Panel 10

CASYC - Sala 3

Septiembre 7

11:45 am - 1:30 pm

Flujo ambulante.

Siguiendo la materialidad de los medios de impresión 

Este estudio examinará las propuestas estéticas de artistas contemporáneos que exploran los procesos y materialidades multivalentes de los medios de impresión que ofrecen lecturas e intervenciones significativas dentro de las prácticas neo-materialistas. La serie de artistas presentados identifican las potencialidades en los medios impresos y transforman las funciones previsibles de sus tareas racionales y divisibles al desarticularlas en acciones más intuitivas y polimorfos, expresivas de eventos y afectos no teleológicos. El discernimiento de los acontecimientos inherentes a la duración, los desplazamientos visuales y los significados materiales - en lugar de ser exigencias y causalidades técnicas fijas que determinan una impresión final - ahora emergen como encuentros perceptivos y agentes performativos. Esta experiencia encarnada tiene como objetivo no tanto producir hechos sobre los medios impresos, sino permitirles ser llevados por su materialidad y procesos. Esta elocuente búsqueda es considerada por el antropólogo Tim Ingold un “arte de indagación, donde la conducta del pensamiento acompaña, y responde de manera continuada a las alteraciones y flujos de los materiales con que trabajamos. Estos materiales son pensados en nosotros, como pensamos a través de ellos.” Esta reciprocidad materia-reflexión sitúa la propuesta gráfica desde el ámbito de la experimentación. No será con el propósito de constatar de modo conclusivo razonamientos apriorísticos o desde un cientificismo reprográfico, sino de inaugurar recorridos que responden a fuerzas procreantes del material y a percataciónes sensoriales. Mediante la coordinación de acciones perceptivas, inherentes a prácticas diestras, y a lo largo de una secuencia de eventos, emerge un movimiento itinerante, entendido como un camino a seguir en lugar de un corpus de principios y normas preconcebidas. Los procedimientos técnicos empleados en la evocación poética de significados sin precedentes promueven una concepción creativa más relacional que determinista, una nueva sensibilidad a situaciones, a la reciprocidad confluente de la materia y la ideación.

Ambulant Flow.

Following the Materiality of Print Media

This paper examines the aesthetic proposals of contemporary artists exploring the multivalent processes and materialities of print media that afford significant readings and interventions within new materialist practices. The series of artists presented identify potentialities in print media and transform the predictable functions of its rational and divisible tasks by disarticulating them into more intuitive and polymorphous actions, expressive of non-teleological events and affects. The unpacking of inherent durational developments, visual displacements and material significations - rather than being fixed technical exigencies and causalities that determine a final print - now emerge as perceptual encounters and performative agents in its making.

This embodied experience aims not so much to produce facts about print media to the artists, as to enable them to be led by its materiality and processes. This eloquent following is considered by anthropologist Tim Ingold as an “art of inquiry, where the conduct of thought goes along with, and continuously answers to, the fluxes and flows of the materials with which we work. These materials think in us, as we think through them” (INGOLD, 2013).

The matter-reflection reciprocality situates current print media proposals within an area of experimentation. Not with the intention of conclusively stating a priori reasoning’s or from reprographic scientism, but by introducing avenues that answer to procreant material forces and perceptual awareness.

Through the coordination of action and perception inherent in skillful practice, an itinerant movement emerges along a sequence of events, understood as a course to be followed rather than a corpus of preconceived rules and principles. Based on these considerations, the technical procedures employed in the poetical evocation of unprecedented meanings, promote a creative conception more relational than determinist, a new responsiveness to situations and as a confluent reciprocity of matter and ideation.

