una vez fiel se ha vuelto inquieto. Las tecnologías aceleran el cuerpo humano a través del espacio a velocidades crecientes y nos desligan del terreno horizontal, ofreciendo una mirada panorámica y por control remoto reemitida a microchips y máquinas. La humanidad se mueve cada vez más en una dimensión vertical, explorando el territorio por encima y debajo del suelo, creando nuevas concepciones del espacio. Igualmente, el mundo se observa desde lejos, con pantallas en tiempo real, difuminando nociones tradicionales de distancia.
En este contexto, con referencia a Hito Steyerl y Paul Virilio, examino prácticas de artistas de la impresión que exploran horizontes inclinados, desplazados y problemáticos. Propongo un mundo en que los elementos espaciales comienzan a flotar, planear y oscilar, desalojando al observador de una posición de certeza, impulsando el grabado hacia un campo vertiginoso.

Restless Horizon

It is tempting to suggest that new technologies in printmaking open-out the practice horizon.

But of what horizon do we speak? No doubt prints are produced in new ways in the 21st century. Digital platforms, laser-cutting and 3D printing, for example, afford ever-new pictorial and material solutions. In addition, the socio-political impacts of our tweeted, re-mediated and surveilled world offer rich subject matter for the alienated, hyper-connected, post-real artist. But does technology merely offer new ideological content, and/or change the means by which artists do what they have always done? Or has it fundamentally altered the way we experience and comprehend the world?
In this paper I explore how new technologies discipline our perceptions of space, and ask how shifts in the construction of the optical field have shaped contemporary printmaking. I suggest that when European artists adopted linear perspective they established a stable horizon, referencing the view of an immobile spectator.

This was a two-dimensional world, since human activity kept close to the earth’s surface.
I argue, however, that our once faithful horizon has become restless. Technologies accelerate the human body through space at increasing speeds and untether us from the horizontal ground, offering a panoramic and remote-controlled gaze outsourced to microchips and machines. Humanity has increasingly moved in a vertical dimension—exploring territory below and above the ground—creating new conceptions of space.
The world is also seen from afar, via screens in real time, obliterating traditional notions of distance.
In this context, and with reference to Hito Steyerl and Paul Virilio, I examine the practices of print-based artists who explore tilted, displaced and troubled horizons. I propose a world in which spatial elements have begun to float, hover and oscillate, so as to dislodge the observer from a position of certitude, propelling printmaking into a vertiginous field.

Ovejas y cabras:

Manipulando la percepción visual a través de las relaciones de color

Ovejas y Cabras esconden mensajes visuales a simple vista. Es un díptico impreso que investiga la idea de que las obras de arte se pueden crear intencionalmente para que se experimenten de manera diferente dependiendo de las capacidades visuales. Cada impresión serigrafiada / chorro de tinta es de 84 cm x 112 cm. Se acompaña de un dispositivo inteligente equipado con un software de simulación de deficiencia de la visión en color de realidad aumentada y recolocación.
La colaboración del artista David Lyons con el científico informático David Flatla dio como resultado impresiones que comunican detalles únicos exclusivamente a esos daltonismos, al tiempo que contienen imágenes que experimentan aquellos con una experiencia de visión de color típica. Esto se hizo mediante el uso y la comprensión de la teoría del color, los principios artísticos y las aplicaciones informáticas.
Toda la obra de arte se revela a ambas audiencias mediante el uso de tabletas cuyo software permite la traducción de las imágenes entre las dos audiencias. Las tabletas con software de simulación y recoloración CVD les permiten a aquellas personas con vista típica de color ver lo que ven las personas con daltonismo y las personas con daltonismo para obtener una apreciación de lo que ven los individuos con vista típica.
Para indicar la participación de audiencias de variadas capacidades de visión del color, Triple Blind hace referencia a los círculos de Ishihara Color Blind Test. Las palabras dualistas "cielo" y "INFIERNO" se utilizan para sugerir percepciones contradictorias, como lo son las letras sobreimpresas de la canción "Sheep Go to Heaven" del grupo de rock Cake.
Este documento documentará el desarrollo del trabajo, sus fundamentos teóricos y sus implicaciones artísticas, sociales y filosóficas.

Sheep and Goats:

Manipulating visual perception through colour relationships

Sheep and Goats hides visual messages in plain sight. It is a print diptych which investigates the idea that artwork can be intentionally created to be experienced differently dependent on one’s visual abilities. Each silk-screened/ink jet print is 84 cm x 112 cm. It is accompanied by a tablet sized smart device fitted with augmented reality colour vision deficiency simulation and recolouring software.
The collaboration of artist David Lyons with computer scientist David Flatla resulted in the prints which communicate unique details exclusively to those with CVD (colour vision deficiency, commonly known as colour blindness), while simultaneously containing imagery that those with typical colour vision experience.
This was done through the use and understanding of colour theory, artistic principles and computer science applications.
All the artwork is revealed to both audiences through the use of tablets whose software allows the translation of the imagery between the two audiences.

