Panel 12

CASYC - Sala 1

Septiembre 7

3 pm - 5 pm

El Salmon Project

El Salmon Project es un proyecto de montaje de texto e imagen a gran escala que incorpora impresión (tradicional y digital), vídeo y poesía narrada. 

Su objetivo es proporcionar un mayor conocimiento sobre las construcciones culturales subyacentes a las representaciones visuales y escritas del salmón del Pacífico en contextos culturales divergentes (es decir, en los medios, la comunidad científica, el turismo, el gobierno, la industria privada, las primeras naciones y los grupos defensores del medio ambiente), y la función del lenguaje en la formación del comportamiento ecológico.

El declive acelerado de las poblaciones de salmón silvestre icónicas de la cultura de Columbia Británica, Canadá le ha dado impulso a este trabajo e igualmente presagia el futuro de muchas otras especies del mundo.

El salmón del Pacífico es de vital importancia para la población de Columbia Británica en general, y está enfrentando innumerables amenazas tales como la destrucción de su hábitat, enfermedades típicas de la acuicultura con redes abiertas, el calentamiento oceánico, y la acidificación relacionada con el cambio climático. Este documento detallará el avance del proyecto a la fecha, desde la recopilación y el análisis de representaciones visuales y escritas del salmón del Pacífico en varios contextos, hasta la selección de frases e imágenes consideradas para resaltar y para ocultar lo que está en juego en las ponencias relacionadas.  Se analizará el diseño del montaje y presentarán videoclips y una selección de los trabajos impresos que lo componen.  Se abordará el paso de la investigación académica a un enfoque más poético utilizando los textos e imágenes necesarios para lograr un compromiso afectivo con este tema, así como el papel que los estudiantes han desempeñado en este proyecto. Se considerarán planes para adaptar el texto y las imágenes a un formato de libro y para una proyección en pantalla urbana.

The Salmon Project

The Salmon Project is a large-scale text and image installation project incorporating printmaking (traditional and digital), video, and spoken word poetry.

The objective of this research is to provide a better understanding of the cultural constructions underlying the visual and textural representations of Pacific salmon within divergent cultural contexts (i.e., in media, the scientific community, tourism, government, private industry, and First Nations and environmental advocacy groups), and the role language has in shaping ecological behavior.

The accelerated decline of the culturally iconic wild salmon populations of British Columbia, Canada provides the impetus for this work and also points to the fate of many other species worldwide.

Pacific salmon are of vital importance to British Columbians as a whole and are suffering from a myriad of threats such as habitat destruction, diseases from open-net aquaculture, and ocean warming and acidification related to climate change.

This illustrated presentation will detail progress to date on this project from the collecting and analysis of visual and written representations of Pacific salmon within various contexts, to the selecting of phrases and images deemed to both frame and conceal what is at stake within the related discourses.

The layout of this installation will be discussed, and video clips and a selection of the print works making up the installation shown.

The shift from academic research to a more poetic approach in working with the texts and images required to afford affective engagement with this topic will be discussed, as will the role students have played in this project. Plans to adapt the text and images into a book format and for an urban-screen projection will be considered.

El arte rupestre de Murujuga: la experiencia de un artista como testigo de la historia, de lo contemporáneo y de la política. 

Esta ponencia trata de mi experiencia como testigo del arte rupestre de Murujuga en la Península Burrup, al norte de Australia Occidental. Explora mi punto de vista como grabador y mi experiencia al haber estado en la compañía de una comunidad de artistas que trabajaron juntos y realizaron obras de arte a lo largo de 40000 años y dejaron a su paso un extraordinario conjunto de obras de arte rupestre, incrustadas en este lugar, una identidad de una importancia cultural de excelencia tanto a nivel local como internacional. Yo veo mi respuesta a este hecho como la de un testigo del arte como belleza, el arte como transformación, el arte como milagro, que va seguido de las secuelas de la colonización, de los imperativos económicos dominantes, de la denegación de reconocimiento. Comparo el reconocimiento y el respeto concedido a otros yacimientos de arte rupestre, tales como el arco mediterráneo de la península ibérica en el oriente de España o los petroglifos de Valcamonica en Italia, ambos declarados bien cultural de la Humanidad por la Unesco.
Mis métodos para este proyecto incluyen hacer un libro de artista con aguafuertes, dibujos y texto (Witness) y un video performance de una grabación de sonido (Pindan) creada a partir de esta investigación. Esta ponencia trata de las formas de explorar mi experiencia y también compara los puntos de vista de otros, el testigo como opresor silencioso, el testigo como espectador, el testigo como activista.

