Panel 14

CASYC - Sala 3

Septiembre 7

3 pm - 5 pm

Nuevas obras relacionadas con la ciencia y las Especies Hawaianas en Peligro de Extinción, la cultura y la identidad

Cómo el arte puede llamar la atención a la amenaza global hacia la bio-diversidad y la seguridad del agua y, en particular, con las Especies en Peligro de Extinción en Hawaii? Cuál es la relación entre el arte, la ciencia, la cultura y la identidad hawaiana cuando hablamos de especies en peligro de extinción?
En este documento se presentan nuevas ilustraciones e investigaciones que comencé  en 2015, como becaria de la Comisión Fulbright, la Universidad de Hawaii en Hilo, Hawaii, que explora los temas de especies amenazadas y la cultura hawaiana contemporánea. Ahora que podemos desbloquear los misterios del DNA para aplicaciones futuras y análisis cómo microorganismos, plantas, insectos y animales, resolver problemas complejos de la vida en determinados entornos, tenemos el deber de proteger a todas las restantes especies en peligro de extinción. Hay una urgente necesidad de vivir en armonía con la naturaleza, y podemos aprender formas de compartir nuestros entornos de los pueblos indígenas del Pacífico.
El aumento de la salinización del agua dulce del mundo es una preocupación fundamental, ya que sin agua no hay vida, así como es evidente a través de la NASA registra la vigilancia de la salud del mundo. El aumento del nivel del mar del mundo es de igual preocupación, amenazando vulnerables naciones insulares del Pacífico, como sus culturas únicas y comprensión del mundo natural están en peligro. La unión de arte y ciencia es una poderosa manera de exponer estas diversas fronteras.
Mi investigación explora las intersecciones entre la imprenta, la fotografía y el dibujo, con impresiones desarrollado a partir de la mano y placas de corte láser, con las tintas aplicadas y hoja de oro. Una presentación de PowerPoint referencias Hawaiian Especies en Peligro de Extinción, la seguridad del agua y la diversidad cultural en mis obras de arte.

New Artworks relating to Science and Hawaiian Endangered Species, Culture and Identity

How can art bring attention to the global threat towards bio-diversity and water security, and in particular to Hawaiian Endangered Species? What is the relationship between Art, Science, Culture and Identity when discussing Hawaiian Endangered Species?
This paper will present new artworks and research I began in 2015, as a Fulbright Scholar, University of Hawaii at Hilo, that explores issues of Hawaiian endangered species and contemporary Hawaiian culture.
Now that we can unlock the mysteries of DNA for future applications, and analysis how organisms, fungi, plants, insects and animals, solve complex problems of living in particular environments, we have a duty to protect all remaining endangered species. There is an urgent need to live in harmony with nature not against it, and we can learn valuable ways of sharing our environments from the indigenous peoples of the Pacific Ocean.
The rising salinization of the world’s fresh water is of fundamental concern, as without fresh water there is no life, as evident through NASA records monitoring the world’s health. The increase of the world’s sea level is of equal concern, threatening vulnerable Pacific island nations, as their unique cultures and understanding of the natural world are jeopardized. The union of art and science is a powerful way to expose these diverse frontiers, and to offer awareness of wider global issues to the viewing public.
Contemporary print art always challenges new boundaries and together with Science can illuminate areas of the natural world, for all to appreciate and understand. My research explores the intersections between printmaking, photography and drawing, with prints developed from hand and laser cut plates, with applied inks and gold leaf. A PowerPoint presentation references Hawaiian Endangered Species, water security and cultural diversity in my artworks.

Intensamente rápido e intensamente lento:

Descubriendo el movimiento y la inmovilidad a través del grabado 

Esta ponencia examina el papel de la inmovilidad y el movimiento en el grabado que requieren de un encuentro laborioso entre el grabado y el mundo.