The tablets with CVD simulation and recolouring software allow those with typical colour sight to view what those with CVD see, and those with CVD to gain an appreciation of what individuals with typical sight see.
To indicate engagement of audiences of varied colour vision abilities, Triple Blind reference the circles of the Ishihara Colour Blind Test. The dualistic words ‘heaven’ and ‘HELL’ are used to suggest conflicting perceptions as are the clear varnish over-printed lyrics from the song “Sheep go to Heaven’ by the rock band Cake.
This paper will document the development of the work, its theoretical underpinnings and artistic and social and philosophical implications.

Resonando lo Visual: Practica de Impresión y Sonido

En este documento, quisiera reflexionar acerca de la relación entre las prácticas de impresión y de sonido. Estoy interesada en como un método de practica tecnológica creativa informa y se traduce a otras, por ejemplo la manera que el trabajo de impresión influencia la manera en el que artistas abordan el sonido y la música y viceversa la manera que el trabajar con sonido, el escuchar profundamente puede cambiar el modo en el que creamos y leemos la imagen visual. 
Los elementos de técnicas de impresión tales como la superposición, transparencia y viscosidad pueden ser reconocidas en la creación de composiciones de sonido similares al ritmo, paso del tiempo y la interpretación. También pueden leerse en ejemplos de impresión cuando las cualidades oscilantes de imágenes fluyen de vuelta alimentando a las obras en papel.
En particular, estoy interesada en como la visualización del sonido puede afectar la creación de imágenes y como las cualidades efímeras del sonido y las memorias se traducen en formas de impresión.
En mi presentación, me referiré a ejemplos de mi práctica, los cuales conectan impresión, elementos visuales de sonido en el contexto de una exposición grupal reciente. Suena como Ella (Sounds Like Her) (Ain Bailey, Sonia Boyce MBE RA, Linda O'Keeffe, Elsa M'bala, Madeleine Mbida, Magda Stawarska-Beavan y Christine Sun Kim). La colección de trabajos selectos representa sonido en su sentido más amplio, explorando la voz, ruido, sonidos orgánicos y sintéticos, patrones rítmicos, estructuras sonicas y materializaciones no sonicas del sonido. El resultado es una exposición variada de medios mixtos que unen el audio, instalación inmersiva, pintura, impresión, dibujo, video, y también la práctica interactiva. Junto con estos ejemplos también considerare algunos detalles de mi trabajo de instalación “Krakow to Venice en 12 Hours”.

Resonating the Visual: Printmaking and Sound Practice

In this paper, I would like to reflect on the relationship between printmaking and sound practice. I am interested in how one method of creative technological practice informs and translates to others, for example how working with printmaking can influence the way artists approach sound or music and vice versa how working with sound, deep listening can change the way we create and read the visual image.
The elements of printmaking techniques such as layering, transparency, and viscosity can easily be recognised in the creation of sound compositions but equally the rhythm, passage of time, performance can also be read in the examples of printmaking when moving image qualities flow back and feed into the works on paper. In particular, I am interested in how the visualisation of sound can affect the image making and how the ephemeral qualities of sound and memories translate into printmaking forms.
In my presentation, I will refer to examples from my practice, which connect printmaking, visual elements with sound in the context of a recent group exhibition Sounds Like Her in New Art Exchange, Nottingham (Ain Bailey, Sonia Boyce MBE RA, Linda O'Keeffe, Elsa M'bala, Madeleine Mbida, Magda Stawarska-Beavan and Christine Sun Kim).

Collectively the selected works represent sound in the broadest sense, exploring voice, noise, organic and synthetic sounds, rhythmic patterns, sonic structures and non-sonic materialisations of sound.

The result is a varied exhibition of mixed media bringing together audio, immersive installation, painting, print, drawing, video, as well as interactive practice.