Murujuga rock art: one artist's experience as a witness to the history, the contemporary, and the politics. 

This paper considers my experience as a witness of rock art at Murujuga (the Burrup Peninsula in the north of Western Australia).

It explores my view as a printmaker and my experience of being in the company of a community of artists who worked together and made art for an estimated forty thousand years leaving an extensive body of extraordinary art in the rocks, embedded in this place, an identity of excellence and cultural importance here and internationally.

I consider my response to this as a witness of art as beauty, art as transformation, art as wonder, followed by the aftermath of colonization, overriding economic imperatives, exclusion from recognition.

I compare the acknowledgement and respect given to other rock art sites, such as the UNESCO World Heritage Sites of the Iberian Mediterranean Basin in Eastern Spain, and the petroglyphs of Valcamonica in Italy.
My methodologies for this project include making an artist book, Witness, of etchings, drawings and text, and a performance video of a soundwork, Pindan, created within this research.

This paper discusses these ways of exploring my experience. It also compares the views of others, the witness as silent oppressor, the witness as bystander, the witness as activist.

Algunas experiencias de grabado sostenible en Palermo

Empecé a interesarme en los nuevos materiales y en los métodos para el grabado no tóxico en el año 2004, cuando me mudé a Sicilia. No solo volví como artista grabador, también lo hice como madre de dos nonos pequeños, con toda una vivencia y experiencias eco sostenible en Toscana por 20 años, y ya no quería encerrarme en un taller con mis botellas de disolvente. Volví para ensenar grabado, a formar a jóvenes estudiantes que en su momento utilizarían esta bagaje de información y conocimientos: dependemos de los materiales tradicionales, o el grabado es una práctica libre? Entonces, en este taller lejano donde no se recibía ninguna entrega de disolventes, y de haber tenido disolventes tuviera sido cerrado el taller al carecer de campanas extractoras, se eliminaros todas las necesidades, disolventes, acido, incluso el mismo taller, y se ha hecho sin renunciar nunca a “hacer grabado”. El procedimiento es la base de la indagación pero el objetivo no siempre y únicamente es la obra acabada sino también la experiencia y la reflexión que puede generar la auto concienciación, tanto en los diversos campos de la estética como en los juicios morales, sociales, críticos, y esto siempre nos anima a emprender nuevas acciones. El estar nuestro, allí en la terraza, como una fuerza crítica, generadora de acciones y procesos sociales, una reacción a las acciones ajenas mostrando el disentimiento y la diversidad, participando en un mismo proceso educativo. Especialmente en un país como Italia, con una fuerte tradición histórica, de gran academicismo propenso a repetir y perpetuar sus propios ritos, introducir métodos alternativos significa suspender temporalmente el orden para buscar una implicación un poco más superficial y lúdica, que puede dar mayor apertura al azar y a la imaginación para llevarnos a introducir y explora nuevas imágenes.

Experiences in non-toxic printmaking in Palermo

I began to be interested in new materials and methods for non-toxic printmaking in 2004, when I moved to Sicily, so going back to my homeland.

I returned not just as an artist printmaker but also as a mother of two little children and with a bundle of eco-sustainable experiences in Tuscany where I lived for 20 years and I did not want to shut myself away in a workshop with my bottles of solvents or nitric acid. I was returning to teach printmaking in the Academy of fine arts of Palermo, to train young students who would in turn use this baggage of information and know-how. Are we so dependent on traditional materials or is printmaking a free creative art? It was just a short step to deciding a vanguard place to be a reference for experimental experiences.