Respaldadas por su curiosidad acerca de las experiencias de movilidad e inmovilidad, las obras de Susanna Castleden y de Lydia Trethewey exploran, respectivamente, la relación entre movimiento e inmovilidad en un viaje en crucero y uno en coche.

Utilizando los procesos expandidos de grabado del frottage y la animación fotograma a fotograma, el viaje y su fin se exploran por medio del frotado de la pasarela del barco y los videos disueltos en solvente del viaje en coche. Aunque diferentes en el método, ambos procesos son arduos y juegan con las interrelaciones de movimiento e inmovilidad. En el frottage de Castleden el calor y el viento del puerto se deceleran en un proceso que, sin embargo, conserva huellas del movimiento. En la animación de Trethewey los fotogramas estáticos se colapsan en una secuencia en movimiento donde la inmovilidad se utiliza para generar movimiento. Estos laboriosos procesos ponen en primer plano el cuerpo del artista en una conexión con la obra basada en el tiempo. En estos acercamientos al grabado la relación entre inmovilidad y movilidad gira a partir de un encuentro diferente, el del grabado y el mundo. En la animación, el video se disecciona en fracciones de segundo donde el aspecto fotográfico es cuestionado a través de los procesos físicos de interrupción.

Del mismo modo, la relación aparentemente eidética entre grabado y objeto en el frottage es contradicha por las huellas de las manos del artista y el movimiento del viento que interrumpe la precisión. Al sondear la inmovilidad y la movilidad estas laboriosas obras realizadas fotograma a fotograma aúnan al grabado y al mundo a través del encuentro con el tiempo.

Intensively Fast and Intensively Slow:

Encountering movement and stillness through printmaking practices

This paper will examine the role of stillness and movement in printmaking practices which involve a time-intensive encounter between print and world.

Underpinned by a curiosity about experiences of mobility and immobility, the work of Susanna Castleden and Lydia Trethewey probe the relationships between movement and stillness in cruise ship and car travel respectively.

Using the expanded printmaking processes of frottage and stop motion animation, passage and terminus are explored through rubbings of a cruise ship gangway, and solvent dissolution of video recordings of car travel. Though distinct in terms of method, both processes are time-intensive, playing with interrelations of movement and stillness; in Castleden’s frottage the heat and wind of the port site is stilled in a process that nonetheless retains traces of movement; conversely in Trethewey’s stop motion animation, static frames are collapsed into a moving sequence, stillness used to generate motion. Importantly both processes are laborious and foreground the artist’s body in a time based connection with the work. In these expanded approaches to printmaking, the relationship between stillness and motion comes to hinge upon a different kind of encounter, that between print and world. In the stop motion animations, a video is anatomised into fractions of a second, from which their photographic aspect is interrogated through physical processes of disruption.

Similarly, the apparently eidetic relation of print to object in frottage is belied through traces of the artists hand and the motion of wind which disrupts exactness. In probing mobility and stillness, these works, made frame-by-frame through laborious processes, enfold print and world through an encounter with time.

El Chine-collé como recurso expresivo en la producción gráfica contemporánea

En esta ponencia se aborda el uso del chine-collé -o fondino- en la gráfica contemporánea y su vigente utilización como recurso expresivo empleado por el/la artista. Esta técnica de estampación se diferencia de otros procedimientos de adhesión de papeles como el collage, por lo que merece ser foco de un estudio específico en un contexto crítico sobre la obra gráfica. Consideramos relevante y novedoso realizar un estudio que permita comprender no sólo cómo se realiza el chine-collé sino, fundamentalmente, qué aporta a la obra gráfica contemporánea.
Por todo ello proponemos un análisis sobre lo que el chine-collé significa en la producción gráfica contemporánea abordando esta ponencia a lo largo de tres apartados diferenciados: es decir:

1. Procedimientos y materiales, descripción de papeles washi, adhesivos y procedimientos de encolado, estampación y prensado;

2. Aportación al lenguaje contemporáneo del artista a través de una compilación de lo que el chine-collé ofrece a la experiencia perceptiva del espectador sobre la estampa y, por último,