Encuentros con “Vanitas” en la era del Selfie

Esta presentación explora las ideas, la motivación, técnicas de producción, y respuesta del público a la más reciente serie de impresiones (Vanitas) de John Phillips.
Con la creciente proliferación de imágenes fotográficas y de llevar registro de todos los aspectos de nuestra vida, surge la necesidad de retomar la fotografía como una ruta para para creación de imágenes deslumbrantes.
Las impresiones Vanitas buscan reclamar aquello que fue rechazado e ignorado. Son el “encuentro” contemporáneo con la tradición occidental del género de la pintura que evoca la brevedad de la belleza y la muerte.
A simple vista, la serie Vanitas vuelve su mirada a mediados del siglo 19 – El mundo de Les Fleurs du Mal” de Baudelaire, los cuadros de Henri Fantin-Latour y William Dyce, The Garden of Proserpine de Swinburne.
Regresa aún más, a la Holanda del siglo 17. Sin embargo, las estampas Vanitas surgen de la experimentación en fotografía digital y el grabado. La serie de estampas Vanitas nace del trabajo experimental “Captive Light” que se presentó en Impact 8, en 2013. Cada una de las imágenes Vanitas es toda una hazaña, en la que el artista combina hasta 1400 componentes de la imagen para imbuir a los sujetos en esta inquietante híper-realidad.
La muestra presenta una serie de encuentros no resueltos para el espectador: flores muertas que se encuentran notablemente vivas, fotografías que se asemejan a cuadros, tecnologías contemporánea que imita la naturaleza muerta del siglo 17, objetos desechados que exudan una presencia hipnótica. Exhibida en londonprintstudio (2016), Royal Academy Summer Exhibition (2016), Milton's Cottage (2017), Young Masters Prize (2017) y en numerosas ferias de arte en el Reino Unido, la muestra ha despertado considerable interés.

Encounters with 'Vanitas' in the age of the Selfie 

The proposed presentation explores ideas and motivation, techniques of production, and public response to a recent series of prints (Vanitas) by John Phillips.
With the increasing proliferation of photographic imagery and the recording of all aspects of our lives, there is a need to reclaim photography as a route to creating startling images.
The Vanitas prints seek to reclaim the discarded and overlooked. They are a contemporary 'encounter' with a tradition of Western genre painting redolent with fading beauty and mortality.
At first glance, the Vanitas series looks back to the mid 19th century - the world of Baudelaire's 'Les Fleurs du Mal', the paintings of Henri Fantin-Latour and William Dyce, Swinburne's Garden of Proserpine, and further back to Holland in the 17th century. Yet the Vanitas prints emerged from experiments in digital photography and printmaking.
The Vanitas print series grew out of is experimental work 'Captive Light' presented at Impact 8, 2013.. Each of the Vanitas images is a technical tour de force, in which the artist combines up to 1400 image components to imbue his subjects with an eerie hyper-reality.
The works present a series of unresolved 'encounters' to the viewer: dead flowers that are remarkably alive, photography that more closely resembles painting, contemporary technology mimicking 17th century still life, discarded objects exuding a mesmeric presence,.
Exhibited at londonprintstudio (2016), Royal Academy Summer Exhibition (2016), Milton's Cottage (2017), Young Masters Prize (2017) and numerous art fairs in the UK, the work has aroused considerable interest.

Temporalmente Accesible 

El papel de la impresión en las instalaciones realizadas en el museo de Freud

En 2016/17 tuve exposiciones en el Museo Freud en Londres y Viena. Ambas exposiciones fueron producidas específicamente para el lugar donde fueron expuestas; en Viena, en el apartamento casi vacío en la actualidad, donde Freud vivió y trabajó antes de emigrar a Londres en 1938, mientras que la exposición en Londres se realizó en el exuberante entorno del Museo Freud que se complementaba con sus muebles, incluyendo el sofá y su extensa colección de antigüedades y objetos de arte.
Este documento muestra cómo una forma expandida de Impresión resultó un componente clave en ambas exposiciones y ayudó a configurar estrategias para trabajar con tales colecciones. Éstas incluyen el escaneo en 3D de todas las antigüedades en el escritorio de Freud y, a partir de ellas, sus posteriores impresiones en 3D para producir un "fantasma del escritorio" y conseguir que el abrigo comprado por Freud para su migración a Londres fuera escaneado con rayos X por la National Gallery con el fin de proporcionar la información necesaria para una impresión digital de tamaño real. Además, la impresión offset comercial se usó para producir tanto una serie de postales como un libro de artista, mientras que los bloques de corte con láser proporcionaron las matrices para nuevas impresiones en relieve.
Las exposiciones brindaron una oportunidad única para probar la eficacia del trabajo en dos contextos distintos.
A modo de reflexión, la historia de la impresión ha consistido en encontrar espacios para ocupar o tomar prestados, a diferencia de la pintura, por ejemplo, donde el museo, el palacio o las paredes de la catedral han ofrecido un espacio listo y a menudo permanente.