All the necessities were eliminated: the solvents, the mordants, the workshop itself, without ever giving up “doing printing”. The process is the hearth of the investigation but the objective is not always the finished work but the experience and the reflection that can generate self-awareness even in other fields than aesthetics such as moral and social judgements, criticism, driving you to always take new actions.

Our being out there on the terrace is a critical force, generating social actions and process, a reaction to the actions of other showing dissent and diversity, participating in the same educational process.

Especially in a country like Italy with a strong historical tradition, when faced by serious academic rigor that likes to repeat and perpetuate their own rites, introducing alternative methods means temporarily suspending order to search for a more open to chance and imagination, to allow us to introduce and explore new images.

Poros Mix Pixels: Un Cruce Entre Litografía e Infografía

Se presenta un artículo anclado en el propio proceso de creación. Este estudio incluye el abordaje de procedimientos técnicos y de interpelaciones conceptuales, resultantes de inserciones entre imágenes operacionalizadas por modos mecánicos y por tecnologías digitales. Interposiciones entre lenguajes, dispositivos y concepciones que revelan la materia gráfica de la serie que se tituló ‘Linfografías’.
Las imágenes en cuestión están elaboradas en la técnica de la litografía y en la operatividad por 'infografía' (creadas en el ordenador), realzando el punto poro de la piedra caliza y el punto píxel en la pantalla luminosa. El punto, menor partícula constituyente de la imagen en su movimiento de contracción y expansión, con referencias en estudios de Wassily Kandinsky y Edmond Couchot.
Se aborda la práctica artística como un conjunto de acontecimientos convocados por el sensorio, proponiendo el cruce de técnicas tradicionales con tecnologías contemporáneas.

Se forman territorios expresivos amalgamados por el collage de los materiales, apuntando a averiguar los límites y las transgresiones entre arte y tecnología, posibilitando realizar grabados en dimensiones mayores que las que comúnmente encontramos. El interés está en obtener una imagen heterogénea, agenciando procedimientos del Arte Impresa, asociándolos al proceso semántico de la obra.

Poros Mix Pixels: A Crossing between Lithography and Infography

This article is anchored in the creation process itself. Such study includes the approach of technical procedures and conceptual interpellations, resulting from insertions between images operated by mechanical modes and by digital technologies. Interpositions between languages, devices and conceptualizations that reveal the graphic matter of the series that was called ‘Linfografias’.

The images in question are elaborated in the technique of lithography and in the operability by ‘infografia’ (computer graphics), emphasizing the pore point of the limestone and the pixel point in the luminous screen. The point, the smallest particle constituent of the image in your movement of contraction and expansion, with references in studies by Wassiliy Kandinsky and Edmond Couchot.
The artistic practice is approached as a set of events summoned by the sensory, proposing the crossing of traditional techniques with contemporary technologies.

Expressive territories are amalgamated by the collage of the materials, aiming to ascertain the limits and the transgressions between art and technology, making possible to make engravings in dimensions larger than those commonly found.
The interest is in obtaining a heterogeneous image, assembling Printed Art procedures, associating them with the semantic process of the work.

Estampando lugares: conectando con el mundo a través del grabado

Para muchas personas el viajar, moverse y conocer lugares nuevos forma parte del vivir en el mundo moderno. Estar en movimiento continuo ha influido en artistas para los que el viajar se ha convertido no sólo en el objeto sino también en el medio para hacer su trabajo. Esta ponencia examina uno de los muchos aspectos del viajar: la interacción y la conexión con el lugar como una forma de reflexión sobre de las prácticas de grabado contemporáneas.
Basándose en los ensayos del filósofo Edward S. Casey sobre las formas artísticas de conexión con el lugar, se examina el trabajo del grabador australiano de orígen alemán Jörg Schmeisser. Su prolífica carrera se nutre de su curiosidad acerca del mundo y de sus múltiples viajes al Medio Oriente, a Europa, al Sudeste
Asiático, los Estados Unidos, la Antártida, Australia y Japón. Sus encuentros con culturas, paisajes y tradiciones nuevas resultaron en numerosas series de aguafuertes ejecutados magistralmente. Algunas de sus obras dan la sensación de ser un diario visual con impresiones rápidas inscritas en forma de líneas estampadas de forma intrincada, mientras que otras muestran observaciones detalladas donde los gestos expresivos, mezclados con el texto y los colores crean narrativas intrigantes que cautivan la imaginación del espectador.
Para Schmeisser, el grabado era una manera de comprender y capturar los lugares que se encontraba. De forma similar, en la investigación realizada para mi doctorado, exploro cómo el viajar entre Polonia y Australia se refleja en mi práctica creativa y de qué manera los métodos de grabado pueden revelar la experiencia del lugar. Por medio del debate de mis series de obras intento mostrar cómo las técnicas de grabado (incluyendo la litografía y la serigrafía) se convierten en el marco ideal para articular la interacción y la conexión con ambos lugares.