3. Análisis de ejemplos de producciones de artistas de reconocido prestigio internacional que lo empleen en su producción como Cristina Iglesias, Jacobo Castellano, Troels Wörsel, Pat Andrea o Sean Mackaoui. Todas las obras presentadas han sido editadas por Benveniste Contemporary.
Consideramos que una revisión sobre las posibilidades del chine collé abre, a su vez, un interesante campo de trabajo en procesos híbridos entre la impresión y la estampación ya que, como veremos, no es infrecuente emplear impresiones con tintas pigmentadas como manera de manipular y enriquecer el chine-collé, algo que posibilita la fusión entre medios digitales y procesos de estampación tradicionales.
Esta ponencia nace de la investigación realizada como editora en el taller de edición gráfica contemporánea Benveniste Contemporary junto a Dan Benveniste, y como docente e investigadora en gráfica contemporánea en la facultad de Bellas Artes Complutense.

The Chine-collé as an expressive resource in contemporary printmaking

This paper addresses the use of chine-collé -or fondino- in contemporary printmaking and its current use as an expressive resource used by artists today.

Since this printing technique differs from other procedures of adhesion of papers such as collage, it has gained its right to be the focus of a specific study in a critical context about graphic art. We consider it relevant and novel to carry out a study that will allow us to understand, not only how the chine-collé is manufactured but, fundamentally, how it contributes to contemporary graphic art.
Because of all of this we propose an analysis of what chine-collé means in contemporary printmaking, by addressing this paper via three different sections:

1. Procedures and materials, description of washi papers, adhesives and procedures for gluing, printing and pressing;

2. Contribution of the artists’ contemporary language through a compilation of what chine-collé offers to the perceptive experience of the viewer on the print and, finally,

3. An analysis of examples of productions with this technique by internationally renowned artists such as Cristina Iglesias, Jacobo Castellano, Troels Wörsel, Pat Andrea or Sean Mackaoui. All the works presented have been printed and published by Benveniste Contemporary.

We believe that a review of the possibilities of the chine collé opens, in turn, an interesting field of work in hybrid processes between printing and impression as it is not uncommon to use impressions with pigmented inks as a way to manipulate and enrich the chine-collé, something that enables a fusion between the digital media and the traditional printing processes. 
This paper was born from a research carried out as an editor at the workshop Benveniste Contemporary with Dan Benveniste, and as a teacher and researcher in contemporary printmaking at the Faculty of Fine Arts in Madrid.

La necesidad de la lentitud

¿Qué harías si te permitís el lujo de la lentitud, la lentitud con un propósito? La Necesidad de la Lentitud es cada vez más clara en la rápida era digital de la apropiación cultural y el turismo, el consumismo inmediato y desechable, la inmediatez del acceso al conocimiento superficial y la cultura, y una población creciente con trastorno de déficit de atención y necesidad de satisfacción inmediata.

¿Qué hacemos como artistas, grabadores, ciudadanos y miembros de la comunidad global para abordar este tipo de problemas? ¿Y de qué manera se puede usar el grabado de manera efectiva para generar conciencia, responsabilidad social y tal vez, tal vez, cambiar?

Es con la acción consciente que la comunidad de grabadores colectivos ha tratado de desafiarse a sí mismos a través de la enseñanza, el activismo y la comunidad
Este documento y el panel de propuesto miran a las preguntas de la dirección de la lentitud, porqué necesitamos ser conscientes de nuestra práctica, impacto, y ambiciones. Y por qué la desaceleración es más importante que el volumen de la producción, el número de países visitados y la velocidad de la información entregada y comprendida. La Necesidad de la Lentitud es una consecuencia natural de SLOWNESS, un intercambio de carteras que organicé para la conferencia SGCI en torno al mismo tema.
Esta cartera de tres partes destaca el trabajo de 36 grafistas que son meticulosos en su oficio y que emplean métodos lentos de producción, pensamiento o metodología evidentes en la impresión final. Las suites de impresiones se pueden ver en línea en:

https://slownessprints.wordpress.com

The Necessity of Slowness

What would you do if you afford yourself the luxury of slowness, slowness with a purpose? The Necessity of Slowness is becoming increasingly clear in the fast moving digital age of cultural appropriation and tourism, disposable and immediate consumerism, immediacy of access to superficial knowledge and culture, and a growing population with attention deficit disorder and need for immediate satisfaction.