Alongside those examples I will also consider some details from my installation work “Krakow to Venice in 12 Hours”

Kanti - Mis palabras

Este paper se centrará en un proyecto reciente de la grabadora Veronica Calarco y el artista sonoro Lee Berwick, financiado por una beca de a-n. Calarco visualiza lenguas minoritarias en peligro a través de la noción de país y lugar, utilizando el grabado en forma de obras para colgar y libros de artistas. El objetivo de Calarco es concienciar y generar conocimiento mediante el uso de dos idiomas: el kurnai (una lengua aborigen en peligro de Gippsland, en Victoria, su lugar de origen) y el galés (una lengua minoritaria que ha aprendido de adulta). Su labor investigadora busca contribuir al conjunto de trabajos que exploran y documental la pérdida de cultura y conocimiento que atesoran dichas lenguas.
Dado que la dimensión sonora es una parte esencial del lenguaje, Calarco se cuestionó sobre la conveniencia de incluirla en su trabajo. Por ello, en 2015, Calarco y Berwick empezaron a debatir sobre el proyecto. El objetivo de la primera parte de este proyecto de colaboración era desarrollar y presentar una serie de obras sonoras que utilizaran grabaciones en vivo y de archivo para crear otras obras que visualizaran a través del sonido las ideas que desarrolladas mediante el grabado.
El proyecto empezó en mayo de 2017 con la primera visita de Berwick a Gales para pasar una semana en Stiwdio Maelor para grabar sonidos, empezar a desarrollar obras sonoras y darle vueltas a cómo podrían presentarse las ideas. Ese año, Berwick fue tres veces a Stiwdio Maelor. Esa fase del proyecto culminó en octubre con dos representaciones, una al aire libre en la entrada a una mina y otra dentro de Stiwdio Maelor. Se espera que el proyecto continúe desarrollándose y presentándose en diferentes formatos a lo largo de los próximos años, incluyendo dos programas de radio de 15 minutos.

Kanti – My Words

This paper will focus on a recent project by Printmaker Veronica Calarco and Sound Artist Lee Berwick, which was funded by an a-n bursary. Calarco visualises endangered and minority languages through the notion of country and place using the medium of printmaking in the form of works for hanging and artist books. Calarco aims to create awareness and insight through the use of two languages – Kurnai (an endangered Aboriginal language from Gippsland in Victoria, her birth country) and Welsh (a minority language she learnt as an adult). Her research practice aims to contribute to the body of work exploring and documenting the loss of culture and knowledge contained in those languages.
As the dimension of sound is an essential part of language, Calarco began to question if sound needed to be included in the work. Thus discussions about project began in 2015 between Berwick and Calarco. The aim of the first stage of this collaborative project was to develop and present a series of sound works using live and archival recordings to create works to sonically visualise the ideas that have been developing through printmaking.
The project started in May 2017 with Berwick’s first visit to North Wales to spend a week at Stiwdio Maelor (artist in residence program) recording sounds, developing initial sound works and working out presentation ideas. Berwick came to Stiwdio Maelor three times during 2017 and this stage of the project culminated in October 2017 with two performances, one outdoors in an adit (a form of tunnel cut by machine in a disused slate quarry) and one indoors at Stiwdio Maelor. It is intended that the project will continue to be developed and presented in different formats over the next few years including two 15 minute radio programs.

Ser grabado, ser impresionado

Este artículo informa las consultas que surgieron durante el período de mi maestría en Arte y Cultura Visual.

Su objetivo principal es debatir sobre la validación del arte como el cimiento que proporciona conocimiento afectivo y cognitivo que busca constantemente una experiencia trascendental a través de los viajes introspectivos en el proceso del hacer.

La investigación basada en las artes estimula una integración de las dimensiones humanas cognitivas y sensibles. En otras palabras, cuando el arte artes no es considerado como un mero [re]productor de imágenes, es posible volverse más consciente de sí mismo y de otros, por medio de los largos períodos de creación
En este artículo describo cómo la participación del cuerpo en los procesos de creación ofrece una reconexión con nuestra interioridad y fortalece los lazos de las investigaciones basadas en el arte. A continuación, desarrollo una visión del grabado como una disciplina que provoca el conocimiento a través de sus dimensiones experimentales y conceptuales de "grabado" y "reproducción". Finalmente, analizo la materialidad de la obra de arte, enfatizando el tema del “soporte”, para motivar un proceso dinámico que ayuda a los artistas a conectarse más íntimamente con su trabajo y con ellos mismos.

Being marked, being impressed.

This article reports the inquiries that came along during the period of my master´s degree course in Arts and Visual Culture in Brazil.

Its main objective is to discuss about the validation of Art as the foundation that provides affective and cognitive knowledge which is constantly looking for a transcendental experience by the introspective journeys among the process.
Arts-based research stimulates an integration of the cognitive and sensitive human dimensions. In other words, it is possible to become more self-awareness and other-awareness through the long periods of making when the arts are not considered just a mere [re]production of images.
In this article I describe how the involvement of the body in the creation processes offers a reconnection with our interiority and, it strengthens the bonds of practical and theoretical art based inquiries.

Next, I develop a vision of the printmaking as a discipline that provokes knowledge through its experimental and conceptual dimensions of ‘engraving’ and ‘reproduction’. Finally, I analyze the materiality of the artwork, emphasizing the issue of support, to motivate a dynamic process that helps the artists become more intimately connected with their work and themselves.