Temporarily Accessioned

The role of Printmaking within Freud Museum Installations.

In 2016/17 I had exhibitions at the Freud Museum in London and Vienna. These were both site specific exhibitions; in Vienna in the now relatively empty apartments that Freud lived and worked before his migration to London in 1938 while the exhibition in London was in the rich environment of the Freud Museum complete with his furniture including the couch and his extensive collection of antiquities and objects d’art.
This illustrated paper will consider how an expanded form of Printmaking was a key component in both exhibitions and helped shape strategies for working with such collections. These included 3D scanning all the antiquities on Freud’s desk and from these making 3D prints in order to produce a ‘ghost of the desk’ and arranging for the coat purchased by Freud for his migration to London to be x-rayed by the National
Gallery in order to provide the data for a life size digital print. Furthermore, commercial offset printing was used to produce both a series of postcards and an artists book, while laser-cut woodblocks provided the matrices for new relief prints.
The exhibitions provided a rare opportunity to test out the efficacy of the work within two distinct contexts.
The exhibition in Vienna, whilst obviously a location loaded with history and prior meaning was more akin to the ‘white cube’, while in London, surrounded by Sigmund & Anna Freud’s artefacts my artworks had to compete for space.
On reflection, the history of printmaking has been about finding spaces to occupy or borrow, unlike painting for example where the museum, palace or cathedral walls have offered a ready and often permanent space.

CAMPO DE FUERZA:

Desafío a la división binaria entre tacto humano y tecnológico

La forma en que entendemos el tacto hoy en día está frecuentemente dirigida por las filosofías de la corporeidad y agenciamiento, donde el tacto es también sentimiento (y una huella intermitente). La tecnología trastoca estas transmisiones, asociaciones y expectativas, pero esto no significa que debería ser excluida del discurso o reducida a ser enmarcada dentro de parámetros puramente humanos.
La identidad de la tecnología y nuestra relación con ella es un asunto complejo, al ser ambas ajenas al cuerpo, así como también absorbidas o informadas por éste. La tecnología está usualmente enmarcada dentro de una narrativa de conflicto para el cuerpo humano, como un objeto o proceso que debemos llegar a dominar o, en su defecto, llegar a ser dominados por éste.
Las tecnologías también están divididas por escala y grado en herramienta o máquina; la primera complementando y amplificando al cuerpo; la segunda, reemplazándolo. Estas narrativas son asombrosamente problemáticas, pues perpetúan mitologías anticuadas del tacto.
Derivada de percepciones de “tacto directo” y “fluidez”, como se presentan y definen dentro de las prácticas de las bellas artes, propongo reconsiderar la división binaria entre tacto humano y tecnológico.
Utilizando mis propias experiencias corporales en grabado, al trabajar con la engorrosa y compleja tecnología de la prensa - en comparación con las prensas de modelos humanos de Yves Klein en 'Anthropometries' - reexamino y revelo nuestros entendimientos y prejuicios con respecto al tacto y sus formas alternativas. Al examinar el devenir de la tecnología como una de sus practicantes encarnadas que emplea una ontología orientada al objeto, contribuyo con una nueva perspectiva al ampliar el ámbito existente en este tema, así como también el estatus y la percepción del grabado y sus variados procesos, los cuales continúan negando y desafiando nuestro deseo de calificar y categorizar holísticamente su forma y tacto.