What do we do as artists, printmakers, citizens, and members of the global community to address these types of issues? And in what manner can printmaking be used effectively to bring about awareness, social responsibility, and maybe, just maybe, change.

It is with mindful action that the collective printmaking community has sought to challenge themselves through teaching, activism, and community outreach
This paper and proposed panel looks to address questions of Slowness, why we need to be mindful of our practice, impact, and ambitions. And why slowing down is more important than volume of production, number of countries visited, and the speed of information given versus understood.

The Necessity of Slowness is a natural outgrowth from SLOWNESS, a portfolio exchange I organized for the SGCI conference around the same theme.

This three-part portfolio highlights the work of 36 printmakers who are meticulous in their craft and who employed slow methods of production, thought, or methodology evident in the final print.

The suites of prints can be viewed online at

https://slownessprints.wordpress.com

Encuentros de materiales:

Grabado y costura en la práctica contemporánea

Printmaking y Fabric Arts tienen una larga historia de intersección especialmente en el campo de los textiles. Ambas áreas incorporan impresión en bloque, serigrafía y otros métodos de transferencia. En esta presentación, planeo discutir el uso de los métodos tradicionales de impresión como el relieve, la impresión de tipografía y la serigrafía con procesos más asociados con los textiles como el ganchillo y la costura.
Discutiré cómo esta confluencia crea una nueva narrativa para el espectador. Todos los artistas discutidos emplean la estrategia de trabajo de instalación, así como piezas más tradicionales de 2-D en su práctica de estudio. Presentaré el trabajo de cinco artistas: Melissa Harshman, Hannah March Sanders, Blake Sanders, Johanna Norry y Sandra Fernández.
Melissa Harshman es una grabadora que incorpora la costura y el ganchillo en su trabajo para mejorar la experiencia estética del espectador. Las técnicas de costura también le permiten transformar el papel en materiales que emulan el cuero y la tela para proyectos de instalación. Hannah March Sanders y Blake Sanders colaboran en piezas que incluyen crochet, piezas impresas y materiales reciclados para abordar problemas medioambientales y otros problemas sociales. Johanna Norry es una artista de telas que incorpora imágenes impresas en su trabajo textil para crear nuevas interpretaciones de narrativas existentes utilizando documentos e imágenes históricos. 
Sandra Fernández intercala los procesos textiles con el grabado para explorar temas de inmigración y otras situaciones políticamente cargadas. Todos estos artistas usan procesos de impresión y textiles para mejorar su trabajo. Presentaré los diferentes métodos y la relevancia contextual de los procesos en el trabajo de cada artista para examinar la variedad de formas en que la costura y otras aplicaciones textiles mejoran el material impreso estética y conceptualmente.

Material Encounters:

Printmaking and Sewing in Contemporary Practice

Printmaking and Fabric Arts have a long history of intersection especially in the field of textiles. Both areas incorporate block printing, screenprinting, and other transfer methods. In this presentation, I plan to discuss the use of traditional printmaking methods such as relief, letterpress, and screen printing with processes more associated with textiles such as crochet and sewing. I will discuss how this confluence creates a new narrative for the viewer. All of the artists discussed employ the strategy of installation work as well as more traditional 2-D pieces in their studio practice. I will present the work of five artists: Melissa Harshman, Hannah March Sanders, Blake Sanders, Johanna Norry, and Sandra Fernandez.
Melissa Harshman is a printmaker who incorporates sewing and crochet in her work to enhance the aesthetic experience of the viewer. Sewing techniques also allow her to transform paper into materials that emulate leather and fabric for installation projects.