Printing places: encountering the world via printmaking practice.

For many people, travelling, moving and encountering new places is part of living in the modern world.
Being on the move has greatly influenced artists for whom travelling has become both a subject and a means of making their work. This paper aims to examine one of the many aspects of travelling – an encounter and engagement with place as a way of reflecting on contemporary printmaking practices.
Drawing upon philosopher Edward S. Casey’s writings on artistic forms of engagement with place, this paper examines the work of German born Australian printmaker Jörg Schmeisser. Schmeisser ‘s prolific career was informed by his curiosity about the world and multiple journeys to the Middle East, Europe, South East Asia, the USA, Antarctica, Australia and Japan.

His encounters with new cultures, landscapes, and traditions resulted in numerous sets of masterfully executed etchings.

Some of his works have the feel of a visual diary; quick impressions are inscribed in the form of intricate etched lines, while others demonstrate in-depth observations, where the expressive gestures, mixed with text and colors create intriguing narratives that captivate viewer’s imagination.
For Schmeisser, printmaking was a means to understand and capture the places he encountered. In a similar vein, in my PhD research, I explore how working and traveling between Poland and Australia has informed my creative practice, and how printmaking methods can reveal the experience of place.

Through a discussion of my series of works I intend to show how printmaking techniques (including lithography and screen-printing) became an ideal framing device to articulate my engagement and encounter with both places.

Colisiones con otras Disciplinas

¿Por qué es que tenemos tantos problemas para apartarnos de la proverbial ruina del tren? Parece que estamos inexorablemente atraídos por la tragedia. ¿Es un caso de fascinación morbosa, Schadenfreude, o algo igualmente siniestro?
Mi trabajo explora el desastre, la tragedia, la memoria y la vulnerabilidad a través de diferentes medios, que van desde el grabado hasta el rendimiento, el arte con fibras y los objetos impresos.

Pregunto cómo vemos la tragedia y la muerte, así como la forma en que tratamos las consecuencias en el contexto de los accidentes. Dependemos de nuestra tecnología (aviones, trenes, automóviles) y olvidamos fácilmente que es tan falible como nuestros cuerpos.

Todo contacto físico es una colisión con repercusiones visibles permanentes.
Aunque trabajo principalmente con grabado, la instalación, el rendimiento y la escultura son una parte esencial de mi trabajo. Este documento se centrará en la noción de "impresión en expansión", específicamente en lo que se refiere a mi cuerpo de trabajo.

Collisions with Other Disciplines 

Why is it that we have such trouble looking away from the proverbial train wreck? We seem to be inexorably drawn to tragedy. Is it a case of morbid fascination, Schadenfreude, or something equally sinister?
My work explores disaster, tragedy, memory and vulnerability through different mediums, ranging from printmaking to performance, to fiber art and printed objects.

I question the way we look at tragedy and death as well as the way we deal with the aftermath within the context of accidents.

We depend on our technology (planes, trains, automobiles) and easily forget that it is just as fallible as our bodies. A

ll physical contact is a collision with permanent visible repercussions.
Although I mainly work with printmaking, installation, performance and sculpture are an essential part of my body of work.

My paper will focus on the notion of “expanding print,” specifically as it relates to my body of work.