FORCE FIELD:

Challenging the binary division between human and technological touch

The way we understand touch today is frequently directed by philosophies of embodiment and agency, where touch is also feeling (and intermittent trace). Technology, as my argument reveals, disrupts these relays, associations and expectations; but this does not mean that it should be excluded from the discourse, or reduced by framing it within purely human parameters.
Technology’s identity, and our relationship to it, is complex being both other to the body, and absorbed into or informed by it. According to the arguments of Sigmund Freud (1961), Walter Ong (1982), Margaret Mead (1953), and Tim Ingold (2011) technology is often framed within a narrative of conflict to the human body; as an object or process which we must master, or, failing that, be mastered by. Technologies are also divided by scale and degree into tool or machine; the first complementing and amplifying the body, the second replacing it. These narratives, though understandable, are strikingly problematic, perpetuating outmoded mythologies of touch.
Stemming from perceptions of ‘direct touch’ and ‘flow’ as they are presented and defined within fine art practice I reconsider the binary dividing human touch and technological touch. Using my own embodied experiences of printing with the cumbersome complex technology of the printing press in comparison to Yves Klein’s human model presses in his 'Anthropometries' I re-examine and reveal our understandings of and prejudices on touch and its alternative forms.
By examining the becoming of technology on both its terms and that of mine, as one of its embodied practitioners employing an object-oriented ontology, I contribute a new perspective, widening the existing scope on the subject; as well as the status and perception of printmaking and its varied processes that continue to deny and defy our desire to holistically categorise and qualify its form and touch.

El toque autográfico - un minnow plateado de grabado

El surgimiento de la estética háptica en el sector académico ofrece nuevas herramientas para el discurso crítico en la cultura del grabado. Esto tiene una relevancia específica para los artistas que emplean obra autográfica dentro de sus prácticas artísticas. Ruth Pelzer-Montada texturiza este potencial al enfocarse en la dialéctica insoluble colocada de forma indicial entre impresiones a través del tacto, por ejemplo, la ausencia y la presencia*. Situado dentro de la estética háptica, este tacto primordial, evidente de distintas maneras en todos los trabajos de grabado, opone resistencia al desmantelamiento de su aura y encuentra un aliado en el "objeto" de la semiótica de Peirce. La impresión indexical nos mantiene en contacto con la fuente real, y así como el ‘objeto’ de Peirce, activa nuestra percepción háptica. En lugar de una recepción meramente óptica (proyectando interpretaciones sobre la impresión) es posible generar una corriente de investigación sobre o alrededor de una impresión, desde el inicio de su producción hasta su estado final.
Dicho acercamiento, genera un espacio considerable para que los artistas, logren descentralizar al público.
Esta presentación es parte de un proyecto artístico creado a través de la investigación sobre la cultura del grabado y la háptica. Durante dicho trabajo se ha empleado la fabricación de papel y la impresión de pulpa con el objetivo de investigar críticamente la relación entre el tacto y la vista. Los resultados informan la producción, recepción y evaluación de grabados. Parte de la obra que se ha generado a través de esta investigación, será presentada en la sesión de Carpeta Abierta en IMPACT10.
* discutido en su ensayo "Autenticidad en Grabado - A Red Herring?" Entregado en el 2 ° Impacto, 2001

The autographic touch - a silver minnow of printmaking

The emergence of haptic aesthetics from a resurgent engagement with touch in academeia offers new tools for critical discourse in print culture. This holds specific relevance for artists who employ the autographic print within their art practices.

Ruth Pelzer-Montada gives texture to this potential when drawing attention to the insoluble dialectic indexically placed within prints through touch, eg absence and presence*.

Framed within haptic aesthetics this primal touch, varyingly evident in all prints, resists the dismantling of its aura, and finds an ally in the “object” of Peircean semiotics. At its foundation the indexical print keeps us in touch with the real, i.e Peirce’s object, activating our haptic perception.

Rather than a solely optic reception (projecting interpretations onto the print) we can sustain an investigatory movement over, across or around a print from its production to its end. Such an autographic touch provides considerable scope for artists to radically decenter us.
This paper is integral to a body of work created through studio research into print culture and the haptic.
The research employed papermaking and pulp printing to critically investigate the relationship between touch and sight, the outcomes of which inform the production, reception and evaluation of prints. A folio of these outcomes is presented at an Open Portfolio session of IMAPCT 10.
* discussed in her paper "Authenticity in Printmaking - A Red Herring?" Delivered at the 2nd Impact, 2001.