Hannah March Sanders and Blake Sanders collaborate on pieces which include crochet, printed pieces and recycled materials to address environmental concerns as well as other societal issues.

Johanna Norry is a fabric artist who incorporates printed imagery in her textile work to create new interpretations of existing narratives using historical documents and images.
Sandra Fernandez interplays textile processes with printmaking to explore issues of immigration and other politically charged situations.

All of these artists use printmaking and textile processes to enhance their work. I will present the different methods and contextual relevance of the processes in each artist’s work to examine the variety of ways sewing and other textile applications enhances the printed material aesthetically and conceptually.

Más allá de la tipografía

Licenciada en literatura e idiomas eslavos por la Universidad de Milán, muy pronto me acerqué a la técnica del grabado en relieve, medio ideal para poder combinar mi pasión tanto hacia las imágenes como hacia la representación gráfica de la palabra. Siempre me ha fascinado del texto tanto su valor semántico como su potencial expresivo: considero cada letra una unidad visual dotada de fuerza propia, que se convierte, con las ilustraciones a las que acompaña, en un inseparable conjunto gráfico. Por esa razón necesito incidir y diseñar la letra en cada uno de mis proyectos, en vez de recurrir a los caracteres móviles. De hecho considero mis libros "Block Books", ya que los realizo exactamente del mismo modo en que se producían antes el adviento de Gutenberg.
Si en mis obras inicialmente concebía el texto como vehículo de narración, en estos últimos años suelo complementar mis ediciones con una serie paralela de grabados, en los que la palabra va perdiendo su función primaria de significante - hasta convertirse, casi ilegible, en una imagen.
Mi trayectoria empieza con la ilustración y el diseño, y evoluciona en el sector de las ferias internacionales de libro de artista, en las que participo regularmente. Mi obra ha sido galardonada con los premios Typography Award of Excellence (EEUU); Birgit Skiöld Memorial Trust International Award (UK); Graphic Designers’ Personal Projects (UK); Certificate of Excellence of Design (UK); Print Magazine (EEUU); European Design Annual 5 (UK); Bologna Children’s Book Fair (Italia). Ejemplares de mis obras pertenecen a colecciones internacionales, entre las cuales Demetra (Italia), Victoria & Albert Museum (UK), Antiquaria Books y Bayerische Staatsbibliothek (Alemania), Kohler Art Library (EEUU) entre otros.

Beyond Typography

Self-taught as an artist, I have a degree in Slavic languages and literature from the University of Milan, Italy. I soon approached the technique of relief print, the ideal medium to combine both my passion for images and the graphic representation of the word.
I have always found written text especially fascinating because of its semantic value and expressive potential: I do, in fact, consider each letter a visual unit endowed with its own strength, which becomes, along with the illustrations that accompany, an inseparable graphic whole. It is for this reason that I always need to design a new lettering for each new project instead of using letterpress. Hence I see my works as
"Block Books", produced exactly with the same technique used before the advent of Gutenberg. Initially I conceived the text as a narrative vehicle, whereas in recent years I have often complemented my editions with a parallel series of engravings, in which the word loses its primary function as a signifier, until – almost illegible - it becomes an image itself.
My career begins in illustration and design, and evolves in the field of international artist book fairs, in which I participate regularly. My work has been awarded prizes such as the Birgit Skiöld Memorial Trust International Award (UK); Typography Award of Excellence (USA); Certificate of Excellence of Design (UK); Graphic Designers' Personal Projects (UK); Print Magazine (USA); European Design Annual 5 (UK); Bologna Children's Book Fair (Italy). Exemplars of my editions belong to international collections, among which Demetra Gallery (Italy), Victoria & Albert Museum (UK), Antiquaria Books and Bayerische Staatsbibliothek (Germany), Kohler Art Library (USA) among others.